Serial Loser's Blog

Bonne année dragonesque aquatique

2012-01-23T16:47:00.000+01:00

Oui, je sais, j'aurais pu faire plus original comme titre, mais j'ai la flemme.

Comme certains auront pu le constater, ce blog a été quelque peu délaissé par son propriétaire ce mois-ci. Ce qui contraste un tout petit peu par rapport à la période d'hyperactivité qu'a été le mois de décembre. Plusieurs raisons à cela.

Des raisons personnelles, d'abord, mais ça ne vous regarde pas, bande de vils curieux.

Un manque de motivation, ensuite, car j'avoue que dernièrement, je n'ai rien trouvé de particulièrement intéressant ou rigolo à poster ici. Non, la démo de Kingdoms of Amalur - Reckoning ne m'a pas donné envie d'écrire quoi que ce soit dessus, à part que la lancer permet de débloquer une armure pour le futur Mass Effect 3. J'avais l'intention de publier un petit compte-rendu de la convention Art to Play ce mois-ci, vu que le "calendrier" de décembre y était peu propice; sauf que ç'aurait été bien tard, et que je n'ai rien à ajouter à ce qu'a pu écrire Amo sur la question (sauf peut-être que j'ai été déçu par la partie retrogaming). J'aurais pu écrire un petit post sur l'inénarrable Mawaru Penguin Drum, assurément l'anime incontournable de l'année 2011, mais d'autres s'en sont déjà chargés et mieux que je ne l'aurais fait à leur place. J'avais l'intention d'écrire un petit quelque chose sur le sympathique et néanmoins peu ambitieux Kimi to Boku, mais l'anime n'est pas encore terminé (reprise en février, il me semble), donc autant attendre la fin pour ça. Et concernant Boku wa Tomodachi ga Sukunai, Amo (encore lui) a déjà très bien résumé la situation, donc pas la peine que je m'y mette aussi; je dirai juste que le seul truc mémorable dont je me souviendrai de ce machin, c'est qu'une nana arrive à fantasmer sur l'érotisme d'un combat entre mecha. Conceptuel.

Enfin, je commence à me demander si c'est vraiment une bonne idée de continuer à maintenir ce blog de merde à flot, car, en dépit de sa fréquentation en hausse (ce que je n'arrive pas à m'expliquer), j'ai de plus en plus de mal à m'y intéresser. Néanmoins quand je vois la nature des mots-clefs entrés dans des moteurs de recherche qui y aboutissent, je me dis que ça peut-être amusant de continuer, juste pour voir.

Non, franchement, je me demande comment sont conçus les bots de Google et autres pour faire arriver quelqu'un sur mon blog avec des recherches du genre "gue-trouve-ton-dans-les-xese-chop" (sic), "voir un mec s enculer avec un objet" (re-sic) ou encore "gros seins dunkerque" (re-re-sic). Et je vous épargne là la looooongue liste de mecs (car je suppose que ce sont très majoritairement des mecs) qui viennent ici suite à une recherche de type "hentai + [insérez le(s) mot(s) de votre choix]". Même si je sais bien que ce blog est parfois un peu trash, pas toujours "SFW" et souvent très con, jusqu'à preuve du contraire, je ne me rappelle pas avoir jamais publié d'images de "parodie dbz hentai" (sic) ou de "sm enculage hentai inquisition" (encore sic), mais apparemment, Google Images n'en a cure...

Enfin, je vous en ai gardé quelques uns, pour la route:

"kawai shit"

Bien d'accord.

"troll detected"

Oui, c'est bien ici. Vous désirez?

"serial loser's blog teppu"

J'imagine que ça doit se passer de commentaire.

"comment changer email druaga"

De mémoire, je crois que ce n'est pas possible sans intervention des MJ.

"manga fille pleure"

Voilà qui est très précis.

"manga baston qui son sorti en france en vidéos"

Plait-il?

"ca ta plu le film ?"

Oui, mais la partouze finale avec Rocco est de trop. On parle bien du même film, hein?

"film de bateau disparu"

Au hasard... Virus?

"ou accède-t-on à la station pinnacle ?"

Elle est à Argos Rho, système Phoenix.

"chronos cross les meilleurs joueurs à recruter"

Je suppose qu'il faut comprendre "joueurs" par "PJ". Je dirais Glenn, puisqu'il se combine bien avec Serge (X-Strike) et qu'il peut s'équiper de deux Einlanzer. Karsh est plutôt bon également, surtout "combiné" avec Zoah (Dragon Spike). Riddel est certainement la meilleure healeuse du jeu. Et j'aime bien Draggy, aussi (combo avec Leah).

"shining force 3 (megadrive)"

Fail.

"me and you...the naughty titre original"

Zankoku na Kimi to Tomo ni

"RX-78 se fait enculer violemment"
"rx-78 gundam enculé violement yaoi"
"rx-78 gundam enculé violement merde"

Je crois que certains membres de l'AEUG ont un problème...

"je n'aime que la sodomie"

On va s'entendre. :)

"elle n aime pas la sodomie"

Je compatis. :(

"est ce que les femmes aiment la sodomie"

Bien sûr. Du moment que c'est dans un yaoi...

"comment se faire sodomiser pour la première fois"

Pour cela, il suffit de prendre rendez-vous avec l'auteur de ce blog. ;)

"il encule un fruit"

Par l'anus du fruit?

"foufoune et une bite qui se baise"

Euh...

Sur ce, à une prochaine.

Dragon Age - Asunder

2012-01-13T19:57:00.001+01:00

Après The Stolen Throne et The Calling, les romans de Dragon Age poursuivent leur petit bonhomme de chemin avec Asunder, sorti en décembre dernier outre-Atlantique.

Rhys est un mage un peu particulier: il est le seul de son "cercle" à voir le dénommé Cole, un individu a priori dépourvu de tout autre pouvoir que celui d'être inexistant aux yeux de presque tous. Ou du moins, Rhys est le seul a avoir survécu à sa rencontre avec Cole, car ce dernier a une fâcheuse tendance à interpréter le fait de se faire remarquer comme une demande d'assassinat. Ce qui pose d'ailleurs quelques petits problèmes aux Templiers, un peu lassés de devoir ramasser des cadavres quotidiennement.

Mais il y a pire: suite aux événements de Dragon Age II, les "cercles" se soulèvent les uns après les autres, et celui de Val Royeaux, où se trouve Rhys, est en passe de suivre le même chemin. Il faut dire que l'attitude des Templiers n'arrange rien, tandis que les mages se divisent sur la question de savoir s'ils doivent rester dans la Chantrie ou faire sécession. Si on ajoute à cela qu'Orlais est aux prises avec une révolte nobiliaire, on comprendra que la situation est explosive.

Et l'arrivée d'une héroïne de Ferelden, Wynne, annonçant qu'un Tranquil nommé Pharamond s'est transformé en Abomination (chose a priori impossible), ne va rien arranger... Sentant que les problèmes ne font que commencer, la Divine Justinia V mandate Wynne, Rhys et l'une de ses amies pour "enquêter", tandis que le Lord Seeker Lambert, foncièrement hostile aux mages, leur impose la présence de la templière Evangeline.

Wynne a donc survécu et a officiellement combattu l'Archdemon aux côtés du Warden... au temps pour ceux qui ont préféré s'allier aux Templiers dans Dragon Age: Origins, ou qui ont choisi de sacrifier Arlessa Isolde. En effet, si les deux premiers romans, en tant que préquelles, ne prenaient aucunement position sur les choix in-game, ce dernier implique un "canon" assez restrictif en choisissant de mettre en scène une Wynne victorieuse de l'Archdemon, qui plus est accompagnée de Shale.

Pourtant, malgré ce "défaut", le roman passe plutôt bien, et même mieux que les précédents. Peut-être est-ce lié au fait que l'on retrouve ici plusieurs personnages que l'on a bien connu in-game et dont on découvre le devenir après les événements de Dragon Age II. Peut-être est-ce lié également aux personnages secondaires, assez intéressants dans leur genre, même si Cole aurait certainement mérité un développement plus conséquent.

Cependant, pour ce qui est du déroulement de l'histoire en elle-même, on ne trouve au fond rien de très nouveau: toujours cette même querelle opposant les mages et les Templiers depuis Dragon Age II, à laquelle vient s'ajouter la question des relations "affectives" qui peuvent se tisser entre membres des deux camps et que l'on pouvait déjà trouver dans le comic (elle est ici simplement inversée).

Néanmoins, les conséquences des événements relatés, plus que les événements eux-mêmes, pèsent un poids très lourd dans la storyline, et je ne doute pas que ce roman constituera un trait d'union notable entre Dragon Age II et le futur Dragon Age III.

Hitler

2012-01-08T18:53:00.001+01:00

Point Godwin atteint dès le titre. Eh beh... Bon, pas grave.

Puisque les présidentielles approchent et qu'il semble inspirer plusieurs candidats sérieux à la plus haute fonction de l'Etat, il m'a semblé judicieux, en ce lendemain de noël orthodoxe (c'est de circonstance, il a envahi la Grèce et la Russie), d'évoquer le charmant petit manga sorti récemment qui entreprend de raconter sa vie, son oeuvre et le reste.

Bien que l'enseignement de l'histoire en France n'ait d'"histoire" que le nom, je ne pense pas qu'il soit nécessairement utile de revenir sur la biographie du "caporal bohémien" ici bas. Non seulement ça donnerait à ce blog un aspect "intello" qu'il ne mérite pas, mais surtout, j'ai pas envie de m'emmerder. Allez lire (ou relire) Ian Kershaw, il fait ça très bien.

Hitler, donc, évoque les activités ludiques du chancelier/dictateur, de sa jeunesse viennoise (où il officiait en tant que peintre raté avant la Première Guerre Mondiale) à sa mort dans sa coquette résidence berlinoise (dont je ne doute pas qu'elle servit de modèle à SARAH dans Eureka), en passant par son expérience personnelle de la guerre (qui contrairement aux idées reçues n'a pas été celle d'un planqué: être estafette signifiait tout de même porter des messages aux diverses positions sous le feu ennemi), son implication dans la vie politique de la République de Weimar et son amour possessif et à sens unique pour sa nièce Geli. Avec les dommages collatéraux que l'on connaît.

Mizuki Shigeru, ancien soldat du Japon impérialiste, est l'exact opposé, dans le monde du manga, d'un Kobayashi Yoshinori. Loin de dédouaner son pays de ses crimes, il semble avoir été traumatisé par cette guerre, voulue par une institution inhumaine, qui lui a littéralement coûté un bras; aussi s'est-il éloigné de cette tendance historiographique voyant dans le Japon un pays martyr, victime de la barbarie américaine (sans pour autant partir dans l'excès inverse).

Sa vision de l'essor du nazisme et du "volet occidental" de cette même guerre se trouve donc conditionnée par cette expérience personnelle du conflit dans le Pacifique: Mizuki voit donc dans une minorité dirigeante cynique, arriviste et manipulatrice l'instigatrice d'un conflit qui finit par tourner à son désavantage, entraînant sa chute. Cependant, le mangaka a privilégié une approche tragi-comique du récit de la vie du dictateur.

Car, tout au long de cette petite histoire, Hitler est une véritable incarnation du ridicule, un être pathétique et pitoyable, dont l'incompétence n'a d'égale que l'ambition et l'égo surdimensionné, et que seul son talent oratoire parvient à tirer de l'indigence. Ses "amis" ne sont d'ailleurs pas en reste, en termes d'arrivisme et d'incompétence, et cette oeuvre de fiction, caricaturale à souhait, rejoint le questionnement historien de Kershaw: comment une telle bande de bras cassés a-t-elle pu réussir à s'emparer du pouvoir en Allemagne et semer la ruine en Europe?

Le trait "vieillot" et volontairement maladroit de l'auteur lorsqu'il s'agit de rendre les expression faciales renforce l'impression globale de ridicule, sans pour autant entamer la valeur dramatique des exactions commises par le régime nazi. Le premier chapitre, sensé se dérouler en 1945, en guise d'introduction, est à cet égard évocateur, tout comme les pages de garde de la plupart des chapitres, détournant diverses oeuvres d'art en une critique acerbe du nazisme et de son premier promoteur.

Cependant, tout est loin d'être parfait dans ce manga, car il souffre parfois du mal récurrent des récits historiques: l'anachronisme. Paris encore occupée en 1945, le terme de "Reich" employé pour désigner la république de Weimar ou autres ne nous seront donc malheureusement pas épargnés, même si, au fond, cela ne nuit pas vraiment au récit, de même que certaines traductions "étranges". On notera toutefois qu'une bonne partie des paroles prêtées à Hitler sont authentiques, tirées de discours officiels ou rapportées après guerre, ce qui démontre que la documentation de Mizuki n'était pas non plus superficielle, même si parfois insuffisante.

Quant à l'édition proposée par Cornélius, elle se révèle globalement d'excellente facture, avec une reliure du plus bel effet, une présentation de l'auteur en introduction qui permet de recontextualiser son oeuvre et un petit nombre de notes explicatives à la fin de l'ouvrage visant à pallier les éventuelles lacunes du lecteur.

Aussi, malgré les quelques défauts évoqués plus haut, je ne peux guère que conseiller la lecture de ce manga consacré à la biographie du plus célèbre cinglé de l'Europe contemporaine.

Gueule de bois (Gundam inside)

2012-01-04T15:53:00.000+01:00

Techniquement, une fin d'année, c'est toujours une orgie de bouffe bien grasse ou trop sucrée, agrémentée d'alcools forts. Bien sûr, le résultat, on le connaît: une belle gueule de bois avec repeinte certifiée bio de l'intérieur des canalisations domestiques. Aussi ne faut-il guère s'étonner de voir commencer cette nouvelle année assez fort: on apprenait en début de semaine la cessation des activités DVD, bluray & manga de Bandai Entertainment en Amérique du Nord (pour des raisons malheureusement très compréhensibles), et on apprend aujourd'hui que Beez a cessé ses activités en Europe, laissant le soin à Bandai France de gérer ce qui reste de son stock.

Alors oui, l'éditeur était agonisant depuis un bon moment, mais ça fait toujours mal de voir le prévisible se produire. Gundam se portait déjà bien mal en France, et ceci pourrait bien être le coup de grâce, car si, côté manga, Pika semble vouloir continuer à publier (au compte goutte) les volumes restants de Gundam - The Origin, les premiers volumes (chauds à trouver) ne seront plus réimprimés (je ne parle même pas d'Ecole du Ciel).

Plus globalement, la disparition de Beez et la fin des DVDs estampillés Bandai Entertainment ne laissent plus guère comme éditeur de DVDs Gundam en occident que Dynit; autrement dit, si l'on n'est pas nipponophone, on a intérêt à comprendre le rital... du moins, si on veut rester dans la légalité (car il est bien connu que le piratage, c'est très vilain).

Nous n'aurons donc pas droit à Gundam AGE...

Bref, bonne année de merde 2012, ce n'est que le début. Ah, et n'oubliez pas de faire la peau aux emmerdeurs qui vous cassent les pieds avec leurs histoires de fin du monde. Non seulement ça défoule, mais c'est en plus d'intérêt public.

VIème Guerre Sainte et joyeux Noël (accessoirement)

2011-12-25T11:44:00.002+01:00

Tout d'abord, joyeux Noël, paix dans le monde, tout ça. Maintenant que les formalités sont passées, les choses sérieuses.

Puisque Rukawa a lancé une idée rigolote, autant participer au trip et proposer, à mon tour (et à la bourre), une petite sélection de Servants sympas pour la prochaine guerre du Graal. Alors allons-y.

Archer:

Si on part du principe que n'importe quel "tireur d'élite" peut potentiellement entrer dans la classe "Archer", ça ouvre un choix assez large. En fait, j'ai hésité entre Saeba et lui:

Et puis, je me suis dit que Cobra étant tout de rouge vêtu, il devait être communiste, et puisque c'est une espèce protégée, autant le mettre en avant. Son Noble Phantasm? Le Psychogun, évidemment.

Assassin:

Vu qu'on a aussi droit aux persos de jeux-vidéo, je propose en "Assassin":

Starkiller est tout de même sensé être le meilleur assassin de la galaxie, capable de rivaliser avec l'Empereur et Darth Vader. Et comme Noble Phantasm, pourquoi pas tout simplement le "Pouvoir de la Force", tant qu'à faire...

Berserker:

Toute personne ayant un jour touché à The King of Fighters '97 comprendra mon choix pour la classe "Berserker":

Parce que Iori est un gros bourrin incontrôlable en mode "riot of blood", il a toute sa place ici. Avec les flammes d'Orochi en Noble Phantasm, en toute logique.

Caster:

Puisque j'ai ressorti le jeu il y a peu:

Déjà parce que j'aime bien le prénom Reinhardt (GinEiDen inside), et ensuite parce que c'est certainement le mage jouable le plus puissant du jeu (en même temps, aucun mérite, puisque c'est le fils d'une divinité). Et bien sûr, le dragon d'or Harsgalt comme Noble Phantasm.

Lancer:

Vu que ça manquait un peu de yoroi heroes gatari jusque-là:

Ryôma est après tout sensé être le plus puissant des Hachibushu dans Shurato, donc bon... Avec comme Noble Phantasm sa Shakti du roi dragon, évidemment.

Rider:

C'est vrai que je n'ai pas du tout parlé des Panzer Dragoon dans la série des jeux qui ont marqué l'époque où je n'avais pas encore de cheveux blancs. Ce n'est pas un oubli, c'est juste que j'ai préféré garder ça pour plus tard. Et puisqu'il s'agit de ma série vidéoludique préférée, il fallait évidemment que "Rider" en soit:

Après hésitation avec Azel, je préfère garder Orta, pour ses faits d'armes: on parle quand même d'une fillette capable de mettre en déroute une flotte impériale et d'anéantir un escadron de Dragonmares à elle seule. Noble Phantasm: son dragon anonyme.

Saber:

Pour conclure cette petite sélection, retour aux yoroi heroes gatari, avec un personnage plutôt bien connu mais auquel on ne penserait pas nécessairement immédiatement:

Maniant avec dextérité ses deux katana, Ryo est certainement le "samurai trooper" le plus balèze. Noble Phantasm: sa yoroi, bien entendu; ou peut-être plutôt la Kikotei Rekka.

Pas d'idée particulières pour les classes "spéciales", genre Ruler ou Avenger, dont tout le monde se fout de toute manière.

Je vous laisse, c'est l'heure de se faire exploser la panse. Bonnes fêtes de fin d'année à tous.

[Jeux de ma jeunesse] The King of Fighters 2000

2011-12-24T13:34:00.002+01:00

A la fin des années 1990, il aurait fallu être bigleux pour ne pas voir que le secteur de l'arcade était moribond: la plupart des salles françaises avaient fermé et, dans celles qui se maintenaient tant bien que mal, il était relativement rare de voir arriver de nouveaux jeux. Tout au plus un ou deux par an, généralement sur borne dédiée, condamnant les bornes génériques à faire tourner ad vitam eternam les mêmes titres pendant plusieurs années.

Si les salles se portaient mal, les éditeurs n'étaient pas beaucoup mieux lotis. Sega avait vu ses finances plonger durablement dans le rouge (et non, ce n'est pas seulement de la faute de Sony et de la Saturn), Capcom avait fini par choisir de "s'éloigner" du secteur après Street Fighter III - Third Strike (il ne l'a jamais abandonné complètement, mais le nombre de sorties de l'éditeur en arcade dans les années 2000 est incomparable au nombre de ses sorties dans les années 1990), et SNK... a sorti The King of Fighters 2000, avant de disparaître.

Avec l'édition '99, SNK avait souhaité innover un peu et renouveler sa série, d'une part en transformant le traditionnel (depuis 1994) 3 vs. 3 en 3+1 vs. 3+1 (le "+1" étant un "striker"), et d'autre part en "volant la vedette" à Kyo en faisant d'un nouveau personnage, K', le main character. Si la première idée n'était pas mauvaise en soi, le système des strikers, personnages intervenant dans le combat pour généralement permettre de rallonger un combo, n'en était alors qu'à ses balbutiements, et c'est véritablement dans l'édition 2000 qu'on a pu en découvrir l'ampleur, avec de beaux infinis.

L'histoire reprend celle entamée par The King of Fighters '99, soit la saga "NEST", du nom de l'organisation qui opère en coulisses. En 2000, le tournoi est sensé se dérouler à South Town, à l'instar du premier (car le premier KoF n'est pas KoF94, mais Fatal Fury), pendant que Heidern mène ses investigations sur NEST et tente de capturer K' et son pote cybernétique Maxima.

Mais, comme on dit souvent lorsqu'on joue à un jeu de baston: "rien à battre de l'histoire".

Le roster n'était pas aussi exhaustif que celui de KoF98, mais il n'était pas non plus sensé être un "dream match". Ce qu'il est pourtant plus ou moins devenu avec les strikers, dont le nombre et la variété dépasse largement ce qu'on avait pu voir dans l'édition précédente: tous les personnages un jour passés par la case "KoF" sont disponibles en tant que striker, ainsi que quelques autres: le panda et la maid d'Athena, le cosplay féminin de Kyo, Rocky de Robo Army, Duck King, Shishi-Ô, Gai et même Kirishima Syo, qui était sensé être, à l'origine, le héros de The King of Fighters '94, avant d'être remplacé par Kyo.

Niveau gameplay, le jeu surpassait l'édition '99 dont elle reprenait les grands principes (counter mode, armor mode, strikers...) en les améliorant. Niveau visuel, pas vraiment de progrès, ce qui est assez logique, en un sens, puisque le moteur est identique. Les décors sont beaux, mais relativement statiques, et souffrent un peu de la comparaison avec les deux épisodes précédents, mieux lotis en la matière.

The King of Fighters 2000, bien qu'il soit très bon, n'est assurément pas le meilleur KoF de SNK. Pourquoi lui plutôt qu'un autre, alors? D'une part, c'est le premier KoF sur lequel je me sois vraiment attardé; j'avais déjà essayé KoF95 sur Saturn et KoF97 en arcade (dans des conditions déplorables; ceci explique cela), sans vraiment réussir à rentrer sérieusement dedans; autrement dit, c'est vraiment grâce à celui-ci que j'ai réussi à m'intéresser à la série, et sans lui, je n'aurais probablement jamais touché par la suite à ces petites tueries que sont KoF98, KoFXI, KoF02UM ou KoFXIII.

D'autre part, c'est le dernier King of Fighters estampillé SNK, marquant la fin d'une époque. En effet, si la MVS a rencontré un franc succès en arcade, l'effondrement du secteur a causé pas mal de tort à la firme d'Ôsaka. Si on ajoute à cela que les tentatives de l'éditeur de se diversifier ou se renouveler, comme la NeoGeo Pocket ou l'Hyper NeoGeo 64, se sont révélés des échecs commerciaux cuisants, les finances de la boîte étaient dans un état déplorable à la fin des années 1990, se soldant par sa disparition en 2000 (par la suite, Playmore, entreprise bâtie par des anciens de SNK, parvint à en racheter le nom pour devenir "SNK Playmore").

De fait, The King of Fighters 2000 constitue une forme de baroud d'honneur, avec une multitude de références aux représentants les plus illustres de la NeoGeo (même G-Mantle). La version Dreamcast, éditée par Playmore quelques années après, pousse même le vice jusqu'à proposer des "stages" mémorables tirés d'anciens jeux SNK.

[Jeux de ma jeunesse] Street Fighter III - Third Strike

2011-12-23T14:51:00.003+01:00

Les années 1990 ont été, pour Capcom, les années de la rentabilisation à outrance de la franchise Street Fighter, avec parfois un résultat, disons, regrettable. Après avoir multiplié les Street Fighter Zero, théoriquement une préquelle à Street Fighter II, la firme d'Ôsaka se décida (enfin) à en réaliser une suite en bonne et due forme, Street Fighter III: New Generation, sorti en 1997 sur CPS3.

Lequel fut, d'une certaine manière, un bide: d'une part, le jeu ne reprenait comme personnages de Super Street Fighter II X que Ryu et Ken, ce qui eut tendance à rebuter un peu les fans; d'autre part, la CPS3 était un format onéreux sortant à une époque où l'arcade se portait franchement mal, donc clairement pas le moment pour les exploitants d'investir dans du matériel de pointe. De fait, en France, le jeu s'était fait très discret jusqu'à sa sortie sur Dreamcast.

Comme tout Street Fighter qui se respecte (à l'exception du premier), il eut droit à diverses versions "up-gradées", en l'occurrence deux: Street Fighter III - 2nd Impact: Giant Attack et Street Fighter III - Third Strike: Fight for the Future. Le dernier étant le plus abouti bien que certains préfèrent le deuxième.

Visuellement, les Street Fighter III sont certainement ceux de la série qui proposent la plus belle 2D, CPS3 oblige. Qu'il s'agisse des décors ou des personnages, on a un niveau jamais atteint jusqu'alors par Capcom, avec un choix de couleurs des plus judicieux. Ce qui n'est rien comparé à l'animation, tout simplement exceptionnelle et pas seulement pour l'époque. Vraiment. Au point que Street Fighter III - Third Strike est resté une référence en la matière jusque dans les années 2000, surpassant son concurrent direct et pourtant néanmoins très bon Garou - Mark of the Wolves.

Niveau sonore, rupture avec les précédents épisodes: les Street Fighter III mélangent des genres divers pour les ressortir sous une forme électro du plus bel effet, avec des thèmes qui restent en tête bien après les combats. On retiendra notamment les thèmes d'Elena, de Chun-Li, d'Ibuki et de Yun & Yang (reprise du thème de James Bond).

Au niveau du casting, Capcom semble avoir tenté rameuter les anciens fans, estimant que l'absence de la plupart des personnages de Street Fighter II avait pu limiter l'attrait des joueurs pour son titre. Et c'est donc ainsi que l'on retrouve sur l'écran de sélection Gouki et surtout Chun-Li, qui, si elle a hérité d'une masse musculaire impressionnante au niveau des cuisses, est si magnifiquement animée qu'elle en devient inoubliable.

Ceci dit, les autres persos ne sont pas en reste et pour certains dégagent un charisme monumental, comme Dudley, Yun ou Makoto (qui fait son apparition dans 3rd Strike). D'autres, comme Hugo, restent mémorables par leur apparence impressionnante ou décalée (et en plus, il y a clin d'oeil à Final Fight). Quant au boss de fin, il est assez particulier: comme Urien, il s'agit d'un mec-en-slip, tout peinturluré de bleu et de rouge. Surtout, il s'agit d'un cas fort rare dans les jeux de baston en 2D d'asymétrie respectée: quel que soit le côté de l'écran duquel on se trouvera, le bleu recouvrera la partie gauche de son corps et le rouge la partie droite (ce qui a d'ailleurs une incidence sur ses coups). Le fait était d'ailleurs unique à l'époque où est sorti le jeu, preuve de la puissance manifeste de la CPS3 à une période où Sagat et Heidern changeaient d'oeil mort au cours d'un même round.

Niveau gameplay, les Street Fighter III ont quelque peu rompu avec le gameplay des Street Fighter II & Street Fighter Zero. D'abord en imposant un choix de fury parmi trois avant chaque combat, ce qui implique un choix stratégique du joueur. Ensuite en instituant le système très intéressant des "parry", qui consiste à parer une attaque "en avançant" pile au moment de la frappe; cela nécessite un certain timing, mais le jeu en valait la chandelle; bon, bien sûr, en cas d'échec, c'est tout dans la gueule. Mais quand on se démerde très bien, ça donne ça:

Street Fighter III - Third Strike est sorti assez rapidement sur Dreamcast (en 2000), et c'est sur ce format que je l'ai en fait découvert. Il s'agissait alors de la "version B" du soft, la "version A" finissant par débarquer sur PS2 et XBox un peu plus tard. Une version "HD" est apparue cette année sur le XBLA et le PSN, d'excellente facture et très complète (jusqu'à proposer un mode d'affichage "borne d'arcade"), si bien que je ne peux que la recommander.

Il est resté pendant 9 ans "le dernier" Street Fighter (sauf si on compte Hyper Street Fighter II comme un épisode à part entière) et demeure encore le dernier épisode en "full 2D", Capcom ayant choisi, quelques années après, de prendre ses distances avec les jeux de baston en arcade (avant d'y revenir récemment). La fin d'une époque...

[Jeux de ma jeunesse] Age of Empires II

2011-12-22T14:04:00.001+01:00

Il n'y a qu'un seul jeu qui a réussi à me faire décrocher de Warcraft II: Age of Empires II. Alors que le premier m'avait laissé un peu de glace (le jeu était particulièrement lent, déjà), le deuxième épisode, lui, m'a convaincu dès le premier essai.

On pourrait supposer que c'était peut-être lié au fait que je venais d'entrer en fac d'histoire. Mais l'aspect "historique", justement, est TRES fantaisiste, ce qui est un peu normal pour un RTS, déjà à la base; enfin, là, sans même compter les petites erreurs sans importances, ils sont quand même allés assez loin (j'ai un peu de mal à imaginer la cavalerie japonaise arborer fièrement des armures de chevalier du Moyen Âge occidental, ou des soldats aztèques utiliser des épées longues).

Non, en fait, plus que l'aspect "historique" qui n'est au fond qu'un vernis et un prétexte à multiplier des civilisations sur le même schéma, c'est la réalisation globale du jeu, dans tous les sens du terme, qui m'a fait accrocher.

Treize civilisations de base, avec cinq supplémentaires dans l'extension The Conquerors, se foutent sur la gueule pour la domination pendant la période médiévale. Voilà comment on pourrait résumer le "plot" de ce jeu, dont les campagnes sont sensées reprendre de grands moments de l'histoire. Les civilisations en question ne se distinguent guère visuellement que par leurs unités uniques et leurs bâtiments (et encore, hormis la "merveille", rien ne permet de différencier les Byzantins des Perses, par exemple).

En revanche, il y a une réelle différenciation entre les civilisations au niveau de la micro-gestion/macro-gestion, puisqu'il est évident qu'on ne jouera pas les Goths (aux fortifications dignes d'une passoire) de la même manière que les Teutons (dont les fortifications sont certainement les meilleures du jeu). Et de là, évidemment, un déséquilibre flagrant entre les civilisations.

Si dans la première mouture du jeu, Age of Kings, les Teutons et les Britanniques dominaient largement, dans The Conquerors, sensé équilibrer le jeu, ce sont les Goths et les Huns qui écrasent tout sur leur passage, les premiers parce qu'ils produisent de l'infanterie à une vitesse fulgurante, et les seconds parce qu'ils n'ont tout simplement pas besoin de construire d'habitations et qu'ils disposent de bonus assez sympathiques sur la cavalerie et les trébuchets. Si bien qu'ils ont fini par être interdits en tournoi.

Visuellement, le jeu est malheureusement peu varié d'une civilisation à une autre, mais il n'empêche que l'ensemble est assez finement rendu. Les décors sont beaux même si statiques, et The Conquerors apporte avec lui les zones de jungle (Amérique précolombienne oblige) et enneigées qui manquaient à la première mouture. D'ailleurs, ce même add-on proposait également de nouvelles cartes reprenant des territoires bien connus comme les abords de la mer Egée ou de la mer du Japon, le désert d'Arabie, la péninsule ibérique, les îles britanniques ou la Scandinavie.

Les unités ont théoriquement chacune leur spécialité, mais bien vite, on finit par se concentrer sur quelques-unes: le galion, le champion, le piquier, le trébuchet, le chevalier et quelques unités uniques vraiment puissantes. Ce n'est pas qu'il ne soit pas pertinent de jouer les autres, mais il faut reconnaître que celles citées ont un rapport qualité prix vraiment excellent. Cela dépend aussi un peu de l'"Âge" dans lequel on se trouve, les unités d'archers étant assez rentables contre les autres à l'"Âge Féodal", par exemple.

Car Age of Empires II, comme on pouvait s'en douter, adapte le système du premier de progression technologique par époque, que l'on peut déclencher moyennant ressources. Chacune changeant le visuel des bâtiments et donnant accès à de nouveaux bâtiments, technologies, unités, etc.

The Conquerors propose quelques nouveaux modes de jeux rigolos, comme le "Régicide", le "Roi de la Colline" ou la "Course aux Merveilles", dont on retiendra surtout le premier qui consiste en une bataille traditionnelle avec pour objectif de tuer le roi ennemi, planqué quelque part.

S'il est clairement dépassé aujourd'hui, Age of Empires II a toutefois conservé un noyau dur de fans (principalement ceux qui n'ont pas aimé l'orientation du troisième épisode) et demeure une valeur sûre du RTS, malgré les déséquilibres qui le frappent.

En dehors du PC (et du Mac), Age of Empires II n'a pas été très gâté. La version PS2, par exemple est une honorable adaptation de Age of Kings... sortie bien après The Conquerors dont elle ne tient absolument pas compte (et bien entendu, aucun moyen d'upgrader). La version DS... hum... comment dire... ce n'est pas que le jeu soit nécessairement mauvais en lui-même, mais je cherche encore le rapport avec la version d'origine.

Enfin, il est franchement regrettable qu'un bug graphique TRES dérangeant vienne entacher le jeu dès qu'on commence à jouer sous Windows Vista ou 7, d'autant qu'il n'existe à ma connaissance pas de patch officiel. Au temps pour le retrogaming. Fort heureusement, il existe une solution (même plusieurs), qui consiste à créer un fichier en .bat (avec le bloc-notes, par exemple) à sauvegarder dans le répertoire du jeu et entrer dans ledit fichier, pour Age of Kings:

taskkill /F /IM Explorer.exe
empires2.exe
Start explorer.exe

Pour The Conquerors, il faut remplacer "empires2.exe" par "age2_x1.exe". Reste plus qu'à lancer le jeu à partir du fichier .bat (ou d'un raccourci menant vers le .bat en question si ça vous emmerde d'aller fouiner dans le répertoire du jeu à chaque fois).

[Jeux de ma jeunesse] SoulCalibur

2011-12-21T11:59:00.000+01:00

Je n'ai jamais été un gros fan de jeux de baston en 3D. Pas comme pour les jeux de baston en 2D, s'entend. Bien sûr, ça ne m'a pas empêché de jouer aux deux premiers Virtua Fighter (surtout le deuxième, aussi bien sur Saturn que sur Model 2), ainsi qu'aux deux premiers Toshinden sur PS1 (dont les limites sont assez vite atteintes) et aux deux premiers Tekken (là, presque uniquement en arcade, et sans vraiment accrocher). Soul Edge, à l'époque, m'intéressait un peu plus; mais dans le même temps étaient également sortis Last Bronx accompagné de son ambiance "furyo" et Dead or Alive accompagné de ses boobs qui bouncent: le jeu de Namco ne pouvait pas rivaliser, évidemment. En plus, peu de temps après arrivait dans ma salle habituelle X-Men vs. Street Fighter, et vous connaissez la suite.

SoulCalibur version arcade devait débarquer quelques années après. Las, le jeu tournait sur System 12, soit un simple upgrade du System 11 sur lequel tournait le premier. Or, cela faisait déjà un bon bout de temps que, chez la concurrence, on était passé à la vitesse supérieure: Virtua Fighter 3 tournait sur Model 3 et se présentait quasiment comme le meilleur jeu de baston en 3D de l'époque (je ne parle pas seulement sur le plan technique), bien avant même que ne fût envisagée la sortie de la suite de Soul Edge.

Ce dernier fut adapté sur Dreamcast suivi de près par SoulCalibur. Si Virtua Fighter 3 TB se révélait assez fidèle à l'arcade, SoulCalibur, lui, était une refonte complète en termes visuels.

SoulCalibur fait partie de cette très restreinte catégorie de jeux dont la conversion sur console s'avère meilleure techniquement que son original en arcade. Car, autant sa sortie en arcade passa relativement inaperçue (d'une part parce que la concurrence, tout ça, et d'autre part parce que l'arcade agonisait tranquillement dans son coin), autant sa sortie sur Dreamcast fut une véritable claque pour tout le monde. Elle était une nouvelle démonstrations des capacités techniques de la machine et un véritable argument de vente à elle seule.

Je ne pense pas me tromper en affirmant qu'il s'agissait très certainement du plus beau jeu de baston en 3D de la fin des années 1990. Et l'esthétique suit, d'ailleurs, avec très peu du mauvais goût auquel la série a fini par nous habituer. Une certaine quantité de fan-service, oui, avec l'arrivée d'Ivy et le retour de Sophitia & Seung Mina dans des tenues toujours aussi sexy. Mais on était encore loin de la vulgarité "bayonettesque" du dernier épisode (et le prochain semble prendre le même chemin...).

Côté roster, on retrouve l'essentiel de celui de Soul Edge (manquent juste Li Long et Seung Han Myong, lequel n'était d'ailleurs présent que dans la version PS1, si mes souvenirs sont bons), auquel viennent s'ajouter un bon petit nombre de nouvelles têtes qui ont parfois un peu tendance à "faire doublon": Nightmare, par exemple, est une version maléfique de Siegfried, corrompu par la Soul Edge; Kilik reprend partiellement la move-list de Mina (avec une portée, une force de frappe et une vitesse d'exécution différentes); idem pour Xiang-Hua par rapport à Hwang; ou pour Lizardman par rapport à Sophitia. Ceci dit, malgré ce fait indéniable, ces personnages se jouent fort différemment au final.

L'histoire du jeu reprend où l'on s'était arrêté à la fin de Soul Edge: Cervantes s'est fait déposséder de son épée maudite, laquelle a été récupérée par Siegfried, devenu au passage Nightmare. L'objectif de chacun des protagonistes sera donc de buter Nightmare pour s'emparer de l'épée dans des buts divers et variés: écraser le mal pour Sophitia, se libérer d'une malédiction pour Kilik, faire un joli cadeau à son maître pour Voldo, nourrir des ambitions personnelles pour Mitsurugi (qui reprend son nom et son design; je n'ai jamais trop compris pourquoi il était devenu "Arthur" dans la version arcade), etc. Le boss de fin, quant à lui, est visuellement monstrueux... et une promenade de santé à battre. S'il était assez pertinent de lui filer la possibilité d'utiliser toutes les armes du jeu, il est fort dommage qu'il ne sache pas mieux s'en servir que les personnages auxquels il les emprunte. Le constat est d'ailleurs également valable pour Edge Master.

A l'heure actuelle, SoulCalibur demeure encore une référence du jeu de baston en 3D. Même s'il est techniquement largement dépassé depuis le temps, cela ne choque pas particulièrement visuellement, la 3D de la Dreamcast vieillissant quand même beaucoup mieux que celle de la génération précédente, à quelques exceptions près dans les deux sens. Et surtout, son gameplay, lui, demeure presque à la hauteur des standards actuels.

Le jeu a été porté en HD sur XBLA (un portage sur iOS est en cours), lui assurant ainsi une seconde vie. Il est regrettable, toutefois, que certains éléments de la version Dreamcast aient disparu au passage. Je songe notamment à l'introduction que l'on pouvait personnaliser et sur laquelle je suis certain que nous avons tous passé un bon moment à faire mumuse (genre pour mettre Astaroth en position de jeune vierge effarouchée à la place de Sophitia, par exemple).

[Jeux de ma jeunesse] Garou - Mark of the Wolves

2011-12-20T13:07:00.002+01:00

Pour ce 200ème post, il fallait du lourd. Mais plutôt que refaire une liste de keywords rigolos (même s'il y en a eu de très bons depuis la dernière fois), autant continuer ce que j'ai commencé ce mois-ci en parlant un peu d'un jeu qui m'avait particulièrement bluffé en son temps.

La deuxième moitié des années 1990 avait connu la fin en arcade de plusieurs séries de jeux de baston qui, sans être de premier plan, n'en étaient pas moins assez plaisants, comme les World Heroes, les Art of Fighting ou les Vampire. Néanmoins, Fatal Fury continuait son petit bonhomme de chemin, avec des "Real Bout" vraiment sympas (que, malheureusement, je n'ai eu l'occasion de découvrir que bien après, alors que Real Bout Special et Real Bout 2 sont probablement les deux meilleurs épisodes de la série), et un jeu qui devait finalement trancher radicalement avec l'orientation de la série: Garou - Mark of the Wolves.

Après Real Bout, Geese Howard est mort. Vraiment. Pas comme dans Fatal Fury, quoi. Enfin, il laisse un gamin orphelin, Rock, que recueille Terry Bogard (et vu que ce dernier est un acharné de la baston, on se doute bien quelle sera l'éducation du mioche). Seulement, le crime étant ce qu'il est, la ville de South Town s'est trouvée un nouveau maître en la personne de Kain R. Heinlein, qui n'est autre que l'oncle de Rock et qui apparemment aime beaucoup les gens qui se frittent sur la gueule...

A noter qu'au niveau du roster, un grand ménage a été effectué: de tous les persos jouables dans les précédents Fatal Fury, il ne reste que Terry. Ce qui fout quand même une sacrée claque. Quelques personnages jusque-là non-jouables, comme Rock ou les fils de Kim Kaphwan, deviennent enfin jouables, mais il leur manque quand même une bonne part du charisme paternel.

Parmi les petits nouveaux, on trouve un élève du Kyokugen Ryu (Marco Rodrigez), un disciple du Shiranui Ninpô et un policier qui a apparemment fait ses armes aux côtés de Blue Mary. Autant dire qu'on est finalement peu dépaysé, malgré toutes ces nouvelles têtes.

Cependant, pour le reste, la rupture avec les précédents épisodes assez importante. Fini le combat sur plusieurs plans, on n'en a plus qu'un seul, comme dans un King of Fighters. Ce qui, en un sens, marque la fin de l'originalité de la série Fatal Fury par rapport à ses concurrentes. Beaucoup d'éléments de gameplay semblent être inspirés d'autres jeux de l'époque, notamment le "just defended" qui reprend en un sens le principe du "parry" de Street Fighter III... en l'inversant: si vous plantez votre "just defended", vous aurez une garde simple (alors que dans SF3, si vous plantez le "parry", c'est tout dans la gueule). Un peu dommage, mais le jeu reste néanmoins très dynamique et ne se contente pas de reposer sur des contres, malgré ça.

Le système de T. O. P. (on choisit une zone de sa barre de vie au début du combat, dès que la barre arrive dans cette zone, les coups deviennent plus puissants et on a accès à une nouvelle attaque) constitue une innovation des plus intéressantes, et certainement l'aspect de gameplay le plus tactique de la série.

Visuellement, je crois qu'on jamais vu de jeu sur NeoGeo mieux animé. Vraiment. Il suffit de voir bouger Rock, Terry, Jenet ou les Kim pour s'en convaincre. Reprenant le moteur de Last Blade 2, il affiche à l'écran une bonne quantité de détails, et si les sprites ne sont pas aussi grands que dans les épisodes précédents, leur finition est exceptionnelle pour l'époque.

Bref, Garou - Mark of the Wolves a été le dernier jeu de baston sur lequel je me sois vraiment acharné en salle d'arcade (à mon corps défendant, d'ailleurs: les salles que fréquentais ont soit fermé, soit ne proposent plus de jeux de combat). La série Fatal Fury s'est également éteinte avec lui, ce qui, en soit, est toujours triste. Mais il vaut mieux finir sur un excellent titre que sur une épave.

D'autant que le jeu bénéficie d'une telle popularité qu'il a été converti sur bon nombre de formats: outre l'AES et la MVS, il est passé très rapidement sur Dreamcast (pas une version formidable, ceci dit), puis sur PS2 (avec un joli stick NeoGeo) et enfin sur XBLA (mais le net-code pour cette dernière est miteux). Aucune excuse, donc, pour ne pas y jouer, même encore à l'heure actuelle: le plaisir que l'on ressent à placer un Deadly Rave Neo est toujours le même.

[Jeux de ma jeunesse] Chrono Cross

2011-12-19T14:23:00.000+01:00

Square-Soft avait été un éditeur phare de la Super Famicom, et pas seulement avec les Final Fantasy: des titres comme Seiken Densetsu 3 ou Bahamut Lagoon avaient également pour beaucoup contribué à sa réputation. Mais ces titres ne sont jamais sortis du Japon (officiellement, s'entend), et seuls quelques rares élus connurent une version nord-américaine, parmi lesquels le mémorable Chrono Trigger.

Ce dernier avait d'ailleurs si bien marché qu'une "suite" sur Satellaview avait vu le jour sous le titre de Radical Dreamers. Las, et encore une fois, cette dernière ne sortit jamais officiellement du Japon, et il a fallu attendre la sortie de sa "suite" (certains préfèrent parler de "reboot"), Chrono Cross, pour que l'occident connaisse à nouveau les joies d'un Chrono.

Pour ma part, j'étais passé presque complètement à côté de Chrono Trigger: à l'époque où j'ai commencé à m'intéresser un peu au jeu (grâce à un papier de Greg dans Joypad, si mes souvenirs sont exacts), il était devenu fastidieux à trouver. Aussi suis-je passé directement à ce Chrono Cross dont mes potes me disaient tant de bien. D'abord en japonais (dont je commençais alors tout juste les cours à la fac), puis en anglais après la sortie de la version américaine.

Chrono Cross plonge le joueur dans l'archipel d'El Nido, dans la peau d'un gamin muet local, Serge (bon, déjà, le nom, ça commence mal). Ce dernier, au cours d'un rendez-vous galant sur la plage déserte (durant lequel il ne se passe rien, évidemment: on est dans un jeu Square, il ne faut pas s'attendre à ce que deux personnes de sexe opposés et a priori attirées l'une vers l'autre se comportent normalement dans ce genre de situation). Seulement, ce dernier s'achève d'une manière pour le moins étrange, car Serge perd connaissance. Il n'est d'ailleurs pas au bout de ses surprises, puisque, durant son sommeil plus ou moins forcé, le monde à un peu changé. D'autant que, à son village natal, plus personne ne le reconnait: c'est que, pour tous les habitants, le petit Serge est mort suite à l'attaque d'une panthère démoniaque, alors qu'il était encore enfant.

La présence d'une tombe à son nom ne fait que confirmer les faits, mais apparemment, certaines personnes, envoyées par le seigneur local, Viper, sont à sa poursuite et il ne parvient à les mettre en déroute que grâce à l'intervention d'une jeune voleuse au langage de charretier, Kid. Commence alors la quête de Serge pour répondre aux questions posées par les événements: pourquoi existe-t-il deux mondes, pourquoi les hommes de Viper le poursuivent-ils, pourquoi Kid lui est-elle venue en aide et surtout pourquoi est-il mort dans un monde et non dans l'autre?

Techniquement parlant, ce RPG n'avait à l'époque de sa sortie pour équivalent que Final Fantasy VIII; et là, tout est dit: il s'agit tout simplement de l'un des RPG les plus réussis graphiquement sur Playstation. Mais, bien entendu, la technique n'est rien s'il n'y a pas d'esthétique pour s'en servir. Et justement, nous avons ici le RPG de Square-Soft dont l'identité est la plus prononcée, avec une ambiance tropicale et insulaire unique (même si on en retrouvera un peu plus tard quelques éléments dans Baten Kaitos ou Final Fantasy X).

L'ensemble du jeu se déroulant sur les deux versions de l'archipel d'El Nido, on pourrait cependant croire que les environnements sont peu variés. C'est sous-estimer la richesse que peut revêtir une région tropicale: on a donc droit à de la jungle, des marais, une île désertique, une cité d'inspiration relativement indéfinissable (à mi-chemin entre les Cyclades et les villes médiévales des abords occidentaux de l'Océan Indien), un village sur pilotis, une zone volcanique et j'en passe.

On ajoutera que cette ambiance, déjà visuellement magnifique, est sublimée par les musiques de Mitsuda qui confirme ici le talent qu'on avait pu constater dans Xenogears. Les musiques de Chrono Cross comptent en effet parmi les plus belles et les plus mémorables qu'on puisse rencontrer dans un RPG, avec un ending devenu totalement culte. Ce qui n'exclut cependant pas quelques couacs incompréhensibles, comme le catastrophique thème des combats (pas de bol, c'est certainement la musique qu'on entend le plus au cours du jeu).

Chrono Cross, jeu parfait? Malheureusement pas, et pour deux raisons. D'une part, les personnages, s'ils ont un design des plus attrayants (Yûki Nobuteru oblige), sont beaucoup trop nombreux pour être tous correctement développés; si bien qu'en dehors de Kid et d'une poignées d'autres (environ une dizaine sur 45), ils sont plus présents pour faire de la figuration qu'autre chose (et non, il ne suffit pas de donner un accent rigolo à un personnage pour le rendre charismatique). D'autre part, le système de combat, s'il présente des idées intéressantes, se révèle finalement assez pesant, même pour un C-RPG japonais.

Pourtant, en dépit de ces défauts, Chrono Cross se présente comme véritable petite merveille de la PS1, peut-être son meilleur RPG, avec une durée de vie considérable, si on en prend en compte le fait qu'il est bien impossible de suivre toutes les "routes" de l'histoire en une seule partie et que seul le "New Game +" vous permettra de recruter tous les personnages ou de voir chacune des onze fins possibles.

Il s'agit-là d'un jeu que je n'ai pas lâché avant le milieu des années 2000 et qui n'a jamais vraiment eu de successeur (même si Baten Kaitos lui ressemble sur de nombreux points). Le nom de "Chrono Break" fut un temps déposé, mais arriva à échéance sans être renouvelé avant que ne soit développé le moindre jeu. La franchise Chrono, aujourd'hui, ne survit plus que par de ponctuelles rééditions des anciens jeux, matérialisées ou dématérialisées. Ce qui est très regrettable.

[Jeux de ma jeunesse] Xenogears

2011-12-18T15:20:00.003+01:00

Bien que j'aie eu régulièrement l'occasion de jouer dessus, je n'ai eu en ma possession que tardivement une PS1 (avec pour premier jeu Final Fantasy VII, ce qui m'a donné l'occasion de le re-terminer pour la troisième fois, à l'époque). Le choix des jeux sur la machine était alors aussi vaste que varié, mais j'étais dans une période où je ne jouais plus qu'aux RTS sur PC, aux jeux de baston et aux RPG sur console. Sachant que la PS1 était à la baston 2D ce que la Wii est à la HD, autant dire que je me suis principalement focalisé sur l'achat de RPG sur la 32bits de Sony.

Ce qui tombait d'ailleurs plutôt bien, en fait, puisque de plus en plus de titres de Square-Soft se voyaient localisés, au moins aux Etats-Unis. Etant à l'époque encore plus quiche en japonais que je ne le suis maintenant (ce qui n'est pas peu dire), ces traductions constituaient pour moi l'un des deux seuls moyens de jouer à des RPG japonais en en saisissant l'histoire (l'autre étant de récupérer des "scripts" des jeux et de les lire tout en jouant; pas très ergonomique).

Et c'est donc grâce à l'import américain que j'ai découvert Xenogears. Enfin, pas tout à fait "l'import", puisque j'ai découvert le jeu grâce à une édition collector Verbatim tirée à très peu d'exemplaires.

Xenogears, c'est un habile mélange de SF à mecha, d'ésotérisme chrétien, de philosophie allemande et de psychanalyse freudienne. Fei, héros (amnésique, comme par hasard) de l'histoire, voit son village d'adoption ravagé par un affrontement entre "Gears" (nom générique des mecha locaux); et coup de chance (mais alors, vraiment par hasard), il se trouve que l'un des gears se trouve dépourvu de pilote, aussi décide-t-il de monter à bord pour intervenir... intervention qui se solde par l'anéantissement dudit village (là encore, tout-à-fait par hasard).

Commence alors la quête initiatique de Fei qui va tenter de retrouver ses origines, essayer de mettre un terme au conflit qui déchire la planète, rencontrer plein de gens (dont la jolie Elly), et discuter calmement avec les mecs dans sa tête (oui, parce qu'il n'a pas une santé mentale très équilibrée, ce cher Fei). Ah, et il sauve le monde avec un mecha, aussi.

Visuellement, beaucoup de progrès ont été effectués depuis Final Fantasy VII, et si l'ensemble est encore perfectible (à commencer par les éléments en 2D qui ont une fâcheuse tendance à pixeliser à mort dès qu'il y a un zoom), on a un jeu techniquement réussi pour son époque, et le choix d'utiliser des séquences d'animation traditionnelle doublées plutôt que des cinématiques en 3D muettes lorsqu'il s'agit de mettre en scène les personnages s'avère au final judicieux. On regrettera simplement que le design global soit au final peu recherché: le Weltall, gear de Fei, s'avère n'être qu'une pâle copie (en plus moche) de l'Eva 01, par exemple. Peut-être plus un clin d'oeil (et un appel du pied aux fans) qu'un plagiat, d'ailleurs, puisque la référence visuelle est particulièrement évidente. Un peu comme le G-Elements et beaucoup d'autres.

Musicalement, le jeu est une pure merveille, et Mitsuda y démontre son talent avec des thèmes inoubliables et un ending mémorable.

Reste la question du gameplay, et c'est peut-être là le point faible du jeu, celui qui m'a fait rager régulièrement (comme beaucoup, je pense), car les phases de plateforme sont, disons-le, ratées. Fort heureusement, elles ne constituent pas la majorité du jeu, et le reste est globalement réussi, avec un système de combat à combo intéressant. Quant à la personnalisation des gears, elle est certes limitée, mais guère plus que la gestion des équipements dans 90% des J-RPG de l'époque.

Malgré ses quelques défauts, Xenogears aurait pu être le meilleur RPG de la PS1... s'il avait été terminé. En effet, le 2ème CD est une très belle démonstration de "comment cacher la misère lorsqu'un éditeur exige du staff de développement qu'il sorte le jeu alors qu'il n'est pas fini", avec une mise-en-scène pseudo-intimiste (fort réussie au demeurant) servant à dissimuler l'absence de liberté laissée au joueur, transformant alors le jeu en une sorte de visual novel agrémenté de phases de RPG. Ce n'est pas désagréable en soi, mais brise profondément le rythme. Enfin, tout ça ne m'a pas empêché d'y jouer plusieurs centaines d'heures.

Xenogears surfait sur la mode initiée par le succès d'Evangelion, c'est une évidence. Mais il apportait avec lui des éléments de scénario suffisamment intéressants pour ne pas se limiter à un jeu de fan-service pour otaku mechaphiles (bien que bourré de références bien connues). Destiné à être décliné en six épisodes à l'origine, nous n'en aurons eu finalement qu'un seul (le cinquième, en l'occurrence), Takahashi étant apparemment maudit sur ce plan (Xenosaga, successeur spirituel de Xenogears, a aussi été sévèrement écourtée par rapport à ce qui était prévu à l'origine).

[Jeux de ma jeunesse] Final Fantasy VII

2011-12-17T03:15:00.000+01:00

Là, je crois qu'on tient LE RPG auquel tout le monde a joué, et pour beaucoup le premier. Pour ma part, ce n'était pas le cas: j'avais déjà eu l'occasion de m'essayer à quelques J-RPG sur SNES et Saturn. D'ailleurs, ce n'était pas non plus mon premier Final Fantasy, puisque j'avais commencé le sixième épisode quelques mois avant la sortie du septième, sur émulateur avec une rom buggée et une sauvegarde tellement instable que j'ai fini par lâcher l'affaire.

Ne possédant pas, à l'époque, de Playstation, j'avais dû m'arranger avec un pote pour faire un échange de consoles afin d'y jouer, près d'un an après sa sortie. Attente largement comblée par un jeu véritablement culte.

Est-il vraiment besoin de présenter l'histoire du jeu? Allez, je suis de bonne humeur, allons-y.

Cloud, jeune mythomane toxico apparemment TRES complexé par la taille d'une partie de son anatomie (ce qu'il compense par l'exhibition permanente d'une TRES grosse épée), Cloud, donc, a retrouvé une amie d'enfance, Tifa, laquelle a bien grandi. Désormais, elle officie comme tenancière de bordel (oui, je sais, dans le texte, c'est écrit "bar", mais "Septième Ciel", ça fait quand même bien plus penser au nom d'une maison close qu'à celui d'un PMU; et puis sa tenue vestimentaire rappelle aussi davantage celle d'une demoiselle croisée sur un rond-point de La Jonquera que celle du vieux René chez qui vous allez vider quelques pintes les soirs de match). Celle-ci a convaincu Cloud (si vous vous demandez comment, la réponse se trouve dans quelques doujin hentai) de rejoindre un groupe de terroristes écologistes dirigés par un gros black cosplayé en Cobra, Barrett, lequel a la conviction qu'un bon petit Fukushima, ça peut pas faire de mal.

Bref, ils essaient de faire péter toutes les centrales locales, ce qui n'est pas bien difficile, puisque, apparemment, c'est EDF qui en assure la sécurité et qu'on y rentre comme dans un moulin. Sauf qu'un jour, les choses tournent mal, et que Cloud atterrit en plein milieu d'une église désaffectée. Enfin, disons plutôt une église qui sert de squat à une hippie new age, Aerith, qui y fait pousser des trucs chelous. Mais vraiment chelous, quand même: elle est tellement défoncée à longueur de temps qu'elle en est persuadée de descendre d'une espèce éteinte et de pouvoir entendre la voix de sa planète et tout. Sincèrement, je me demande ce que serait devenu le monde sans la découverte du peyotl par les Amérindiens. Passons.

Puisqu'elle est gentille et qu'elle est poursuivie par un méchant (et ses sbires), et que Cloud n'écoute bien entendu que ~~sa bite~~ son courage, il lui vient modestement en aide... et se retrouve embarqué dans une aventure qui va le mener aux jusqu'aux confins du monde, pour se fritter à un emo-goth trop dégouté de la vie, t'as vu. Même qu'il s'est laissé pousser les cheveux suuuuper longs pour avoir l'air plus dark; et visiblement, il ne les lave que rarement puisqu'ils ressemblent à une espèce d'amas tentaculaire qui ferait passer Bob Marley pour un symbole d'hygiène capillaire. Voilà voilà. Sinon, il y a de l'amour, de l'amitié virile, de la trahison et même quelqu'un de l'équipe qui meurt. Et à la fin, on sauve le monde. La classe, non?

La première chose qui frappait, à l'époque, lorsqu'on y jouait, c'était la qualité des cinématiques et des décors. Absolument magnifiques, et le mot est faible. L'ennui, c'est que c'est à peu près tout ce qui est visuellement réussi dans le jeu, tout ce qui n'est ni cinématique, ni en 2D se révélant (déjà à l'époque de la sortie du jeu)... moche. Cloud ressemble en effet à un pâté de polygones difforme lorsqu'il se déplace (quand je pense qu'on se moquait du premier Virtua Fighter...), et lors des phases de combat, on arrive techniquement au niveau des premières productions de la machine. Fort heureusement, on ne juge pas un jeu à la seule qualité de ses graphismes, et l'esthétique globale est loin d'être déplaisante, même si on pouvait lui reprocher d'avoir une identité moins prononcée que celle de FF6 (en même temps, c'est un moindre mal: Nomura s'est avéré capable de bien pire par la suite).

La musique, elle, est très réussie, même si certains râlaient à l'époque parce qu'elle était prétendument de moins bonne qualité que dans FF6, encore lui. C'est vrai pour certains thèmes, mais dans l'ensemble, on tient du grand Uematsu, qui n'a clairement pas a rougir devant ses productions précédentes, faut pas déconner.

Quant au gameplay, je crois qu'il s'agit là du meilleur système de gestion des capacités que j'ai eu l'occasion de rencontrer dans un RPG. Les matérias permettent maintes combinaisons rigolotes, voire même complètement craquées pour peu qu'on dispose des bonnes en quantités suffisantes. Pour le reste, du très classique, mais il faut bien garder en tête que l'Europe n'avait alors connu officiellement que très peu de C-RPG japonais (Suikoden n'était sorti que quelques mois avant FF7), la série la plus mémorable en la matière ayant été celle des Phantasy Star.

Au Japon, l'annonce de la sortie de FF7 sur PS1 avait suffit à ruiner toutes les chances pour la Saturn de revenir dans la course. En Europe, il s'agissait du premier C-RPG japonais grand public à arriver par chez nous, ce qui en a fait une véritable icône, implantant durablement la série sur nos marchés pourtant jusqu'alors considérés comme peu enclins à accueillir ce genre de jeu.
Le jeu a fait l'objet il y a quelques années d'une réédition sur le PSN, une simple émulation de la version PS1, avec la même traduction catastrophique (j'ai rarement vu pire en la matière, à part peut-être Suikoden et Breath of Fire III). Je m'y suis remis l'an dernier, ce qui m'a fait prendre conscience que le jeu culte de la fin de mon adolescence avait quand même pas mal vieilli, et pas seulement en termes techniques. Il faut dire aussi qu'une bonne quantité de jeux ultérieurs a allègrement puisé dans la référence qu'est devenue FF7, et que ce dernier se rejoue surtout, finalement, par nostalgie et pour son système de matérias absolument démentiel. Ce qui n'est déjà pas si mal. Et puis bon, ça reste à ma connaissance le seul RPG où on peut fritter des maisons, alors respect (quand je vous disais que les plantes d'Aerith étaient cheloues).

[Jeux de ma jeunesse] Shining Force III - Scenario 1

2011-12-16T11:56:00.000+01:00

1998: il fallait bien se rendre à l'évidence, la Saturn n'était plus qu'en sursis. En Europe et aux USA ne sortaient quasiment plus que des jeux multiplateformes ou quelques gros titres made-in Sega, tandis qu'au Japon, si la Saturn s'était dans un premier temps hissée au niveau de sa rivale, la multiplication des exclusivités commercialement très porteuses avait mis un terme à tout espoir de voir la 32bits de Sega survivre aussi longtemps que la Megadrive.

Cependant, en guise de baroud d'honneur, Sega et quelques autres éditeurs livrèrent une dernière fournée d'excellents jeux avant que ne soit mis un terme définitif à la production de la machine. On peut ainsi citer Burning Rangers, Panzer Dragoon Saga ou Radiant Silvergun. Et également une trilogie de jeux dont seul le premier épisode est jamais parvenu jusqu'en occident: Shining Force III.

Shining Force était avec Phantasy Star LA licence RPG de Sega sur 16bits. Elle l'est d'ailleurs toujours, même si, vu ce qui en a été fait, il aurait peut-être été préférable de pouvoir parler à l'imparfait, mais passons.

Le joueur incarne Synbios, jeune général muet et épéiste de la République d'Aspinia, alors en pourparlers avec l'Empire de Destonia pour négocier un traité de paix dans la ville de Saraband. Sauf que, manque de chance, l'empereur Domaric est enlevé, et les soldats de la République sont accusés du forfait par l'Empire. Commence alors une suite de batailles opposant l'armée de Synbios aux impériaux, mais également à une mystérieuse secte qui a parti lié avec une ancienne race démoniaque, les Vandals. Laquelle a tout intérêt à voir les habitants du continent s'entredéchirer.

Pas vraiment original, donc, mais néanmoins susceptible de fournir moult batailles. Et ce n'est pas manqué, puisque, finalement, le moindre mouvement de l'armée de Synbios se solde par un combat contre tout ce qu'on peut croiser: impériaux, serviteurs des Vandals, bestioles sauvages, brigands, traîtres à la cause, etc.

Et si la difficulté n'est pas vraiment de mise une fois qu'on a compris le principe (déjà, user et abuser de la magie "Return" pour retourner à l'église la plus proche et pouvoir recommencer la bataille tout en gardant le bénéfice de l'exp acquise), les premières batailles se soldent parfois par de jolies branlées quand on n'est pas habitué aux Shining Force. Notons d'ailleurs à ce sujet que, d'un point de vue tactique, les batailles sont dans l'ensemble variées et intéressantes.

En termes de gameplay, on ne peut pas dire que le jeu ait beaucoup évolué depuis la Megadrive, puisqu'on y retrouve le même type de commandes, réparties de la même manière, le même principe de fonctionnement lors des batailles et le même bestiaire. Seule différence: le passage à la 3D.

Le fait de pouvoir faire pivoter la caméra autour du champ de bataille constitue un plus non négligeable dans les phases de déplacement (et en particulier lors des déplacement hors bataille). En revanche, l'aspect esthétique de la chose est assez effroyable, même pour l'époque, lors des séquences d'action. En particulier lors de l'usage de certaines magies aux effets visuels douteux, comme ces éclairs qui font davantage penser à des serpentins qu'à autre chose.

Musicalement, c'est du Sakuraba, avec tout ce que ça sous-entend, le monsieur n'ayant jamais vraiment réussi à se renouveler. Mais à l'époque, ce n'était pas vraiment dérangeant, bien au contraire: certains thèmes sont même devenus mythiques. En revanche, côté vocal, c'est une autre paire de manches: Sega USA n'avait rien trouvé de mieux que de remplacer les voix japonaises par des voix américaines, comme c'était la mode à l'époque (et je suis fort heureux que Panzer Dragoon Saga soit passé au travers de cette mode); cela n'aurait pas eu vraiment d'incidence si le doublage avait été de qualité, mais là, on a juste l'impression que Synbios est trisomique, et ce n'est qu'un exemple. Fort heureusement, on peut toujours supprimer les voix.

Shining Force III - Scenario 1 est certainement le T-RPG sur lequel j'ai passé le plus d'heures, tous formats confondus, et je le range sans problème parmi mes RPG cultes. Il est regrettable que les deux scenarii suivants n'aient jamais été traduits du japonais, d'autant que, visuellement, ils sont beaucoup plus réussis que celui-ci. Mais vu l'échec monumental de la 32bits de Sega en occident, peut-on leur en vouloir?

Le jeu est sorti le 2 juin 1998 en Europe (acheté day one, en ce qui me concerne); le 30 du même mois sortait Deep Fear, qui devait être le dernier jeu sur la Saturn en Europe.

La franchise "Shining", elle, continue d'être exploitée à toutes les sauces du RPG (dans 90% des cas avec un résultat médiocre), mais la grande période des T-RPG semble bel et bien révolue.

[Jeux de ma jeunesse] X-Men vs. Street Fighter

2011-12-15T11:37:00.000+01:00

La deuxième moitié des années 1990 a été une période peu glorieuse pour l'arcade. Non pas que les jeux de l'époque fussent mauvais (loin de là, même, surtout quand on voit des titres comme Scud Race, King of Fighters 98 ou Dodonpachi); mais il était un fait que nul ne pouvait ignorer: la baisse manifeste de la fréquentation des salles, ainsi que la raréfaction des bornes dans les cafés et bars. Peut-être était-ce à lier à la croyance qu'on pouvait avoir "l'arcade à la maison" avec les nouvelles consoles de Sony et Sega (ce qui n'était techniquement pas plus vrai que pour les anciennes, sauf exceptions). Ou peut-être était-ce à lier à une modification de l'approche culturelle du jeu vidéo, plus intimiste et donc moins encline au jeu "en lieu public". Peut-être, tout simplement, les joueurs étaient-ils lassés de voir toujours les mêmes jeux, sur les mêmes bornes mal entretenues, dans des salles tenues par des mecs qui s'y connaissaient autant en jeux vidéo que moi en tuning. C'est sûr que jouer à KoF97 avec un bouton en moins et un stick dont la poire se détache, c'est peu pratique.

Néanmoins, les développeurs ne lâchaient pas (encore) l'affaire, et continuaient de proposer des titres de qualité. Capcom, par exemple, continuait de sortir des jeux de bastons sur son CPS2, utilisant des franchises nouvellement créées (Vampire en 1994, par exemple) ou adaptant en jeux de combat des licences Marvel. Et bien entendu, la firme d'Osaka n'avait pas abandonné la licence Street Fighter, avec notamment la série des Street Fighter Zero, mais nul ne s'attendait à ce que soit annoncé un cross-over entre cette dernière et les X-Men, sobrement intitulé X-Men vs. Street Fighter.

Comment justifier l'alliance des deux univers? Par un plot simpliste, bien sûr! Apocalypse veut faire très mal à tout le monde, donc les mutants s'allient aux humains balèzes pour lui éclater la gueule. Voilà voilà. Bon fort heureusement, on ne joue pas à un jeu de baston pour son scénario (enfin, on ne joue pas à un jeu de baston non-réalisé par Arc System Works pour son scénario, dirons-nous).

En termes de gameplay, le jeu se présentait comme un tag battle à 2 combattants exploitant la jouabilité de X-Men sur CPS2 (dans lequel était d'ailleurs déjà présent Akuma, en perso caché). Les persos de Street Fighter (avec le design de Street Fighter Zero 2') se voyaient donc affublés de coups démesurés pour équilibrer les forces face à des mutants déjà surpuissants. De fait, le jeu était particulièrement dynamique et spectaculaire, notamment lors des furies en tag.

Niveau roster, 17 personnages jouables parmi lesquels des figures incontournables et mémorables, comme Gambit, Cyclops, Magneto, Ryû, Akuma et j'en passe. Avec, bien sûr, en guise de boss, Apocalypse, et en adversaire post-boss, le partenaire que l'on aura sélectionné (car le dernier combat était le seul à ne pas se jouer en tag).

Niveau visuel, le jeu se plaçait totalement dans la veine de X-Men - Children of the Atom, avec le même type de graphismes (réussis) et une animation fluide, facilitant la représentation d'effets tape-à-l'oeil. Les stages, par leur thématique, reflétaient à merveille l'univers des X-Men, mais le côté "Street Fighter" semble manifestement avoir été un peu oublié sur ce point, ce qui est un peu regrettable.

Côté musical, on retrouvait en revanche les thèmes emblématiques des personnages bien connus, empruntés aux précédents jeux et remixés, tandis que les nouveaux arrivants (Gambit, Rogue, Sabertooth & Apocalypse) se voyaient attribuer des thèmes en parfaite adéquation avec eux (le thème de Gambit est assez mémorable, d'ailleurs).

Si bien que l'on obtenait, en termes de gameplay comme en termes esthétiques ou même de scénario (chaque personnage disposant à ce titre d'une fin personnalisée), un cross-over relativement cohérent.

Amateur des X-Men (à l'époque, je me rappelle avoir bien épluché les Age of Apocalypse) et joueur de Street Fighter, je ne pouvais pas passer à côté de ce jeu. Si bien que je l'ai squatté régulièrement dans l'unique salle d'arcade locale qui n'avait pas encore fermé et qui avait le mérite de le proposer sur une borne générique en bon état (et récente, puisqu'il s'agissait d'une borne Megalo).

J'ai essayé, quelques temps après, la version Playstation. Je m'étais déjà plus ou moins rendu compte que la baston 2D n'était clairement pas son fort après une conversion catastrophique de Samurai Shodown 3, mais je ne m'attendais pas à ce que ce tag en 2 vs. 2 devienne un vulgaire 1 vs. 1 à striker, affublé de temps de chargement à faire pâlir une NeoGeo CD...

Néanmoins, la version arcade de X-Men vs. Street Fighter demeure encore à l'heure actuelle mon épisode préféré de la longue série de cross-over initiée par Capcom et qui continue encore aujourd'hui, avec la version Ultimate (d'ailleurs excellente) de Marvel vs. Capcom 3, sortie le mois dernier.

[Jeux de ma jeunesse] Warcraft II

2011-12-14T11:42:00.001+01:00

Comme je le disais, j'ai découvert les RTS avec Dune II, dont le gros problème était l'absence de mode multijoueurs (entre autres, mais c'était le plus important). Cependant, le jeu ouvrait la voie à de nouvelles perspectives dans lesquelles un certain nombre de développeurs n'ont pas hésité à s'engouffrer.

Parmi eux, un certain Blizzard, alors peu connu même si des titres comme Rock'n Roll Racing ou Lost Viking avaient rencontré un certain succès d'estime. Rien de comparable avec le jeu qui finit par entretenir une bonne part des conversation des mecs de ma classe au lycée: Warcraft II.

En tant gros lecteur de littérature de fantasy depuis le collège, je ne pouvais tout simplement pas passer à côté de ce jeu. Outre le fait qu'il était déjà culte pour bon nombre de joueurs à peine quelques mois après sa sortie, il avait également le mérite de reprendre la recette d'un jeu que j'adulais (Dune II, avec le même savant mélange de micro-gestion/macro-gestion) pour l'améliorer en profondeur à la sauce "fantasy" (même si, a priori, un certain nombre de ces améliorations existaient déjà dans le premier épisode): on pouvait incarner deux factions bien distinctes (et pas seulement par deux ou trois unités ou technologies), mener de jolies batailles navales, bouger des unités groupées (lesquelles se déplaçaient d'ailleurs assez vite) et surtout jouer jusqu'à huit en simultané.

Ce qui était probablement l'une des grandes raisons de son succès, puisque la durée de vie d'un jeu se voit fortement augmentée dès lors que son côté "communautaire" est réussi. Et c'était bien le cas ici, ne serait-ce que parce que la présence d'un éditeur de cartes permettait de se bricoler des arènes plus ou moins vicieuses, histoire de relancer le challenge (d'ailleurs, je crois qu'on a tous avec plus ou moins de succès essayé de réaliser une carte de son propre pays avec l'éditeur).

Evidemment, on peut lui reprocher le fait de proposer un univers fort aseptisé, en l'occurrence de la fantasy archi-classique avec une histoire basée sur un conflit humain/orc apparemment suite directe du premier épisode (auquel je n'ai pas joué). Sauf que, si, à l'époque, ce type de scénario était très répandu dans la littérature, c'était encore bien rare dans les RTS, la plupart des jeux du genre lorgnant plutôt vers la SF (Total Annihilation: Kingdoms ne vit le jour qu'en 1999).

Bien entendu, ce ne serait rien si la réalisation ne suivait pas, et justement, elle suivait: animation très correcte pour le genre, graphismes colorés et plutôt détaillés, musique épique et bruitages... tout simplement cultes ("Zog zog!").

Bref, Warcraft II avait tout pour devenir un jeu "générationnel", ce qu'il a d'ailleurs plus ou moins été pour bon nombre de joueurs sur PC de cette époque. S'il peut sembler aujourd'hui désuet et dépassé, il se trouve encore à l'heure actuelle une petite communauté pour y jouer, avec un noyau dur qui préfère renier Warcraft III et la dérive MMO de la franchise.

Pour ma part, j'ai fini par le délaisser, non pas pour Starcraft comme beaucoup, mais pour Age of Empires II. Peut-être que je devrais m'y remettre.

[Jeux de ma jeunesse] Sega Rally Championship

2011-12-13T13:33:00.000+01:00

S'il y a bien un domaine dans lequel Sega a presque toujours assuré, c'est l'arcade. Dans tous les genres de jeux, à part la baston 2D (encore que Golden Axe - The Duel n'était pas si mauvais que ça). Dans les années 1980, des titres comme Hang On, Space Harrier, Outrun, After Burner ou Golden Axe s'imposaient comme des incontournables. Dans les années 1990, Sega a continué de se poser en maître des lieux, avec des titres à la fois novateurs et de qualité, que l'on songe au premier jeu de bagnole arcade en 3D (Virtua Racing) ou du premier jeu de baston 3D grand public (Virtua Fighter). Bien entendu, les deux jeux eurent une descendance des plus illustres, la série des VF ayant perduré jusqu'à nos jours, et VR ayant engendré un certain nombre d'héritiers spirituels assez remarquables: Daytona USA, Indy 500 ou plus tardivement Scud Race. Et surtout Sega Rally.

Ah ce "Sega Rally Championship", à la fin de l'intro... ce que les vendeurs des boutiques qui l'avaient mis en démo ont dû le détester! Parce que oui, à sa sortie, le jeu avait été mis en démo un peu partout: fin 1995/début 1996, rien n'était encore perdu pour Sega, malgré le départ canon de la Playstation. Et le jeu n'avait alors aucun équivalent chez la concurrence.

Pour être honnête, je n'ai jamais été un gros fan des jeux de bagnoles (Unirally & Mario Kart ne comptant bien évidemment pas). Jusqu'alors, seuls Outrun (peut-être parce que ce n'est pas vraiment une course mais plutôt une promenade à grande vitesse) et Daytona USA m'avaient suffisamment botté pour que j'y joue plus d'une ou deux parties. Mais Sega Rally a été vraiment LA grosse claque qu'il me fallait pour m'acharner sur un jeu du genre, en arcade comme sur Saturn, même si c'est principalement sur cette dernière version que j'ai joué.

Ce qui frappe en premier lieu, aujourd'hui, c'est le très faible nombre de véhicules et de circuits disponibles: 2 caisses (plus une cachée) et 3 circuits (plus un planqué). Mais il faut aussi recontextualiser tout ça: Daytona USA, par défaut, ne proposait de conduire que la Hornet pour 3 circuits (fort heureusement, un code permettait de varier un peu les plaisirs); Ridge Racer proposait 4 bagnoles (sauf si on se démerdait bien sur Galaga dans la version PS1, auquel cas on pouvait tripler ce nombre) et un seul circuit (avec des "rallonges" en fonction de la difficulté); et il s'agissait là des deux grandes références de la course arcade à l'époque, alors autant dire que Sega Rally ne faisait pas vraiment tache dans le paysage.

La qualité de la conversion sur Saturn était, elle, tout à fait honorable, malgré, bien sûr, une baisse de résolution logique par rapport à l'arcade: une Model 2 n'est pas une ST-V. En termes de graphismes et d'animation, il surpassait sans problèmes Daytona USA, jusqu'alors le meilleur jeu de caisses disponible sur la 32bits de Sega (ce qui soit dit en passant n'était pas bien difficile, si on regarde l'innommable conversion de Virtua Racing sortie en 1995).

Le gameplay était bien entendu peu réaliste, mais hé, c'était de l'arcade! Et dans ce domaine, le jeu se révélait particulièrement fun et agréable à jouer. Répétitif, certes, mais terriblement addictif.

Les suites de Sega Rally sont certes objectivement meilleures, mais n'ont pas réussi là où l'originel s'était imposé comme une référence en son temps. Aujourd'hui, je me surprends encore à prendre mon pied sur Saturn avec cette antiquité, bien plus qu'avec Sega Rally 2 sur Dreamcast ou le très discutable Sega Touring Car sur Saturn.

Sega Rally a été mon quatrième jeu sur cette machine, un achat que je n'ai jamais regretté.

[Jeux de ma jeunesse] Dragon Force

2011-12-12T13:46:00.000+01:00

1996: la Playstation est dans pratiquement tous les foyers, rien ne peut arrêter la progression du rouleau compresseur de Sony qui renvoie les deux anciens leaders du marché dans les cordes. La Sega Saturn a donc été un bide retentissant en Europe, malgré des titres considérablement bons: Daytona USA, Sega Rally Championship, Virtua Fighter 2, Nights et les deux premiers Panzer Dragoon constituaient à eux seuls des motifs d'achat de la machine. Même si, chez Sony, on proposait des jeux du même acabit: Ridge Racer Revolution, Tekken ou Wipeout (au départ une exclusivité), par exemple.

Pourtant, il y avait un domaine dans lequel la Saturn enterrait alors la PS1: les RPG et assimilés (je parle bien des deux ou trois premières années d'existence des deux consoles, hein; sur la fin, la situation était bien différente...).

C'est en partie ce qui, pour moi, a motivé l'achat de la 32bits de Sega, l'autre raison étant que tous mes potes possédaient déjà la PS1 (sauf Edge, qui tournait encore à la Megadrive), et que, si je voulais y jouer, il me suffisait de squatter chez eux (ce que je n'ai pas manqué de faire, d'ailleurs). Par contre, pour jouer sur Saturn, à part taper l'incruste des heures durant dans les quelques boutiques qui la mettaient en démo... Bref, pas très pratique.

Dragon Force a été mon troisième jeu sur Saturn, après Nights et Dragon Ball Z - Shin Butôden (on ne se refait pas).

Les Strategic-RPG asiatiques ne sont clairement pas monnaie courante en Europe, même à l'heure actuelle, aussi Dragon Force faisait-il figure à l'époque de véritable OVNI pour otaque. Le plot de base est un classique tellement éculé qu'il en devient risible: un ancien dieu maléfique, Madruk, semble renaître de ses cendres, mais la déesse protectrice du continent, Astea, a choisi huit "élus" pour lui savater la gueule. Dès lors, après avoir fait le choix de son héros/souverain, le joueur n'a plus qu'un seul objectif: unifier le continent, la plupart du temps par la force.

Car, bien entendu, l'objectif est partagé par les royaumes et empires rivaux, et l'un d'entre-eux, Fandaria, est presque ouvertement aligné sur Madruk. De fait, il faut recruter des troupes pour les envoyer au casse-pipe, conquérir des forteresses et assurer leur défense, envahir ainsi un par un les autres pays pour soumettre les différents souverains et si possible rallier leurs généraux à la bonne cause. Sachant qu'il va bien sûr falloir équiper lesdits généraux pour qu'ils n'aillent pas au combat en slip (ceci dit, ça ne semble pas déranger certains persos féminins...).

Le tout avec un scénario assez scripté bien que laissant pas mal de liberté d'action au joueur.

Présenté comme ça, le jeu semble d'une grande complexité, alors qu'en réalité, pas du tout. D'une part, l'aspect stratégique est assez limité. On peut certes interagir avec ses généraux durant les "domestic affairs" (à la fin de chaque semaine), pour les décorer (ce qui leur donne accès à plus de troupes), leur parler (histoire de connaître leur opinion) et les équiper. Mais ce dernier point se limite à deux seuls éléments, en l'occurrence la nature des troupes qu'ils peuvent utiliser (déterminées soit par défaut, soit par une "crest" que le joueur peut associer définitivement à un général; les meilleures, les "dragon crests", se trouvant au Crystal Castle) et l'unique objet dont on peut les équiper et qui augmente leurs stats. La gestion des zones conquises, elle, se limite à du recrutement de chair à canon, de la réparation de fortifications et de la recherche (soit d'items, soit de généraux en attente d'un seigneur). Quant-à la diplomatie, elle est entièrement scriptée: si une solution pacifique est possible, c'est le scénario qui le déterminera automatiquement; et par défaut, c'est la guerre.

D'autre part, les aspects tactiques sont eux aussi assez simples à gérer, chaque combat opposant un général et ses troupes à un autre, avant de s'achever en duel (duel dans lequel on ne contrôle d'ailleurs rien) dans le cas où la totalité des troupes auraient été anéanties (ce qui arrive TRES souvent). Et en fait, ce sont pratiquement toujours les mêmes tactiques qui reviennent: on laisse ses troupes en stand-by devant soi, en attendant que la charge ennemie vienne se se briser sur le mur et succombe (les unités immobiles ayant systématiquement l'avantage sur les unités en mouvement). Le reste n'est qu'une suite de choix logiques (il faudrait être con pour envoyer des harpies contre des archers, etc.). Ah, détail amusant: il est possible de courser une armée en fuite après qu'on l'ait dérouillée; c'est un peu comme tirer sur l'ambulance, et c'est assez drôle.

Répétitif et facile, Dragon Force l'est, indéniablement. Pourtant, il est aussi terriblement addictif et doté de personnages, certes stéréotypées, mais terriblement attachants. Je songe notamment à Junon, Mikhal et Reinhardt, pour les souverains, mais aussi aux généraux Uryll, Vlad et Hayate. Le design global était par ailleurs très plaisant, aussi bien pour les décors que pour les troupes; on pourra tout de même lui reprocher un certain manque de variété pour les sprites des généraux.

Enfin, si les histoires se ressemblent (et finissent toutes de la même manière), le fait de pouvoir incarner les huit généraux (six seulement au départ; il faut soit terminer le jeu une première fois, soit utiliser le debug mode pour incarner Reinhardt et Goldark) multiplie la durée de vie du soft, chaque campagne pouvant se terminer entre une vingtaine et une trentaine d'heures, en se démerdant bien.

Il doit s'agir du titre sur lequel j'ai passé le plus d'heures sur Saturn. Pour l'anecdote, je n'avais pas de Data Cartridge à l'époque, et la mémoire interne de ma Saturn était trop pleine pour que je puisse sauvegarder le jeu; de fait, mes premières parties de Dragon Force impliquaient d'avoir la console allumée pendant parfois plus de 24h. Mais le jeu en valait clairement la chandelle.

[Jeux de ma jeunesse] Duke Nukem 3D

2011-12-11T10:00:00.000+01:00

Comme je le disais dans le précédent post, il m'a fallu du temps pour revenir durablement aux jeux sur micro, ou plutôt devrais-je dire "PC", puisque c'était alors à ça que se limitait l'horizon de l'ordinateur personnel, ou peu s'en fallait: l'alliance IBM/Microsoft avait eu raison de la concurrence, le "coup de grâce" en la matière ayant été donné à Apple avec Windows 95 (heureusement pour les fanboys de Steve Jobs, la marque à la pomme est plus que revenue dans la course par d'autres marchés).

Si je connaissais déjà plus ou moins Wolfenstein 3D et Doom pour y avoir joué un peu chez des potes (sur micro, mais quasiment pas sur console, même si je me rappelle que la conversion de Doom sur SNES m'avait bien bluffé), le premier doom-like (ouais, à l'époque, on disait pas "FPS") sur lequel je me suis acharné a été l'inénarrable Duke Nukem 3D.

Les méchants aliens en ont encore une fois de plus après notre belle planète bleue, et notre seul espoir est manifestement Duke, tout juste revenu sur Terre d'un charmant voyage spatial forcé. Constatant quelques petites modifications socio-culturelles dans la ville de Los-Angeles, il décide que Tom Bradley était une grosse tapette et va faire le ménage à sa façon. Et Duke de massacrer du phacochère mutant et du lézard anthropomorphe à tour de bras.

En termes de gameplay, le jeu était une véritable référence dans son domaine, ne se limitant pas à du "j'avance, je tire": les phases aquatiques ou en jet-pack permettent ainsi de varier les plaisirs et les angles de tir. Et pour ce qui est de tirer, le moins que l'on puisse dire, c'est qu'on était servis niveau matos, avec des éléments très classiques (fusil-à-pompe, lance-roquettes, mitrailleuse...) associés à des armes aussi novatrices que rigolotes, telles que le Freezer ou le Shrinker (très marrant quand on veut piétiner un adversaire comme un cafard).

Mais c'est aussi par son ambiance très particulière que Duke Nukem 3D est mémorable. Au fil des trois "épisodes" du jeu, Duke se retrouve à arpenter une base lunaire infestée rappelant Aliens de J. Cameron aussi bien que la ville de L. A., qui ne serait rien sans ses cinémas pornos, boîtes de striptease et autres prostiputes... dont il est bien entendu possible d'abréger les souffrances de quelques balles, même quand elles ne souffrent pas (oui, mais on ne sait jamais, elles peuvent simuler d'aller bien; alors dans le doute...).

Bref, une ambiance décalée et trash au possible, dotée d'un humour bien gras et un poil gore. Duke est peut-être le seul héros de l'histoire du jeu vidéo à être capable de transformer un touch-down en utilisant une partie de l'anatomie de son adversaire venu d'un autre monde et récemment parti vers encore un autre monde...

Au final, Duke Nukem 3D non seulement donnait un nouveau sens au mot "défouloir", mais se posait comme une excellente référence dans le domaine des doom-like, avec une difficulté qui pouvait virer à l'atroce si on se mettait à jouer à l'épisode 3 en mode "Damn I'm good".

Je n'y ai pas rejoué depuis une demi-douzaine d'années, mais la sortie du regrettable Duke Nukem Forever, aka "l'arlésienne" (qui est presque une insulte à ses prédécesseurs), m'a récemment donné envie de m'y remettre. Dommage que je n'aie plus le jeu en stock (et non, je n'ai pas pris la version XBLA: un FPS, ça se joue au clavier et à la souris).

[Jeux de ma jeunesse] Dune II - Battle for Arrakis

2011-12-10T17:52:00.000+01:00

Alors que je m'éclatais sur consoles de salon, j'avoue avoir beaucoup délaissé la micro durant tout le début de mon adolescence. Pour deux raisons. La première, c'est que je devais me contenter à la maison, en la matière, d'un vieux MO6 totalement dépassé. Les micro-ordinateurs coûtaient cher, et cet argent, je préférais le voir claqué pour de la console de salon (consoles qui n'étaient pas données non-plus, d'ailleurs). La deuxième, c'est que c'était quand même plus rapide de lancer un jeu sur Megadrive ou SNES que de se faire chier sous DOS.

En fait, il a fallu que mes parents se décident finalement à faire l'achat d'un PC sous Windows 95 pour que je revienne m'intéresser un peu aux jeux sur micro. Et en premier lieu à Dune II, choix qui n'était pas anodin, puisque je venais tout juste de découvrir les romans de Frank Herbert.

Je crois que les bouquins de Frank Herbert ont eu sur moi le même effet que ceux de Tolkien, et c'est à juste titre qu'ils sont encore aujourd'hui considérés comme cultes par bon nombre d'amateurs de SF: il s'agit d'un habile mélange de fresque écologique, de drame "à l'antique", d'intrigues politiques et de mysticisme messianique sur fond de Planet Opera. Pas n'importe quelle planète, d'ailleurs, puisque Arrakis est un magnifique désert de sable, le seul dans l'univers capable de produire l'unique substance servant à la fois à la prescience, la navigation spatiale et maints usages d'ordre médical, l'épice "Mélange". Et qui est par conséquent un champ de bataille permanent (un peu comme l'Irak actuel, en fait).

Et quoi de mieux qu'un wargame pour reproduire un champ de bataille, n'est-ce pas (non, ne me dites pas "un FPS", s'il vous plait)? Si le premier Dune, de Cryo, était une sorte de RPG suivant à la trace les péripéties de Paul Atréides, le deuxième, de Westwood (réalisé en même temps), se focalisait sur la guerre que se livrent Atréides et Harkonnen pour la possession de l'Epice, en y ajoutant une nouvelle faction, inconnue des romans, la Maison Ordos. Le choix de Westwood est ici discutable, puisque ce ne sont pas les factions qui manquent dans le Dune de Frank Herbert, et il aurait été tout à fait possible de réemployer le nom d'une organisation telle que le Bene Tleilax ou d'une maison existante (au hasard, les Fenring). Mais passons sur ce détail.

Le fait est que trois Maisons s'affrontent pour le contrôle de la planète, puisque contrôler l'Epice revient à contrôler l'univers connu.

Dune II peut être considéré comme le tout premier RTS proprement dit de l'histoire du jeu vidéo (même si on en retrouve les prémices dans des jeux plus anciens, comme Herzog Zwei), et pose pour ainsi dire les bases fondamentales du genre: récolte de ressources, construction de bâtiments et d'unités, combat. Sachant que la nature faisait également parfois des siennes (avec l'intervention inopinée d'un ver des sables qui vient bouloter vos moissonneuses ou vos précieux tanks, par exemple).

On y retrouve donc un savant mélange de micro-gestion/macro-gestion, de tactique et de stratégie... en solo. Car oui, et c'est probablement le pire défaut que l'on puisse reprocher à un RTS, Dune II était exclusivement solo. Problème auquel il faut ajouter également quelques petits archaïsmes qui rendent le jeu ergonomiquement peu agréable aujourd'hui, comme l'impossibilité de sélectionner plus d'une unité à la fois.

Si Dune II a été un grand jeu en son temps, force est de reconnaître que les jeux auxquels il a ouvert la voie (Warcraft, Command & Conquer, Starcraft, Total Annihilation, Age of Empires et autres franchises) ont largement dépassé le maître. Et malheureusement, la tentative de remake qu'a été Dune 2000 n'y a guère changé quoi que ce soit. De fait, on se retrouve aujourd'hui avec un jeu précurseur dont le vieillissement a été accéléré par les excellents jeux qu'il a inspiré, si bien qu'on se demande si l'on doit dire "tant mieux" ou "dommage".

En ce qui me concerne, je n'ai plus la version PC depuis longtemps et ne me suis procuré que récemment la version Megadrive, sans réussir à raviver la flamme. Bien que toujours fan de Dune (malgré les regrettables séries TV et les romans du fils de l'auteur qui ne font pas honneur à l'épopée originelle), le fait de se retrouver limité à affronter toujours les mêmes IA sur fond de désert de sable a quelque chose de profondément lassant. Ah, si seulement il y avait eu un mode deux joueurs...

Néanmoins, Dune II m'a, au terme de nombreuses heures de jeu, ouvert les portes du monde des RTS, et rien que pour cela, il méritait amplement sa place dans cette petite sélection.

[Jeux de ma jeunesse] Dragon Ball Z - La Légende Saien

2011-12-09T15:21:00.000+01:00

Des jeux dérivés d'anime, il y en a tout de même eu quelques uns qui me sont passés entre les doigts avant la SNES. Le regrettable Les Chevaliers du Zodiaque - La Légende d'Or, déjà (qu'on m'avait prêté et que j'avais honteusement lâché après moult énervements, sans le terminer; parce que sans le password qui booste la vie et le cosmos au max, bon courage). Dragon Ball sur NES, aussi; très regrettable également: j'ai dû y jouer dix minutes à tout péter. Black Belt ne compte pas; enfin je crois.

Cependant, je n'étais pas foncièrement hostile aux jeux adaptés de dessins animés: TMHT & TMHT 2 sur NES m'avaient carrément bottés à l'époque (surtout le deuxième; j'en profite pour préciser qu'à l'époque, je ne faisais pas vraiment la différence entre ce qui venait du Japon et ce qui venait des Etats-Unis).

Et vu que DBZ était l'anime phare de l'époque (comme pratiquement tous les ados un peu geek de mon âge, j'aimais beaucoup), il était difficile de passer à côté des quelques adaptations de la franchise sur SNES arrivées jusqu'en Europe.

La première, Dragon Ball Z - Super Butôden (renommée simplement "Dragon Ball Z" pour la localisation en France) est restée dans les mémoires comme étant moche, mal animée, d'une lenteur désespérante et affublée de bruitages assez laids. Malgré tout, elle présentait de bonnes idées, comme l'écran splitté en alternative aux zooms impossibles sur la 16bits de Nintendo, la possibilité de s'envoler ou les gros Kamehameha et autre Final Flash qui en jetaient quand même pas mal à l'époque. Et surtout, elle spoilait méchamment la série TV dont la diffusion n'était pas encore arrivée jusqu'à la fin des événements relatés dans le jeu.

La deuxième, Dragon Ball Z - Super Butôden 2 (ou "La Légende Saien" en France), sortie en même temps que l'unique adaptation Megadrive, avait su garder les qualités qui faisaient l'identité du jeu tout en en corrigeant les défauts.

Tout d'abord, on aura constaté que Bandai s'était enfin enlevé les doigts du cul pour proposer des graphismes à peu près dignes de la machine (sauf qu'on était encore loin de Street Fighter II, mais passons). Niveau animation aussi, d'ailleurs, même si on n'était là encore clairement pas au niveau des meilleurs jeux de baston de l'époque.

Les bonnes idées du premier avaient été conservées et améliorées: les vagues d'énergies qu'on se balançait à travers la gueule étaient devenues de GROSSES vagues d'énergies, et le principe de l'écran splitté avait été conservé, tout comme la possibilité de voler.

Et parmi les quelques ajouts de cette version, signalons le fait de pouvoir recharger son énergie "à la Art of Fighting" avec un joli petit effet d'aura.

Concernant le gameplay, Bandai avait repris le type de jouabilité du premier (poing-pied-boule-envol + 2 boutons de dash), avec des commandes plus fluides et un peu plus de punch dans l'exécution des coups. Pas de combos à rallonge (ou plutôt, disons que les enchainements en eux-même s'effectuaient sous la forme de manip' de coups spéciaux en bonne et due forme, et qu'ils n'étaient pas toujours faciles, voire impossibles, à connecter avec des coups normaux ou d'autres coups spéciaux), et de fait un gameplay qui tranchait radicalement avec la norme "SF2" de l'époque. Avec certaines anomalies étranges, comme le fait que les coups bas et gardes basses ne soient pas effectuables sous l'eau ou dans les airs alors que les coup spéciaux à base de glissade comme celle de Trunks passaient sans problème (ce qui en faisait d'ailleurs un perso TRES avantagé dans certains stages).

Le mode "story" était beaucoup plus complet que celui du premier (avec une traduction pas franchement réussie, elle) et s'éloignait de la série TV après les "Cell Games" pour lorgner du côté des films (là encore, gros spoils pour le spectateur français moyen; même si au fond, l'histoire ne respectait pas franchement le script des films; ceci dit, peut-être tant mieux, au fond). Avec la première apparition dans un jeu de Broly, en guise de boss final (lequel était d'ailleurs bien craqué).

Le jeu était plus rythmé, plus dynamique, plus agréable que son prédécesseur. Bref, meilleur. Mais il restait quand même bien en-deçà des productions Capcom ou SNK (même celles passées à la moulinette de Takara pour les conversions SNES/MD).

Comment se fait-il, dès lors, qu'il m'ait autant marqué? Bin, à cause de la licence, en fait. A l'époque, le simple fait de proposer un jeu estampillé "Dragon Ball Z" qui ne soit pas une merde suffisait à en faire un must have pour ma pomme. L'ennui, c'est que, lorsque, après de looooooongues heures de jeu chez les potes, je me suis enfin décidé à casser ma tirelire, le jeu était entretemps devenu quasiment introuvable. De fait, il m'a fallu attendre la sortie du troisième épisode (plus beau, plus équilibré et plus dynamique, mais dépourvu de mode story et dont le roster était déjà moins sympa, ce qui ôtait une bonne partie de son charme au jeu) pour trouver un semblant de compensation ou matière à échange (temporaire) contre l'épisode 2, jusqu'au jour où j'ai fini par mettre la main sur ce dernier en occase.

Mais entretemps, beaucoup d'eau avait coulé sous les ponts, et j'étais un peu passé à autre chose...

[Jeux de ma jeunesse] Tetris

2011-12-08T14:53:00.000+01:00

Gamin, je jouais pas mal en cour de récré aux game & watch des copains (c'est d'ailleurs ainsi que j'ai découvert la franchise Zelda). Pourtant, je n'ai jamais ressenti le besoin d'en réclamer à mes parents (qui m'auraient d'ailleurs promptement envoyé chier): le jeu vidéo, ça se jouait devant un écran de taille raisonnable, et ces trucs riquiquis étaient tout juste bons à faire passer le temps entre deux cours.

Aussi, lorsque Nintendo a sorti sa première vraie console portable, j'étais plutôt dubitatif. Mais après essai d'un seul et unique jeu (encore), j'ai été tout simplement conquis.

Plusieurs des jeux évoqués ici depuis le début du mois sont de grands classiques bien connus de tous et passé entre toutes les mains de gamers (les Zelda, Street Fighter II Turbo, ou même Pong); mais Tetris se situe en la matière encore un cran au-dessus avec des ventes de plus de 170 millions d'exemplaires depuis 1984, réparties sur une trentaine de formats différents, la version GameBoy étant selon jeux-video.com le quatrième jeu le plus vendu au monde.

Si esthétiquement, le jeu ne payait pas de mine (même pour l'époque), le fait est que son gameplay simple et efficace en même temps que son austérité générale s'accordaient à merveille avec le nouveau format de Nintendo: pas besoin de couleur ou de graphismes léchés pour empiler des briques. De même, la très modeste qualité sonore de la GameBoy ne dérangeait pas particulièrement et Коробе́йники est devenue complètement culte (même si son nom d'origine demeure étonnamment méconnu...)

De fait, alors que la version NES ne m'avait fait ni chaud ni froid (j'avais, Zelda à finir, aussi), j'ai tout de suite accroché à cette version qu'on pouvait trimbaler partout et qui m'a accompagné dans pas mal de voyages en bagnole.

Que dire de plus? A part "merci M. Pajitnov pour les bons moments que vous m'avez fait passer", je ne vois pas trop. Tetris a été mon premier puzzle game et assurément celui sur lequel j'ai passé le plus de temps (et autant dire que ce n'est pas près de s'arrêter).

[Jeux de ma jeunesse] Zelda - A Link to the Past

2011-12-07T13:38:00.000+01:00

Comme je le disais dans un précédent post, j'ai choisi la SNES plutôt que la Megadrive (la NeoGeo, c'était tout simplement impossible, financièrement) pour un seul et unique jeu: Zelda - A Link to the Past. Choisir une console en fonction d'un seul jeu relève quand même d'un raisonnement un peu con, me direz-vous. Mais il faut garder à l'esprit deux choses.

La première, c'est que les deux bécanes proposaient une masse monumentale de jeux, au contraire d'autres formats parus dans les mêmes années comme la GX4000, la Jaguar ou la 3DO. Si bien que, dans le lot, il n'était franchement pas difficile de retrouver son compte sur Megadrive comme sur SNES, même si le choix de l'unique jeu pour faire la différence s'avérait foireux (ce qui n'était bien entendu pas le cas ici).

La deuxième, c'est que la SNES comme la Megadrive étaient toutes deux très répandues. De fait, il n'était pas difficile de trouver un moyen de jouer à celle des deux qu'on ne possédait pas: il suffisait de squatter chez les potes, de pratiquer l'échange temporaire de bécane ou, si on avait un peu de fric, de louer le matos (si Nintendo s'y était fermement opposé, pas mal de boutiques n'en tenaient pas compte; Sega, quant à lui, fermait les yeux sur les pratiques locatives quand il ne les encourageait pas ouvertement).

Bref, j'avais choisi la SNES pour le troisième épisode de Zelda, et je ne l'ai jamais regretté.

Ayant déjà adoré le premier du nom, je suis passé très rapidement sur le deuxième épisode qui, pour le coup, ne m'a pas particulièrement botté. Le troisième, en revanche, puisqu'il renouait avec le gameplay du premier, m'intéressait beaucoup plus. Et pourtant, je ne m'attendais pas à une telle claque.

Bien sûr, graphiquement, compte tenu des capacités de la SNES, il était évident qu'il fallait s'attendre à une profonde amélioration graphique, laquelle ne m'avait d'ailleurs pas vraiment surpris à l'époque (et aujourd'hui, même au regard des limites de la 16bits de Nintendo, cet épisode de la série fait un peu pâle figure techniquement parlant si on le compare des productions plus tardives comme les Seiken Densetsu 2 & 3).

Par contre, l'aspect "bac-à-sable" se retrouvait propulsé à un autre niveau, avec des possibilités d'action nettement plus variées que dans le premier opus, compte tenu des nouveaux équipements disponibles. Les lieux emblématiques de l'épisode originel avaient été refondus et revisités, avec un level-design beaucoup plus plaisant: la Forêt Perdue n'était plus vraiment un labyrinthe mais un lieu brumeux infesté de voleurs, la Montagne de la Mort ressemblait enfin à un quelque chose de surélevé et d'où on pouvait apercevoir le paysage en contrebas, le cimetière de se limitait plus à une succession de teintes de gris et était envahi par les herbes folles... Le tout accompagné de nouveaux lieux reprenant parfois des thématiques abordées dans le deuxième épisode: un petit village, le palais du roi et de la princesse (infesté d'ennemis, of course), des marais...

Et surtout, Link n'était plus SDF, puisque l'histoire débutait dans sa propre maison, par une nuit pluvieuse et un appel désespéré...

L'ensemble avait un côté "kawai" assumé (déjà, le coup du Link SD aux cheveux roses...) qui passait plutôt bien, dans un atmosphère assez colorée et enfantine (les joueurs qui recherchaient davantage de maturité devaient eux se tourner vers Phantasy Star sur la console concurrente).

Bien sûr, on pourra lui reprocher son histoire tellement bateau et classique qu'elle ne surprend jamais vraiment, mais vu le public visé, on ne saurait s'en étonner. Et puis merde, quoi! L'important, c'est l'aventure, la poésie de l'exploration d'un monde féérique (même si on reste dans de la fantasy archi-classique) ou de donjons labyrinthiques. Et pour l'époque, A Link to the Past remplissait complètement le cahier des charges. Il était même plutôt bluffant, en fait, et laissait une énorme impression de liberté.

Côté sonore, c'était franchement la fête, avec des bruitages mémorables et des musiques devenues carrément mythiques entre temps (au point de les retrouver jusque dans le film de Scott Pilgrim), sans fausse note. Si bien qu'on a très envie de prendre son temps avant d'aller récupérer cette connasse de princesse qui s'est encore laissée capturer (Peach, sors de ce corps! Ah pardon, c'était Saori), plutôt que de se faire un speedrun (dans cette optique, le jeu est d'ailleurs relativement court), histoire de profiter de l'ambiance, du paysage et du plaisir de galoper dans les herbes fraîches en découpant tout sur son passage.

Bref, le troisième épisode reprenait et fusionnait les aspects les plus intéressants de ses deux prédécesseurs: vu de dessus et gameplay général du premier (avec des aménagements des plus judicieux, comme la fameuse carte en Mode 7), scénario plus scripté et plus grande interaction avec les PNJ comme dans le second.

Et bien sûr, il bénéficiait d'éléments qui lui étaient propres: nouveaux items, level-design des donjons radicalement différent de celui des deux premiers, une place plus importante accordée aux "énigmes", existence d'un "monde-miroir" à l'ambiance complètement différente sachant que les actions réalisées dans un monde influent sur l'autre (ce qui paraît évident aujourd'hui mais ne l'était pas nécessairement à l'époque), bosses imposants (à défaut d'être difficiles)...

Au final, ce jeu était en son temps une petite tuerie, une tuerie qui n'a pas mal vieilli du tout. Son gameplay et ses graphismes sont certes un peu désuet, mais il se dégage de lui une poésie qu'on ne retrouve pas dans, au hasard, Spirit Tracks. Si certains lui ont préféré (avec raison, peut-être) Ocarina of Time ou Link's Awakening (ou plus récemment Skyward Sword), c'est A Link to the Past qui demeure mon Zelda préféré, celui auquel j'ai le plus souvent joué et rejoué (pas plus tard que le mois dernier sur GBA, d'ailleurs).

Un souvenir indélébile d'un certain printemps de mon adolescence.

[Jeux de ma jeunesse] Samurai Shodown

2011-12-06T08:50:00.000+01:00

Alors que Street Fighter II et ses dérivés occupaient le devant de la scène "baston" sur consoles de salon, voire sur micro, la domination de Capcom semblait moins assurée en arcade, où la NeoGeo MVS de SNK s'était taillée un bel empire à grands coups de jeux de fight. Après Fatal Fury et Art of Fighting, la firme d'Ôsaka diversifiait les thèmes de ses productions en s'attaquant à l'histoire du Japon. Et le résultat fut Samurai Shodown.

Et bien entendu, pas question de réalisme historique: on reprend juste quelques noms célèbres (Yagyu Jubei, Hattori Hanzo, Amakusa Shiro...), on ajoute des personnages créés spécialement pour l'occasion (Haohmaru, Nakoruru...) accompagnés de quelques caricatures venues d'autres horizons (Charlotte, Tam Tam, Earthquake...), le tout sur un fond historico-fantasy mêlant éléments de folklore et vision fantasmée de la période du Bakufu d'Edo.

Avec un design particulièrement soigné, pas mal d'humour et... du sang. Tout du moins, dans la version japonaise, à laquelle je n'ai joué que beaucoup plus tard. Parce que pour la version occidentale, la censure était passée par là. Rétrospectivement, il y a toujours quelque chose d'étrange à voir un jeu de baston à l'arme blanche où le sang se fait discret, mais ça ne m'avait pas particulièrement marqué à l'époque (et de toute façon, c'est apparemment plus ou moins devenu la norme au fil du temps, cf SoulCalibur).

Outre son ambiance spécifique et le fait que le combat armé y soit la norme (et non l'exception comme dans un Street Fighter II ou un Fatal Fury II), le jeu se distinguait du reste du genre par sa relative lenteur. Pas qu'il soit impossible d'y réaliser des combos rigolos ou qu'il soit particulièrement mou, mais il a une certaine inertie, qui relève davantage d'un choix de gameplay et d'esthétique que d'un problème de limitations techniques (on parle quand même de la NeoGeo, là). Probablement une volonté de retranscrire l'atmosphère contemplative d'un affrontement mortel façon film de samouraïs, ce que la musique venait renforcer dans certains stages (tandis que pour d'autres, on avait plutôt affaire à quelque chose de franchement caricatural, à l'image du thème d'Earthquake, tout aussi pseudo-métalleux que le personnage auquel il s'attache).

De fait, le jeu détonnait quelque peu par rapport au reste des jeux alors disponibles en France, et c'est peut-être pour cela qu'il m'a autant plu. D'ailleurs, n'ayant pas d'AES sous la main à l'époque, j'ai claqué un bon petit paquet de pognon dans la borne avant d'arriver devant Amakusa (que je n'ai d'ailleurs jamais réussi à battre sur ladite borne).

Si Samurai Shodown n'a pas été le premier jeu auquel j'ai touché en arcade, il est assurément le premier sur lequel je revenais aussi régulièrement jouer. Et je crois bien n'avoir cessé d'y jouer en arcade que le jour où ma salle habituelle a retiré la cartouche pour la remplacer par Windjammers.

[Jeux de ma jeunesse] Street Fighter II Turbo

2011-12-05T17:34:00.000+01:00

Les guerres entre constructeurs de consoles ou de micro m'ont toujours fait rigoler, même quand j'étais gamin. Outre le fait que voir des fanboys un peu cons se foutre sur la gueule pour la gloire de l'entreprise qui pompe leur fric a déjà quelque chose d'assez réjouissant en soi, ces pseudo-conflits de merdeux boutonneux ou de type gras lunetteux prennent un tour franchement hilarant quant on voit le niveau de l'argumentaire.

Dans le début des années 1990, on a eu droit à de beaux moments d'anthologie dans les cours de récré et jusque dans la presse magazine. Player One, par exemple, était considéré par les fans de Sega comme totalement vendu à Nintendo (ce qui n'était rétrospectivement vrai que pour Cyril Drevet, lequel s'est défendu pitoyablement d'un "j'ai toujours été pro-la meilleure console").

Cependant, et malgré le côté comique que peut revêtir une guerre commerciale, il fallait bien faire un choix: les machines étaient tout simplement trop chères. Pour ma part, j'ai eu la chance d'avoir des potes possédant divers formats, ce qui m'a laissé l'occasion de m'essayer à plusieurs micro (Mac, Amiga, CPC et PC Dos, principalement) et à à peu près toutes les consoles disponibles officiellement en France à l'époque (GX4000 & NeoGeo AES exclues, mais les MVS étaient alors monnaie courante en salles d'arcade et les jeux GX4000 sortaient également sur le CPC, dont l'architecture n'était pas très différente).

J'ai pris le temps de faire mon choix, mais il a été très vite orienté vers Nintendo pour une raison très simple: Zelda - A Link to the Past. Pourtant, il ne s'agit pas de mon premier jeu sur la 16bits, et j'ai passé un temps dingue sur Street Fighter II Turbo avant de me mettre au jeu de Miyamoto.

Si je n'ai pas découvert les jeux de baston avec celui-ci (Street Fighter II s'était déjà chargé de me virer mon pucelage précédemment), j'ai en revanche bien découvert avec lui combien ces saloperies pouvaient être terriblement addictives.

Une bonne part des ajouts de la version "Turbo" (ou "Hyper Fighting" en arcade) n'étaient pas négligeables, mais déjà disponibles sur la version "'" (ou "Champion Edition") sortie avant sur Megadrive, comme la possibilité de jouer le même perso sans avoir à se taper un code à la con ou la possibilité de jouer les bosses. Cependant, elle ne se limitait pas à cela et apportait avec elle (outre un "rééquilibrage" des persos) le fameux "turbo", modulable selon la volonté du joueur.

Un code permettait d'ailleurs de pousser ce "turbo" à un niveau ahurissant amenant le jeu à la limite de l'injouable, à moins d'être doté d'une bonne, voire très bonne réactivité.

Qu'est-ce qui faisait donc la force de cet archaïque avatar de Street Fighter II? Pour l'époque, c'était déjà une belle réussite technique sur SNES; davantage, même, que son prédécesseur, pourtant considéré alors comme portage très honorable du jeu d'arcade.

Ensuite, il proposait un nombre impressionnant de... douze personnages différents. Dont deux quasi-clones (même s'il est vrai que Ryu & Ken commencent justement à se distinguer un peu dans cet épisode). Eh oui, mais il s'agissait tout simplement du jeu de baston qui proposait le plus de personnages, à une époque où Fatal Fury 2, par exemple, n'en proposait que huit, plus quatre bosses non jouables (il fallut encore attendre une année pour que Fatal Fury Special & Super Street Fighter II explosent le score avec seize persos chacun, et puis The King of Fighters 94 est sorti, et vous connaissez la suite...).

Mais douze, c'était déjà bien suffisant, compte tenu de leur variété, et même si un trio domine un peu l'ensemble (Guile, Sagat & Vega/M. Bison), il y a quand même largement moyen de réussir à faire quelque chose avec le reste du roster (oui, même Dhalsim).

Ce jeu m'a pompé un nombre impressionnant d'heures, déjà parce que c'était celui qui ressortait le plus souvent dès lors qu'on voulait s'amuser à plusieurs (enfin, dès lors qu'on voulait s'amuser à plusieurs chastement, s'entend), et ce jusqu'à l'époque bénie des consoles 32bits. Et ensuite, parce que, comme il fallait bien se maintenir à niveau pour ne pas avoir l'air trop ridicule devant les potes... bah training, quoi.

Aujourd'hui, et aussi paradoxal que cela puisse paraître, il m'arrive encore de jouer à ce vieux jeu de baston sans fury et au gameplay simpliste; plus souvent sur XBLA que sur SNES, ceci dit. Mais si j'en crois le faible nombre de joueurs croisés sur le Live, j'ai l'impression que nous ne sommes pas très nombreux dans ce cas: beaucoup d'eau a coulé sous les ponts, il faut dire. Mais il est assez évocateur qu'il soit l'une des deux seules versions de Street Fighter II disponibles sur la plateforme de téléchargement de Microsoft...

[Jeux de ma jeunesse] The Legend of Zelda

2011-12-04T12:53:00.000+01:00

Pour être honnête, et autant que je me souvienne, je jouais beaucoup plus sur micro que sur console lorsque j'étais enfant. Et pour cause: la Soundic était dépassée depuis longtemps, et c'était tout ce que je pouvais avoir en alternative au MO6 à l'époque à la maison. Pour jouer à autre chose (Master System, NES, Atari 2600 ou Amiga 500), il me fallait squatter chez les voisins ou les copains. Et aussi paradoxal que cela puisse paraître, la situation n'était pas pour me déplaire. Jusqu'au jour où j'ai essayé Zelda sur NES (tardivement, d'ailleurs; en 1989 ou 1990, je crois). A partir de ce moment, il me FALLAIT une NES.

Que dire sur le premier Zelda que je n'ai pas déjà écrit? Ce jeu a gâché ma vie. Littéralement. Je crois que c'est l'un des jeux auxquels j'ai le plus joué toute ma vie durant. Certes, j'ai passé de nombreuses heures, comme une grande quantité de joueurs de NES, à tenter de finir TMHT (vendu avec la console à l'époque, ce qui explique son succès malgré sa qualité discutable). Et le temps que j'ai passé sur Saphir a pu se compter en dizaines d'heures. Mais rien de comparable avec le temps que j'ai passé sur Zelda, cependant.

Compte tenu des limites techniques imposées par le format, on peut considérer qu'il s'agit d'un des jeux "bac-à-sable" parmi les plus réussis. Bon, bien sûr, on n'est pas dans GTA et il est malheureusement impossible de réaliser de menus larcins tels que piller les magasins avant de flinguer le proprio ou violer la princesse Zelda (un manque sérieux, d'ailleurs).

Mais blague de mauvais goût à part, la sensation de liberté était absolument extraordinaire pour l'époque. Miyamoto voulait retranscrire sur écran l'un de ses passe-temps favoris, en l'occurrence la promenade en forêt hors des sentiers battus; et on peut dire que c'est réussi.

S'il est très facile de finir le jeu en quelques heures, l'explorer dans sa globalité prend pas mal de temps dès lors qye l'on s'amuse à essayer de découvrir les cavernes planquées dans la plupart des tableaux, impliquant la pratique régulière d'activités pédagogiques telles que la pyromanie ou le maniement d'explosifs. Tout ça pour découvrir trois fois que dalle, d'ailleurs (en général des mecs qui vous font raquer pour avoir défoncé leur porte ou qui au contraire flippent tellement qu'ils vous filent un peu de pognon pour que vous cassiez pronto), mais le plaisir de la découverte n'a pas de prix quand on est âgé d'à peine une dizaine d'années.

Alors, bien sûr, par leur conception, les salles des donjons sont particulièrement répétitives, mais le défaut est vite pardonné par le côté "exploratoire" de ces catacombes au plan non-dénué de forte symbolique (mention spéciale au "level 3"). Sans compter que la progression in-game répond à des fantasmes de fantasy classique alors tout à fait dans l'air du temps, même dans le "grand public" (le tournant des années 1980/90 étant également l'époque de HeroQuest ou du Chevalier du Labyrinthe), avec un mélange à difficulté progressive d'énigmes, de magie et de créatures "mythiques". Et princesse en pixels gardée par un cochon bleu humanoïde à la clef.

Bref, Zelda constitue l'un de mes plus beaux souvenirs d'enfance. Il en fallait peu pour séduire le gamin que j'étais et Nintendo m'en a donné bien davantage. De fait, j'y joue encore chaque année (sur GBA, ça passe mieux sur petit écran): même après 25 ans, la magie opère toujours.

[Jeux de ma jeunesse] Saphir

2011-12-03T07:28:00.000+01:00

Toujours en 1986, Infogrames, décidément très actif sur les machines Thomson, éditait, en sus de La Mine aux Diamants, un titre alors passé presque totalement inaperçu: Saphir. Et pourtant, il s'agit certainement du jeu sur micro sur lequel j'ai passé le plus de temps durant mon enfance, davantage, même, que sur La Mine aux Diamants.

Saphir, kesako? Le plot est simple: vous êtes fauché, donc vous vous pointez sur une planète vaguement minière pour vous refaire un minimum. Seul problème, la planète en question est infestée de sales bêtes qu'il vous faudra esquiver ou détruire, tout en vous frayant un chemin à coup de bombes dans un environnement globalement hostile.

Bref, on reste dans le ramassage de cailloux qui brillent, comme pour La Mine aux Diamants. Cependant, niveau gameplay, ça n'a plus rien à voir.

En effet, Saphir se présente sous la forme d'un vague jeu de plateformes en gravité altérée (superbement bien rendue pour l'époque), avec un jetpack (qu'on ne voit d'ailleurs jamais in game) qui vous permet de vous propulser verticalement et horizontalement. Votre avatar (anonyme) est également armé d'un flingue très pratique, puisqu'il se recharge automatiquement au fil du temps, de même que votre ligne de vie et votre réserve de bombes (ceci dit, comme le processus est TRES lent, on passe le plus clair de son temps immobile dans un coin calme en attendant que tout se recharge tranquillement). Ces bombes, outre le fait qu'elles font très mal, sont également indispensables pour ouvrir la route dans certains endroits.

Pour le reste, la progression s'effectue sous la forme d'une suite de tableaux de la taille d'un écran, certains remplis de sales bêtes, d'autres de pièges qui tuent en un coup (ah, au passage, on n'a qu'une seule vie). Progression qui ne s'achève qu'au moment de votre trépas: il n'y a pas de sortie, et le scoring semble être le seul objectif du jeu (la seule chose susceptible de s'apparenter à une fin étant une salle marquée du prénom du créateur du jeu, Erik Szymkowiak).

Vu le nombre d'heures passées dessus, il me semble avoir exploré la totalité du jeu; pas d'une seule traite, bien sûr (certains passages s'obstruant de manière irréparable une fois franchis), mais tout de même. En fait, il s'agit probablement du dernier jeu micro sur lequel j'aie passé autant de temps avant de passer au PC sous Windows 95 (bon, c'est vrai, j'ai aussi un peu touché à Prince of Persia et Battle Chess).

Bref, bien que porteur de très bonnes idées, Saphir est passé presque totalement inaperçu à l'époque (il faut dire qu'il avait des jeux tels que Sapiens comme concurrents) avant d'être totalement oublié. A part de quelques-uns.

[Jeux de ma jeunesse] La Mine aux Diamants

2011-12-02T06:39:00.000+01:00

1986 fut une année de nombreuses calamités: catastrophe de Tchernobyl, victoire de la droite aux législatives entrainant l'arrivée de Jacques Chirac au poste de premier ministre, et surtout naissance de ma petite soeur. Cependant, cette année fut également marquée par quelques bonnes nouvelles, comme la sortie de la NES en France ou de la Master System aux USA.

Ce fut aussi l'année de la sortie du titre qui devait déterminer par la suite le "choix" du micro-ordinateur familial: ce serait un Thomson MO6, histoire de pouvoir jouer à La Mine aux Diamants d'Infogrames.

Pour tous ceux qui n'ont pas connu cette joyeuse époque, imaginez un peu une NeoGeo CD premier modèle. Vous vous souvenez, celle qui vous laissait le temps d'aller faire la grosse commission entre deux parties de RBS. Eh bien, dites-vous que ce n'était rien comparé aux temps de chargement des jeux sur cassette de cette époque. En effet, outre le fait que le support était particulièrement "cheap" (très ressemblant aux cassettes audio), il fallait attendre que la cassette soit entièrement lue et le jeu intégralement chargé pour pouvoir y jouer. Ce qui, en général, se chiffrait en minutes voire dizaines de minutes. Autant dire qu'il fallait être plutôt patient et que le jeu avait intérêt à en valoir la chandelle.

C'était le cas de celui-ci. Clone européen de Boulder Dash, il ne se distinguait guère de son homologue que sur un seul point: ses couleurs beaucoup moins ternes. Pour le reste, pas vraiment de différences.

Le but du jeu est toujours de creuser pour amasser un maximum de diamants, tout en évitant de se faire écraser par le premier rocher venu ou se faire tuer par des espèces de carrés bariolés sensés représenter des monstres. Jusque-là, rien de bien transcendant, et les premiers tableaux sont d'une facilité déconcertante.

Cependant, très vite, le level-design prend des allures labyrinthiques, impliquant une certaine réflexion pour réussir à avancer dans le jeu.

Il arrive d'ailleurs régulièrement que l'on doive déclarer forfait (aka "se suicider") suite à une "erreur de jugement" qui, si elle ne s'avère pas nécessairement mortelle, peut se révéler "bloquante": avoir fait exploser un monstre au mauvais endroit, avoir laissé tomber une pierre de trop, etc.

Le chrono, lui, n'est pas très handicapant et laisse suffisamment de marge pour explorer/réfléchir. Comme pour la plupart des jeux tournant sur Thomson de cette époque, pas de musique, juste des bruitages simples. Un manque, comparé à pas mal de productions sur d'autres formats (je songe notamment aux consoles 8bits), mais qui, étrangement, ne m'avait pas du tout dérangé à l'époque.

La Mine aux Diamants fait partie de ces jeux oubliés des années 1980, comme de nombreux clones. Boulder Dash, son modèle, a connu une meilleure destinée, puisqu'il a encore fait l'objet jusque dans la précédente décennies de suites sur plateformes de téléchargement, sur consoles, PC et smartphones.

[Jeux de ma jeunesse] Pong

2011-12-01T09:42:00.000+01:00

Puisque la fin de l'année approche et que c'est une période de bilans et autres marronniers, je m'étais dit que je pourrais m'y mettre également. Seul problème: lorsqu'une publication, un jeu, ou un anime me paraît intéressant (ou pas), j'essaie d'écrire quelque chose dessus une fois que j'en ai fini avec. De fait, écrire un ou plusieurs bilans de l'année 2011 présente un risque de redites; pas que ça me gêne particulièrement (je vous rappelle qu'on a parlé de Saigado et Chitose, ici; donc côté "répétitions", je m'y connais), mais bon, à part troller, ça ne sert pas à grand-chose.

Du coup, je m'étais dit que, vu le succès du vieux post sur la poignée de jeux de la décennie passée qui m'avaient marqués, je pourrais faire la même chose en remontant un peu plus loin, et essayer de me remémorer les bons moments vidéoludiques passés dans les années 1980/90. Voici donc une petite série de 24 posts sur des vieilleries de ma jeunesse de trentenaire, qui seront probablement peu parlants pour beaucoup mais rappelleront peut-être de bons souvenirs aux petits vieux qui passent dans le coin.

Et pour commencer, autant prendre mon tout premier jeu.

Si beaucoup de joueurs de ma génération ont eu une Atari 2600 pour première console, pour ma part, c'était une Soundic SD 050S, soit une "console Pong" (ou "console de pauvre", si vous préférez). Et, bien que quelques autres jeux fussent disponibles sur la machine, c'est sur ce dernier que j'ai passé le plus d'heures.

Un jeu minimaliste, bien sûr, où une simple barre de pixels fait office de raquette de ping-pong et où la balle n'est matérialisée que par un carré de pixels. On en rirait aujourd'hui, mais pour l'époque, ce n'était vraiment pas mal du tout (même en noir & blanc, puisque la console ne gérait pas la couleur). Et puis, quand on est âgé de moins d'une demi-douzaine d'années, on n'est pas très exigeant.

A vrai dire, c'est le seul jeu de cette machine (que je n'ai plus aujourd'hui) dont je me souvienne vraiment bien. Je me rappelle que d'autres jeux de sports (injouables) étaient également disponibles, ainsi qu'une simulation de course basique, mais rien de précis.

Pong, parce qu'il a été le premier jeu de mon enfance, tient une place particulière dans mes souvenirs. Bien sûr, il est si dépassé que je ne sais pas si j'y rejouerais autrement que par nostalgie aujourd'hui. Toutefois, il m'arrive encore de jouer à un jeu qui se présente ouvertement comme une version "modernisée" de Pong, en l'occurrence BlurBall.

De retour du Toulouse Game Show 2011...

2011-11-28T19:12:00.000+01:00

... avec le sentiment de m'être bien amusé. Peut-être même plus que l'an dernier, ce qui n'est pas peu dire, malgré le fait d'avoir raté la soirée d'ouverture et celle du samedi, et malgré, également, un GROS point noir sur lequel je reviendrai plus loin.

Question affluence, la convention a été plutôt bien lotie, et comme toujours davantage le samedi que le dimanche, avec de nombreux moments où la circulation devenait quasiment impossible dans les allées. Si bien que je me demande si l'espace Diagora n'est pas tout simplement devenu trop petit pour le TGS. Et ce malgré l'ajout d'un chapiteau regroupant diverses activités vidéoludiques et autres, notamment les vastes espaces dédiés à la Nintendo League et à Neo Arcadia, qui, outre de multiples bornes (Aliens - Extermination, F-Zero AX, pas mal de bornes génériques en versus, etc.), avait également ramené un UFO-catcher.

Et comme toujours, on retrouvait dans l'agora les éternels stands de ventes, malheureusement trop peu éloignés de la scène pour qu'on puisse s'y entendre dès lors qu'une activité un peu trop bruyante s'y déroulait. Néanmoins, on pouvait y trouver des marchandises très honorables, impliquant probablement de futurs arrachages de cheveux de banquiers. Pour le mien, notamment (j'ai fini par faire l'acquisition d'un gunpla du MS qui sert d'image de fond à ce blog, entre autres).

Suite au temps perdu l'année dernière et à l'affluence auprès des stands concernés, j'ai renoncé purement et simplement aux dédicaces, même si je pense qu'avec de la patience, c'était jouable. Comme la dernière fois, le staff de Noob (dont la version vidéoludique était présentée plus loin) et le Joueur du Grenier étaient particulièrement sollicités, tout comme Marcus, d'ailleurs.

Cependant, coup de pot, Nicolas Courcier et Mehdi El Kanafi étaient présents sur le stand de Pix'n Love, ce qui fait que l'on pouvait, de manière informelle, se faire dédicacer son exemplaire de Zelda, Chronique d'une saga légendaire.

Un peu plus loin étaient présentés (et jouables) Trine 2 et Wargame - European Escalation (en exclusivité, paraît-il), entre autres, sur lesquels je n'ai malheureusement pas trop trouvé le temps de m'attarder mais qui semblent plutôt prometteurs.

Le retrogaming n'était pas en reste, puisque l'association Silicium avait dressé une jolie petite exposition sur la Neo-Geo, histoire de fêter dignement ses vingt ans. Et proposant, entre autres, de jouer à Windjammers ou The King of Fighters 98.

Un peu plus loin, Absolute Retrogaming proposait également de belles vieilleries parfois un peu obscures (telles que la Laseractive de Pioneer), tout comme la boutique Old School Game aux prix parfois prohibitifs (genre 300€ pour Final Fantasy VI sur GBA; je sais qu'il est rare, mais il y a des limites, tout de même) qui proposait notamment à la vente une XBox Panzer Dragoon Orta.

Niveau cosplay, disons qu'il y a longtemps que je n'y fais plus beaucoup attention, sauf s'il y a beaucoup de jolie chair exposée. Comme les multiples zombies très réussis de Black Catz qui étaient encore de la partie pour cette édition, par exemple (de quel genre de chair pensiez-vous que je parlais?).

Ajoutons que la tendance globale à avoir des cosplays issus d'oeuvres "occidentales" souvent plus réussis que ceux issus d'oeuvres japonisantes s'est encore une fois confirmée, bien qu'il y ait eu quelques jolis fails en comics également. Moins de Star Wars cette année; faire son armure de Stormtrooper soi-même ne doit pas être très facile, et tout le monde n'a pas nécessairement ~~les couilles~~ les moyens de se payer l'ensemble en Master Replicas.

Enfin, passons au sujet qui fâche: la conférence de Suzuki Yû. Je pense pouvoir affirmer qu'il était très attendu, si j'en crois l'ovation qu'il a reçu lors de sa présentation. Mais le reste de la conférence s'est révélé plus que décevant. Pas de son fait, probablement, puisqu'il semble avoir préparé pas mal de choses à montrer sur son travail, lequel n'a été que survolé: la conférence ayant démarré en retard, il a fallu sabrer.

Et de fait, oui, ça a sabré: passage en turbo sur ses travaux des années 1980, réduits à Hang On et Outrun, un peu plus de temps sur Virtua Racer et Virtua Fighting (sic), et puis passage à Shenmue, sans transition (ah si, la transition, c'était que Akira avait servi de modèle à Ryô).

Car, et c'est probablement ce qui est le plus triste dans cette histoire, les fans français présents dans la salle n'étaient là QUE pour Shenmue (plus particulièrement l'hypothétique Shenmue III), et rien d'autre. Je veux bien croire que le jeu soit culte (et il l'est), mais limiter l'oeuvre de Suzuki au titre qui a quasiment mis un terme à sa carrière chez Sega (bide au Japon oblige), c'est un peu comme limiter la carrière de Gunpey Yokoi aux Virtual Boy et Game Boy Color.

De fait, les interventions du public (à peine modérées en amont) ont très (trop) souvent tourné autour de Shenmue, avec une pertinence plus que discutable: affirmer que l'absence de VF dans Shenmue II a contribué à couler la Dreamcast ne relève certainement pas de l'intelligence la plus fine, pas plus que le fait de demander à Suzuki ce qu'il pensait de la traduction en VF de Shenmue II réalisée par des fans (vu qu'il n'est pas francophone, il peut difficilement juger de sa qualité, et vu que c'est Sega et non lui qui est propriétaire de l'oeuvre, il ne pouvait pas non plus juger de la légalité de la chose).

D'autres questions ont d'ailleurs démontré une méconnaissance profonde du monde du jeu vidéo. Non, Hang On n'est pas son premier jeu (et il suffisait de lire le guide fourni à l'entrée du TGS, 3ème page, pour le savoir), aussi la question "pourquoi avoir choisi de faire un jeu de course comme premier jeu" n'était clairement pas pertinente. Non, la création de jeux en Flash n'existait certainement pas dans les années 1980...

Mais bon, au milieu de ces maladresses, on a quand même eu droit à quelques questions pertinentes, grâce auxquelles nous savons à présent que Suzuki garde un meilleur souvenir de la période où il a commencé à travailler en 3D que des autres, que les personnages des stands de Virtua Racing ont servi de prototype à l'élaboration de ceux de Virtua Fighter, qu'il a activement participé aux conversions sur console de ses titres (sachant que reproduire la sensation de vitesse était sa plus grande gageure) et que selon lui, l'avenir se trouve davantage sur les smartphones que sur les consoles (d'où Shenmue City).

Enfin, que les fans de Ryô se rassurent: lorsque s'est posée la question de savoir si les deux Shenmue sortis sur Dreamcast verraient le jour sur les plateformes de téléchargement, il s'est contenté de rire sans répondre, ce qui est toujours mieux qu'une négation.

Bref, malgré cette conférence ratée, je suis reparti ~~le compte en banque vide~~ franchement content de ce TGS cuvée 2011, de ses activités sympathiques (un quiz musical avec une dizaine de thèmes de jeux Sega et même un thème de Mass Effect chez BulleJapon pour finir le dimanche, c'était la fête), de la compagnie de quelques vieillards du jeu vidéo (comme un certain papy qui s'amuse à filmer les fesses des jeunes femmes grimpant les escaliers devant lui et qui se reconnaîtra), et du loot fort intéressant récupéré ici ou là.

Non, je vous vois venir: pas de yaoi. Quoique... Gundam 00, ça compte comme un yaoi?

PS: ce weekend, je serai à Art to Play, à Nantes. Et je vous conseille vivement d'y aller: si c'est bien, vous ne le regretterez pas, et si c'est naze, bah au moins, je serai pas le seul à m'être fait niquer.

Back to Saturn

2011-11-24T13:55:00.000+01:00

Depuis septembre, le XBox Live Arcade s'est vu doter de quelques vieilleries remises au goût du jour. Des vieilleries qui fleurent bon la deuxième moitié des années 90, d'ailleurs, puisque nous avons quand même eu droit à trois titres phares de la Sega Saturn, avec, par ordre d'apparition sur la plateforme à jeux dématérialisés, Radiant Silvergun, Guardian Heroes et Daytona USA.

Radiant Silvergun, c'est LE prédécesseur de Ikaruga, soit certainement le meilleur shoot'em up de sa génération (encore que, ça doit se jouer à peu de choses avec Dodonpachi). Et surtout, il était le premier shoot'em up à scrolling vertical de Treasure (qui jusque-là était surtout connu pour ses jeux de plateforme-action ou ses beat'em all). Autant dire que pour un premier "coup d'essai", c'est une réussite monumentale, au point que le jeu est devenu culte pour bon nombre d'amateurs de la 32bits de Sega, première machine sur laquelle il a été converti après sa sortie en arcade. En fait, c'était même l'unique console de salon à l'accueillir, jusqu'à cette année.

Radiant Silvergun reprend le principe classique sauce "space-opera" de la plupart de ses semblables à l'époque, à savoir le gentil petit vaisseau du futur qui va fritter moult ennemis très méchants. Et sur cet aspect, il se démarque principalement de la concurrence par deux éléments: le chara-design volontairement caricatural "à la Treasure" que l'on retrouve également dans Guardian Heroes, et sa qualité, exceptionnelle, aussi bien en termes esthétiques (vous trouvez les musiques excellentes? C'est normal, elles sont signées Sakimoto, à qui l'on doit également certains thèmes de Tactics Ogre ou de Final Fantasy Tactics) qu'en termes techniques ou en termes de gameplay.

Ce dernier est d'ailleurs franchement intéressant, avec un armement totalement disponible depuis le départ (et qui nécessite d'exploiter le pad dans sa quasi-totalité; sur Saturn, il fallait s'amuser à combiner les boutons, ce qui marche aussi ici, d'ailleurs, mais les raccourcis sont plus pratiques). Cependant, ces armes levelent petit à petit, en fonction de l'utilisation que le joueur en fait. Tout cela avec une difficulté de base assez tendue.

La conversion rend honneur au jeu et ce révèle indispensable pour peu que l'on ne dispose pas de la version Saturn (et qu'on s'intéresse aux shoots, cela va de soi). Petit détail amusant: si on a débloqué un succès de Ikaruga, cela débloque dans Radiant Silvergun un nouveau "mode" dit "Ikaruga", reprenant le système de chains de ce dernier.

Guardian Heroes était sorti sur Saturn une paire d'année avant Radiant Silvergun. Il partage avec ce dernier un chara-design assez particulier (certains diront "moche", d'autres diront simplement "grotesque"), mais c'est à peu près tout. Guardian Heroes est l'un des rares beat'em all de la Saturn à être parvenu jusqu'en Europe et bénéficiait, de fait, d'un intérêt certain de la part de la petite communauté des joueurs occidentaux de la 32bits de Sega.

Certains y verront un successeur spirituel de Golden Axe, d'autre une parodie en bonne et due forme; le jeu mêle en effet ~~les grosses ficelles de la~~ fantasy et humour dans un beat'em all rpgesque (au Japon, Sega le vendait même comme un RPG, ce qu'il n'est pourtant clairement pas), avec du leveling façon Knights of the Round et un script beaucoup plus poussé que la plupart de ses concurrents de l'époque.

Pour le gameplay, Treasure se démarquait encore de la concurrence en proposant un jeu en 2D sur trois plans, sachant que l'on pouvait en changer sur pression de bouton, façon Fatal Fury 3, au contraire des Final Fight ou des Streets of Rage. Le reste est assez classique, mais savamment dosé et fort bien exploité, faisant du jeu un must have. Les environnements, s'ils ne brillent pas particulièrement par leur originalité, sont néanmoins très variés et globalement réussis.

On notera également que le jeu propose de multiples "routes" en fonction des choix effectués, avec une demi-douzaine de fins différentes pour une trentaine de "niveaux". Soit une durée de vie plus qu'honorable, sachant que le mode versus est toujours d'actualité, comme sur Saturn.

Bref, une conversion fort réussi d'un titre qui n'en méritait pas moins (et qui permet de faire oublier le controversé Guardian Heroes Advance).

Le dernier en date est pourtant le plus ancien: Daytona USA était pour ainsi dire le fer de lance (avec Panzer Dragoon et Virtua Fighter) de la Saturn lors de sa première année d'existence. Exploitant la voie ouverte par Virtua Racing, l'AM2 de Sega avait réalisé avec Daytona USA un jeu de bagnole en arcade qui devait rester dans les mémoires. Et pourtant, avec du recul, on en viendrait presque à se demander pourquoi...

Peu de circuits (3), peu de voitures disponibles de base (1, déclinée en automatique ou manuelle)... mais un fun monumental. Certes, le gameplay est assez troublant car très "arcade" et pas toujours facile à prendre en main, mais toute personne ayant tenu un pad de Saturn entre ses mains y retrouvera ses marques sans problèmes. Quant à la réalisation, on est certes passés à la HD, mais le design global n'a absolument pas changé par rapport à celui du milieu des années 90. On retrouve même de temps à autres le clipping de la version arcade.

Alors, bien sûr, il est évident que ceux qui n'ont pas connu cette époque risquent de rester de marbre devant ce jeu si éloigné des standards actuels sous ses apparences minimalistes. Mais les vieillards séniles qui arpentaient les salles d'arcades y retrouveront un jeu optimal, très fun et terriblement addictif. On regrettera juste que cette version HD ne propose pas tous les bonus de la version Saturn (UMA aurait été très fun à jouer), malgré l'existence de petits ajouts amusants par rapport à la version arcade (mode karaoké, challenges, etc.).

Au final, le Daytona USA du XBLA et du PSN est une conversion très fidèle et fort bien dotée de Daytona USA arcade, jusque dans les moindres détails (la machine à sous fonctionne toujours, et on peut encore s'amuser avec la statue de Jeffrey). Dommage que les bonus Saturn aient été oubliés en cours de route, mais pour le prix qui en est demandé (800 points), ce n'est pas si grave. Et puis bon, un jeu de Suzuki Yû, on ne passe pas à côté.

Bref, ces quelques conversions laissent bon espoir d'en voir arriver d'autres, même s'il faut bien entendu se montrer prudent à cet égard, Sega n'étant pas au meilleur de sa forme, en ce moment...
Oh, tiens, pendant que j'y pense: s'il y en a que ça intéresse, Sega Rally Online Arcade est en soldes cette semaine (à 400 points, c'est intéressant).

Toulouse Game Show 2011: piqûre de rappel

2011-11-21T13:33:00.000+01:00

Puisqu'on ne sait jamais trop, autant rappeler quelques évidences: le TGS 2011 commence ce weekend; aussi, si vous ne vous êtes pas encore procurés vos places, magnez-vous le train (ceci dit, vous pouvez aussi faire la queue à l'entrée de la convention pour les acheter sur place, si ça vous amuse).

Le programme de cette année est des plus alléchants, avec comme toujours la délocalisation du game center Neo-Arcadia, une exposition sur la Neogeo (qui a fêté ses vingt ans cette année) par Silicium, des jeux & concours rigolos, des jeux de plateaux & JCC, des rhythm games, des diffusions de courts métrages et, comme pour toute convention geekisante qui se respecte, du karaoké et du cosplay.

Ajoutons à cela des concerts avec, entre autres, les Rois de la Suède et Bernard Minet, ainsi que des invités prestigieux, tels que le Joueur du Grenier, Marcus, le staff de Noob, Philippe Cardona & Florence Torta, Michel Ancel (géniteur de Rayman et Beyond Good & Evil) et surtout Suzuki Yû. Ce dernier étant considéré par les fans de Sega comme une sorte de chaînon manquant entre le messie et la divinité, puisque à l'origine de Virtua Fighter, Virtua Racing, Hang On, Out Run, Space Harrier, After Burner, Shenmue et j'en passe.

Bref, beaucoup de bonnes choses en perspective, que je ne tiens pas à rater.

Tous ceux qui verraient dans ce billet une vaine tentative de faire oublier le précédent auraient parfaitement raison.

Dévore-moi

2011-11-19T19:49:00.000+01:00

Ah, il y avait longtemps qu'un titre de Chitose n'était passé par ici! Je ne sais pas vous, mais moi, ça m'avait beaucoup manqué. Alors, profitons de la sortie récente de Dévore-moi pour corriger le tir.

Comme toujours avec Chitose, l'histoire est d'une complexité déconcertante et la mise-en-scène des plus surprenantes.

Mikoto, une sorte de bishounen-neuneu, se fait kidnapper par des vilains messieurs en noir, avec les lunettes et tout. Et pour son plus grand malheur, il est séquestré sur un bateau en pleine mer. Mais il a beaucoup de chance, en fait: le commanditaire du kidnapping est un ancien copain d'école qui a mal tourné, un certain Fubuki. Quoique, vu que Fubuki est bipolaire, c'est pas sûr qu'il ait de la chance, en fait. Enfin bon, on s'en fout: Fubuki encule Mikoto.

Comme Mikoto a la mémoire courte (ou bien est-ce à cause du fait qu'il est excessivement con, même pour un personnage de yaoi?), il est très heureux que Fubuki lui vienne en aide par la suite alors qu'il allait se faire arnaquer en signant un contrat d'embauche laissant suggérer que certaines parties de son corps pourraient être mises en location. Bref, le gentil Fubuki lui propose de rester squatter chez lui, ce que l'autre neuneu s'empresse d'accepter. Mais tout cela n'est qu'une sombre manigance du sinistre Fubuki pour lui péter la rondelle. Sauf que ça ne marche pas. QUOI??? Ce chapitre s'achève sans que Fubuki n'encule Mikoto? Quel suspens!

Enfin, puisqu'il doit plein de fric à Fubuki, Mikoto accepte de bosser pour lui dans son entreprise, avec le costard et tout. Et du coup, puisqu'il n'a pas été recruté pour récurer les chiottes (ce qui, vu son niveau, tient de l'exploit), il fait la connaissance de plein de gens sympas et ouverts d'esprit. Car il est bien connu que le monde de la finance, c'est le pays de Mickey. Mais devinez quoi... eh bah non, la finance, c'est que des méchants mecs qui veulent péter l'anus de Mikoto! Eh ouais, comme quoi, ce manga est culturel ("avec le moins de -turel possible"), on apprend plein de choses, dedans. Enfin bon, Fubuki accepte de laisser les commandes de son entreprise aux méchants magouilleurs plutôt que de les laisser jouer avec Mikoto. Et du coup, Fubuki encule Mikoto (et récupère sa boîte dans la foulée, ce qui est la procédure normale dans la cession d'entreprises au Japon).

Voilà, c'est terminé pour cette histoire géniale, intéressante et innovante. Mais? Mais diantre! Le manga ne s'arrête pas là! Que vois-je? Une autre histoire pour lui succéder! Quelle chance!

Et pour qu'on ne soit pas trop dépaysé, le personnage principal est Sagaya, assistant de Fubuki et Mikoto. Un certain employé pas cool aux faux airs de branleur (non, de branleuse, plutôt) nommé Haruna lui rentre dedans (non, pas comme ça; enfin, pas encore) et se fait virer. Se sentant vaguement coupable, Sagaya invite Haruna chez lui. Mais puisque Sagaya est encore puceau, il ne sait pas trop comment s'y prendre avec lui. Du coup, Haruna lui fausse compagnie, avant de se faire retrouver par Sagaya. Et alors, vu qu'il en a marre d'être puceau, Sagaya encule Haruna (avec les félicitations de Fubuki et Mikoto, s'il vous plait!).

Eh bien voilà, c'est la fin de ce merveilleux titre. Certes, il reste encore une petite histoire, mais je préfère vous en laisser la surprise...

Quoi qu'il en soit, quand on lit ce pq manga, on ne peut guère que se dire: "vivement le prochain".

Ou pas.

Dragon Age - Redemption

2011-11-16T13:58:00.000+01:00

Décidément, Bioware n'en finit plus de décliner ses franchises phares à toutes les sauces. Prenez Dragon Age, par exemple: après les RPG aux (trop?) nombreux add-on, le jeu sur Facebook, les romans et le comic, voici maintenant la websérie (en attendant le film d'animation), Dragon Age - Redemption, commencée à la sortie de Mark of the Assassin et terminée depuis hier.

Athlok, jeune Elfe qunari et assassin de son état, se voit confier une mission par le Qun de la plus haute importance: retrouver un Saarebas qui, après avoir été capturé par les Templiers, est parvenu à s'échapper. Mais ne souhaite pas pour autant revenir au sein du Qun (comme on le comprend...). La récompense est d'ailleurs des plus alléchantes: si elle réussit sa mission, elle pourra retrouver son nom de "Tallis" et son rang.

L'ennui, c'est qu'elle n'est pas la seule à poursuivre ce Saarebas: Cairn le Templier est déjà sur le coup, et le futur keeper Josmael n'a pas franchement digéré le fait de voir son clan attaqué ledit Saarebas et sa bien-aimée enlevée. Essayez donc de faire cohabiter une qunari, un Templier et un mage "en liberté" (dont le mentor est mort dans une geôle templière), tout en faisant coïncider leurs intérêts, pour voir...

Voilà, vous avez pour ainsi dire tout ce qui sous-tend les six épisodes d'une dizaine de minutes chacun.

Felicia Day, qui campe Tallis, est une habituée des webséries et une fan de Dragon Age. Aussi, Bioware et EA n'ont-ils pas eu vraiment besoin de la convaincre de bosser sur ce projet, a priori sans grande prétention. Peu de budget pour une production "par des fans, pour les fans", ce que l'éditeur s'est empressé de rentabiliser en la liant directement à Mark of the Assassin (bien que l'on puisse suivre l'une comme l'autre histoire indépendamment).

De fait, la websérie fait un peu figure de "teaser" pour le DLC, mais elle se permet de déborder un peu au delà, en développant un peu certains aspects de background relatifs aux qunari et surtout à Tallis, dont il n'est pas exclu qu'elle revienne in-game.

Bien sûr, les contraintes du format "série live" à petit budget impliquent un grand nombre de divergences visuelles et scénaristiques par rapport au jeu. Le côté kitsch, déjà, aussi bien dans les décors que dans certains "chara-design" (les têtes cornues qunari ne sont pas vraiment gâtées dans l'affaire, mais comment auraient-elles pu l'être?). Par contre, il est un point sur lequel la série est fidèle à DAII: la fréquence des combats, qui frise même un peu l'absurde. Certaines mauvaises langues diront même que les épisodes se résument à de longues bastons entrecoupées de blabla.

Pourtant, cette petite série est assez accrocheuse et pas désagréable à suivre du tout. Malgré le côté très "déjà vu" qui en émane, ses personnages sont assez attachants et pas désagréables du tout, à commencer par Tallis elle-même. Mais après tout, jugez par vous-même:

Au final, on a donc une petite production aux ambitions assez restreintes, mais qui tient ses promesses, et c'est assez rare chez Bioware, dernièrement (ouh! Le vilain troll!).

Gundam Unicorn - Episode 4

2011-11-14T21:08:00.000+01:00

S'il va falloir attendre un petit peu pour avoir droit à la version bluray du quatrième épisode de Gundam Unicorn (le 2 décembre prochain, pour être précis), ce dernier est disponible depuis ce weekend sur Zune (il ne l'était pas encore sur le PSN la dernière fois que j'ai vérifié, mais cela ne saurait tarder, si ce n'est pas déjà le cas).

Alors que ce qui restait sur Terre des forces de Zeon (en gros, tout ce qui avait été oublié après la Guerre d'Un An) lance une attaque surprise sur Dakar, histoire de faire diversion, le Garancière parvient tant bien que mal à atterrir dans le désert et à récupérer le Gundam Unicorn, ainsi que son pilote. Lequel a d'ailleurs le moral dans les chaussettes depuis les morts de Daguza et Galboa.

Pendant ce temps, Riddie amène discrètement Mineva à son papounet, qui n'est autre qu'un des membres les plus influents du parlement fédéral. Mais ce dernier lui révèle un secret auquel il ne s'attendait pas et se rend compte que sa famille a plus qu'un peu de sang sur les mains. A la demande de son père, il est intégré à l'équipage du Ra Cailum, toujours commandé par Bright Noa, dont la mission devient rapidement de mettre un terme aux agissements des forces de Zeon et de Neo Zeon.

Car, grâce aux informations du Gundam Unicorn, ces derniers se rapprochent toujours plus de la Boîte de Laplace, et c'est une offensive massive et vengeresse qui se prépare contre les Fédérés.

Si l'on avait pu penser que les épisodes précédents renvoyaient beaucoup aux anciennes séries de Gundam, avec une importante quantité de lieux communs, c'est que l'on avait pas encore vu cet épisode. Parce que là, c'est assez violent.

Rien qu'au niveau visuel, déjà, puisque l'histoire était propre à la mise en place d'un défilé de vieilleries zeonistes. Ce que le scénario transforme en démonstration de machines issues de galeries des ~~horreurs~~ antiquités de la Guerre d'Un An, avec moult MSV telles que les regrettables Juaggu et Zogok, animés pour la première fois (on s'en serait bien passé). Ceci dit, les "nouveaux" modèles ne sont pas nécessairement plus réussis (il faut croire que "MS aquatique" est synonyme de "ridicule", dans le dictionnaire de la Sunrise).

Mais sur le fond, on rencontre également la même volonté de coller au maximum aux scenarii de l'UC les plus classiques. On a donc droit à un passage dans le désert dans lequel les convictions de Banagher sont mises à mal avant qu'il ne se décide à reprendre du service, façon Amuro. Puis, plus tard, à une séquence de combat contre un gros mobile armor et sa pilote newtype complètement submergée par un système qui la fait quasiment tourner maboule. Pilote qui ressemble (physiquement, s'entend), comme par hasard, à un mélange entre Rosamia et Anna-Marie (laquelle était déjà considérée comme un clone raté de Lalah). Et à laquelle Banagher est manifestement un peu attaché, comme par hasard. Sachant que cette séquence se termine pratiquement en duel de mecha-sayajin, on comprend aisément où le scénario veut nous emmener... Vous aurez également facilement deviné quel sort attend la jeune fille en question.

Bref, plus que tout autre, cet épisode s'inscrit dans une tentative de draguer ouvertement les amateurs de l'UC, que ce soit par des clins d'oeil au passé (vieux MS de Zeon, restes d'un Qubiley version Mass Production, ruines léguées par les conflits précédents...) ou par des reprises thématiques (voire scéniques) de passages entiers de Z Gundam (qui n'est pas l'une des séries préférées des gunota pour rien).

Visuellement, malgré le côté résolument vintage du mecha-design (à part bien sûr pour l'Unicorn et le Banshee; peut-être aussi le Shamblo) et du chara-design, on est en revanche beaucoup plus proche des productions récentes de Gundam (notamment Gundam 00) sur le plan technique (avec une animation sans faille). Comme dans les épisodes précédents, en fait.

Quant à la bande son, elle demeure égale à elle-même: absolument excellente. A part le générique de fin, mais bon, c'était aussi plus ou moins le cas des trois premiers épisodes.

Au final, on a avec ce quatrième épisode un épisode un peu en demi-teinte. Pas qu'il soit nécessairement mauvais (loin de là, d'ailleurs), même s'il sent davantage le réchauffé que d'habitude. Pourtant, il laisse la fâcheuse impression que l'histoire s'accélère à une vitesse (trop) fulgurante dès lors que l'on n'est plus "en phase de combat". Et même pendant ceux-ci, certains éléments semblent éludés. De fait, on a parfois l'impression qu'il manque quelque chose au récit, ce qui gâche un peu le visionnage.

Néanmoins, cet épisode 4 n'est pas inintéressant pour autant, et constitue manifestement un épisode charnière, évoquant les causes entrainant les "nouvelles" résolutions de Banagher, Mineva (non non, plus Audrey) et Riddie; ainsi que la nouvelle allégeance de Marida, mais c'est une autre histoire...

Ascend into Darkness

2011-11-12T19:56:00.000+01:00

Bon, j'avoue, j'ai un peu tardé à me procurer l'unique extension (pour l'heure) de Magic the Gathering - Duels of the Planeswalkers 2012, sortie il y a plus d'un mois. Ceci dit, après essai (peu concluant), j'aurais peut-être mieux fait de carrément m'abstenir.

Commençons par LA nouveauté apportée par cette extension: la possibilité d'incarner un archenemy. L'archenemy, comme auparavant, joue seul contre trois adversaires, aidé par des cartes schemes plus ou moins efficaces, selon le moment où elles arrivent dans la partie, à raison d'une par tour, et dont l'effet est, sauf exception, gratuit. Premier regret: il est impossible de gérer son deck de schemes; mais bon, comme on ne gagne aucune nouvelle carte au fil des victoires, ça ne changerait pas grand-chose, de toute façon. Deuxième regret: bonne chance pour trouver des joueurs online. En effet, s'il n'est pas trop difficile pour trouver un archenemy humain sur le XBox Live (merci à l'achievement exigeant de remporter une victoire en archenemy online...), il est déjà beaucoup plus difficile de trouver un "opposant" humain, si bien qu'une grande partie des affrontements en mode Archenemy se jouent en réalité en 1 joueur vs 1 joueur + 2 IA. Pas glop, donc.

Pour ce qui est du off-line, une nouvelle campagne à jouer en tant qu'archenemy a été ajoutée. Et pour être honnête, elle est d'une facilité déconcertante, jusqu'au dernier combat, où l'on doit affronter... 3 Jace. Ce qui fait qu'on pleure un peu quand chacun aligne une Brume krovoise au tour 2, après avoir posé chacun un nounours au tour 1.

Concernant le choix du deck à jouer en archenemy, le joueur a toute latitude, en fonction de ceux déjà débloqués. A titre personnel, j'ai une préférence pour celui de Kiora Atua, dont les schemes multipliant les petites bêtes sont particulièrement utiles, soit pour survivre le temps d'aligner quelques thons, soit pour rentabiliser Polymorphisme de masse (ou même simplement pour fournir de la matière première pour un Polymorphisme tout simple).

Enfin, bien sûr, une nouvelle extension ne serait rien sans nouveaux decks et nouvelles cartes. Les premiers sont au nombre de trois et sont affiliés à Liliana Vess, Ajani Goldmane et un petit nouveau, Ral Zarek (qu'il faudra vaincre dans une campagne aussi courte qu'inintéressante).

Liliana est à l'image de ce qu'elle était dans la première édition du jeu: vicieuse et portée sur la défausse ou la perte de points de vie par des moyens détournés (genre Chevalet de torture ou Rêves du monde souterrain). Bien sûr, il y a eu de petits aménagements, avec le remplacement de Squelettes serviles par Squelette réassemblable, ou de Spectre des abysses par Spectre de Liliana. Pas sûr qu'on y gagne au change, mais il faut bien le reconnaître: dans l'ensemble, le deck tourne plutôt bien.

Ajani se retrouve affublé d'un deck blanc-vert basé sur les "auras", et ce n'est clairement pas une réussite. Déjà, les decks bicolores sont en général assez désavantagés par rapport aux autres du fait de bases de mana catastrophiques (la seule exception étant celui de Kiora). Ensuite, disposer d'auras puissantes ne sert que lorsqu'on a des créatures sur lesquelles les jouer, et sachant cela, il est évident qu'un adversaire un tant soit peu intelligent aura tôt fait de les dégager, puisqu'intrinsèquement pas très résistantes et seulement intéressantes une fois le champ de bataille chargé d'enchantements. Enfin, malgré la présence d'excellentes cartes (Guide griffon ou Destinée angélique), ces dernières sont en nombre très insuffisant et ne permettent pas d'assurer la bonne stabilité du deck.

Ral Zarek s'accompagne d'un deck bleu-rouge aggro-contrôle à base de bounces, de dégâts directs et de créatures volantes ou dotées de la célérité (genre Skizzik ou Boule fulgurante). Sur le papier, on a un jeu plus que correct, et même a priori très bon, compte tenu du choix des cartes: Gelectrode, par exemple, se révèle ainsi excellente dans un environnement où tout ce qui sybarite peut radicalement changer le cours d'une partie, surtout lorsqu'elle est accompagnée de Foudre ou En plein roulis. Sauf que, au final, se pose un problème majeur: la base de mana est tellement merdique qu'on se retrouve généralement avec deux ou trois cartes injouables en main du fait de leur coût en mana coloré. D'autant que là, contrairement à ce que l'on peut trouver en vert, il n'y a rien qui permette de récupérer les terrains nécessaires au bon fonctionnement du jeu.

Du côté des nouvelles cartes disponibles pour les anciens decks, rien de révolutionnaire. Quelques "ajustements" pour les parties à plusieurs (en particulier pour le jeu en tant qu'archenemy), mais rien qui permette de corriger réellement les faiblesses de certains decks. Celui de Nissa Revane est toujours aussi merdique, et ce n'est pas l'ajout d'une seule Championne elfe qui va changer la donne (et puis, faut pas déconner: rajouter deux exemplaires de Brouillard sur seulement quatre nouvelles cartes dans un deck aggro, ça pue un peu le foutage de gueule).

Enfin, l'annonce tonitruante par Wizard of the Coast de l'ajout de cartes issues d'Innistrad se réduit à un pétard mouillé, puisqu'elles passent dans l'ensemble assez inaperçues. Il est d'ailleurs très regrettable qu'aucun des nouveaux decks n'exploite les mécaniques ou nouvelles "logiques tribales" introduites par le nouveau bloc.

Bref, l'extension est relativement chère pour son contenu réel, mais elle se situe en ce sens dans la droite ligne des extensions de l'édition précédente. A ceci près qu'elle ajoute tout de même un nouveau mode de jeu qui, s'il était plus suivi online, se serait révélé des plus intéressants (le fait que les affrontements en archenemy n'entrent pas dans le cadre des parties "avec classement" y est probablement pour beaucoup).

Dynasty Warriors - Gundam

2011-11-09T21:58:00.001+01:00

Histoire de justifier un peu la présence du dessin de fond (et aussi le fait que je me coltine des heures de jeu depuis deux semaines sur le 3ème épisode), petit retour sur une petite vieillerie datant des premières années de la current gen. En général, la sortie d'un jeu estampillé "Gundam" en Europe passe inaperçue à peu près partout, sauf chez les amateurs de la franchise, pour qui une sortie officielle sous nos cieux s'apparente à un acte tenant tantôt du miracle, tantôt de l'anomalie spatio-temporelle. Bref, un événement relativement exceptionnel, surtout comparé à la masse de jeux arborant lesdits mecha qui peuvent paraître au Japon chaque année.

Mêler le gameplay de la série des Dynasty Warriors, soit celui d'un beat'em all 3D où s'affrontent masse d'"unités" parmi lesquelles se trouvent quelques "combattants d'élite", à l'univers de Gundam, l'idée pouvait paraître plutôt saugrenue. Mais bon, après tout, pas plus que de sortir de mauvais jeux de bastons, des Strategic-RPG ou des "JCC d'arcade" à la sauce "Gundam". En fait, on n'a ni plus ni plus ni moins qu'un Dynasty Warriors avec skins Gundam.

Alors, en effet, la fidélité aux scenarii de la licence n'est pas franchement d'actualité. Et même en contradiction avec l'esprit de plusieurs séries, comme Z-Gundam ou plus globalement les séries de l'UC: il s'agit ici de sabrer des ennemis par dizaines ou plus souvent centaines, pour conquérir des champs de bataille et s'assurer la victoire finale. On est donc plus proche de l'esprit d'un G-Gundam ou d'un Gundam W, en fait... sauf que les MS et "pilotes" desdites séries sont représentés au nombre effarant de deux pour chacune, tout le reste venant de l'UC. Mauvaise pioche, Koei.

La partie "histoire" se concentre, elle, exclusivement sur l'UC, faisant revivre les grandes batailles au travers de pilotes illustres, tels que Amuro ou Haman. L'ennui, c'est que le principe même de DW n'est pas franchement ce qu'il y a de plus adapté pour ça, ne serait-ce que par le nombre hallucinant d'unités impliquées. Mais bon, c'est fun, et ça défoule.

La partie "originale", quant à elle, propose une série de campagnes menées par différentes factions et mêlant plusieurs univers dans une espèce de cross-over rigolo, où Milliardo Peacecraft fait équipe avec Puru, où Jerid cherche l'enseignement de Master Asia, et où Scirocco fait du charme à Roux. Avec un plot d'une subtilité rare: une planète sortie de nulle part apparaît à proximité de la Terre, et un grand nombre de pilotes d'élites s'y retrouvent pour se foutre sur la gueule afin de s'emparer des pouvoirs de ladite planète, gardée par le sinistre (et puissant) Musha Gundam.

Voilà voilà. Kevinchirô, 4 ans, a fait du bon boulot, pour le coup.

En réalité, l'intérêt du jeu tient en un seul point: le défouloir. Et uniquement ça. Pour le reste, la réalisation, au mieux acceptable pour l'époque, ne rend pas honneur à la licence (ce qui est d'ailleurs le cas de 90% des jeux basés sur Gundam, et celui-ci est très loin d'être le pire; oui, même parmi ceux qui ont été édités officiellement en Europe). Et le gameplay est assez fouillis, notamment à cause d'une caméra qui s'amuse parfois à se foutre dans des angles impossibles. Ajoutons également un déséquilibre certain entre les MS: les Qubiley constituent ainsi une remarquable solution de facilité (le Turn A n'est pas mal non plus, dans son genre).

Enfin, niveau localisation... eh bien, disons qu'on va rapidement faire un tour dans les options pour supprimer ces voix américaines de merde pour les remplacer par les authentiques voix japonaises (bon point, d'ailleurs). La traduction française n'est en revanche clairement pas du niveau de celle des DVDs de Beez et certains choix prêtent très franchement à sourire ("ce n'est pas Zaku, vieille branche!"); on se demande également pourquoi le traducteur a jugé pertinent de faire se vouvoyer tous les personnages, sachant que Judau, Puru Two ou Kamille, par exemple, ne sont pas réputés pour leur politesse ou leur diplomatie.

Soyons francs: Dynasty Warriors - Gundam était un premier essai, et un essai plus ou moins raté, avec des possibilités pour le moins limités et une réalisation à peine dans les standards de l'époque. Le mode "original", le plus long, est également le plus tiré par les cheveux et le moins fidèle à la licence (sachant, que, de toute façon, vu le principe même du jeu, cela semblait peine perdue).

Aussi, pour aimer ce jeu, il faut être à la fois amateur de jeux à la Dynasty Warriors et fan acharné de Gundam. Ce qui, coup de bol, était mon cas (et j'ai dû passer pas loin de 80h dessus). Mais dans le cas contraire, oubliez. Franchement, oubliez. Surtout si vous êtes soucieux de cohérence.

Bamboo Blade

2011-11-06T19:20:00.002+01:00

Terminé le mois dernier chez Ki-oon, le manga de Masahiro et Aguri s'est révélé plutôt surprenant sur un certain nombre de points. Bamboo Blade constitue en effet, d'une certaine manière, un OVNI dans le paysage des mangas "d'arts martiaux". Car, les arts martiaux, c'est bien à peu près tout ce que Bamboo Blade peut avoir en commun avec un Kenichi...

Ishida Toraji est un prof sans histoires... et c'est justement là son problème: à force de ne s'impliquer dans rien, il finit par se retrouver complètement fauché (bah oui, la vie est chère, pour un prof); aussi, quand un ami/collègue lui propose un pari plutôt juteux impliquant des sushis et leurs équipes féminines de kendo respectives, il fonce tête baissé. Seul problème: vu qu'il s'impliquait autant dans son club que dans le reste, ce dernier a périclité et son équipe féminine se résume à une élève, la très enjouée Kirino. Mais, gros coup de bol, il découvre l'incroyable talent de la petite et timide "Tama", première année de son état et véritable prodige du shinai (ainsi que source encyclopédique d'informations sur les sentai) et qui arrive à point nommé pour remporter ledit pari (cliché habituel des manga sportifs, ça, le coup du club en perte de vitesse et qui se retrouve avec un génie pour le relancer), d'autant que d'autres jeunes filles viennent se joindre au club: "Miya-Miya", la délinquante juvénile qui vient pour faire plaisir à son mec (également débutant kendoka), Saya, aussi dissipée que dynamique et grande amie de Kirino, et plus tardivement "Satorine", aussi douée pour le kendo que mauvaise pour le reste.

Bamboo Blade, c'est donc la jolie petite histoire de ce petit groupe gentiment déjanté, une suite de tranches de vie où ces personnages évoluent au fil d'une partie de leur scolarité (risques de spoils dans la suite).

Car oui, les personnages de Bamboo Blade évoluent. Et plutôt rapidement, si on les compare à la plupart des manga d'arts martiaux ou de sport (puisque, en l'occurrence, le kendo est ici traité comme une simple discipline sportive). Et aucun n'y échappe vraiment, si ce ne sont Kirino et les deux potiches masculines du club (fait d'ailleurs très étonnant pour un manga destiné aux mecs: si l'on excepte Ishida, les mecs sont quantités négligeables dans ce titre).

Ishida (re-)découvre grâce à ses élèves sa passion d'étudiant pour le kendo, qu'il avait "oubliée" en entrant dans la vie active, et découvre par ailleurs sa propre vocation d'enseignant, lui qui n'avait embrassé la carrière de prof que "parce qu'il faut bien vivre, ma bonne dame", par facilité ou par défaut (tiens, ça me rappelle quelqu'un...). En un sens, son investissement personnel dans le club, motivé au départ par des considérations purement intéressées (et alimentaires), provoque le "déclic" qui lui permet de passer de l'adulescence à l'âge adulte proprement dit.

Tama, qui pratique le kendo depuis qu'elle a l'âge de porter un shinai, n'en avait pas véritablement "la passion" avant d'entrer dans le club. D'ailleurs, ce ne sont pas vraiment les compétitions ou les rivalités qui lui permettront de la trouver, mais la franche camaraderie qui règne dans le club et la profonde amitié qui unit ses membres la convainquent de continuer à pratiquer dans le cadre scolaire (alors qu'elle habite elle-même dans un dojo). Il faut dire que Tama a un physique enfantin (pas que le physique, d'ailleurs) associé à une timidité presque maladive et un tempérament taciturne qui font qu'elle n'arrive que rarement à se lier à d'autres personnes. En soi, la pratique du kendo lui permet de se façonner une vie sociale, bien qu'elle peine à y trouver sa voie (laquelle lui apparaîtra vers la fin du manga, mais chut, y a spoiler).

Miya-Miya, qui est l'incarnation de la faux-derchitude, n'acceptait de se soumettre à ce club chiant que parce que son copain (qui ne ressemble d'ailleurs à rien) s'y trouvait. Mais au fil des pages, sa relation au kendo évolue, et pour cause: un sport où l'on peut taper comme une brute son adversaire, quel bonheur! Bref, le kendo devient pour elle un exutoire de ses frustrations, mais également une véritable passion, puisqu'elle découvre sa vocation dans ce sport anti-sexy ou les nanas doivent porter des armures qui puent et doivent pousser des cris ridicules. Et finit même par excepter la discipline nécessaire à la concentration permettant de frapper avec précision la personne qui est en face d'elle.

Saya, elle, est l'exubérance incarnée. Assez douée dans tous les domaines, elle est incapable de se focaliser dans un domaine particulier, elle s'éparpille et ne se tourne vers le kendo que par la force des choses. D'un tempérament fougueux et flamboyant, elle est aussi passablement stressée et assaillie de doutes en permanences, la menant régulièrement à des comportements absurdes et ridicules. Mais elle trouve dans le kendo une discipline pour exprimer sa personnalité atypique et vider une partie de ses frustrations.

Satorine est le stéréotype de la nana douée en sport et nulle dans le reste. Au point qu'elle a de son propre chef choisit d'abandonner le kendo, sport qu'elle adorait, pour se focaliser sur ses études. Sauf que, manque de chance, il ne suffit pas nécessairement de se noyer dans le travail pour faire des progrès, ce qui est précisément son cas. De retour dans le kendo (par intérêt, surtout, même si les "injonctions" de Miya-Miya ont servi de déclencheur), elle retrouve une concentration qui lui faisait défaut, y trouvant un moyen de "reposer son esprit" pour avancer plus sereinement dans les études.

Quant à Kirino, eh bien, elle est celle dont l'évolution est la moins visible, pour peu que l'on puisse considérer qu'elle évolue... disons qu'elle incarne la "constance" et en un sens l'"âme" du club. Insouciante et enthousiaste, elle n'a pas besoin, contrairement aux autres, de trouver une raison pour pratiquer le kendo en club scolaire. Elle s'y trouvait au début de l'histoire et s'y trouve encore à la fin, à la même place. Avec le même tempérament qu'au départ. Mais avec de nouveaux amis, animés de la même passion.

Quant aux élèves masculins du club, comme dit plus haut, ils sont suffisamment inexistants (et inconsistants) pour qu'on ne soucie pas vraiment d'eux... et eux-même en ont d'ailleurs manifestement pleinement conscience, puisqu'ils l'expriment dans le manga. Certes, Yûji, en tant qu'ami d'enfance de Tama, joue un (tout petit) rôle dans la prise de conscience de sa vocation, puisqu'il est certainement la personne qui la connaît le mieux... mais son rôle actif se limite à mettre en valeur Tama, et s'arrête-là (quoique, non, il y a aussi une séquence où il sert plus ou moins à mettre en valeur Miya-Miya).

Manga féministe, Bamboo Blade? On pourrait se le demander, car, dans les faits, les nanas y occupent le premier plan, sans que l'on sombre dans un fan-service graveleux: l'ensemble reste toujours assez gentillet. Alors qu'on est bien ici en présence d'un seinen prépublié dans le même magazine que L'île de Hôzuki et Bitter Virgin. Pas vraiment de pathos non plus, d'ailleurs, bien que l'on apprenne très vite que Tama est orpheline.

Les auteurs semblent avoir souhaité écrire l'histoire légère d'une adolescence assez joyeuse au travers d'un sport traditionnel en perte de vitesse et s'y sont tenus. Le dessin suit le mouvement en proposant des personnages aux mimiques "kawai" voire ridicules au point d'en être caricaturales (Dan), mais il n'est jamais vraiment laid. Parfois quelconque, mais jamais laid.

Le manga s'est donc achevé il y a peu, au terme de 14 volumes, ce qui est un nombre relativement raisonnable quand on le compare aux autres séries sur le sport scolaire. Aussi serait-il dommage de passer à côté, d'autant que la localisation par Ki-oon est, comme toujours, de qualité.

Quant à Bamboo Blade B, le "spin-off" shônen de la série, il n'a, pour l'heure, pas encore été annoncé officiellement chez aucun éditeur de notre beau pays...

Shoot 1 Up

2011-11-02T19:19:00.002+01:00

C'est un fait à présent établi: le marché du jeu indépendant est acteur du monde vidéoludique avec lequel il faut compter. Que l'on songe aux productions d'Arkedo ou de Zeboyd Games, ces "petits" jeux se font peu à peu une place aux côtés des grands: après tout, un Cthulhu Saves the World vaut bien un vieux Final Fantasy 8-bits, toute proportion gardée (oui, bon, ok, sauf la durée; mais au moins, on vous épargne des heures et des heures de pex, vous plaignez pas). Bon, bien sûr, le marché est également inondé de bouses en tous genres, à commencer par la pléthore de puzzle-games pour singes vaguement érotiques (enfin bon, se palucher sur des dessins moches, c'est... disons, conceptuel).

Mais il arrive parfois, de manière assez surprenante, qu'un jeu indé a priori sans prétention sorte du lot. Et c'est le cas de Shoot 1 Up, de Mommy's Best Games.

Comme annoncé par les concepteurs, le jeu s'adresse à tous ceux qui trouvent qu'il est stupide de n'envoyer qu'un ou deux appareils fritter l'armée adverse. Aussi, au lieu de diriger un seul vaisseau, on dirige une petite escadrille, qui gagne des appareils en cours de route en fonction des bonus ramassés. Bref, l'idée, n'est pas "un (ou deux) contre tous", mais "plein contre... euh, bah plein aussi". Seulement, me demanderez-vous, comment diriger une escadrille entière, comportant parfois une quinzaine d'appareils?

En réalité, l'essaim ainsi composé peut sur commande se contracter ou s'étaler, en fonction des situations, les appareils pouvant sans problème se chevaucher. Sachant que, plus les appareils se dispersent, plus ils seront en mesure de générer un tir puissant, au coeur-même de l'escadrille. Mais en contre partie, plus les appareils seront dispersés, plus il sera difficile de gérer l'esquive des tirs ennemis: les appareils bougent en effet tous suivant le même mouvement, comme on pouvait s'en douter.

Détail amusant: à deux, lorsqu'un joueur perd, il bénéficie d'un laps de temps pour piquer un appareil à un coéquipier et en prendre le contrôle pour revenir dans la partie.

Pas une révolution, donc, mais de très bonnes idées de base savamment mises en oeuvre de manière efficace.

Visuellement, le jeu ne paie pas vraiment de mine, sans qu'il soit pour autant laid. Mais on peut, en revanche, lui reprocher vivement la très grande répétitivité des décors de ses stages. Voir se répéter presque à l'infini le même orque crevé sur la Lune (référence à South Park, sans doute) pendant tout un niveau, ça devient assez lassant. Etrangement, c'est un peu moins lassant avec des meufs à poils, allez comprendre...

Côté design, l'ensemble rappelle fortement les productions vidéoludiques à tendance space opera des années 1980/1990, avec leur lot de créatures insectoïdes, monstres médusoïdes, machines gynoïdes érotisantes, etc. Et ce n'est franchement pas désagréable, d'autant plus que les ennemis sont quand même un peu plus variés que les décors.

En revanche, on regrettera que l'armement des vaisseaux soit à ce point limité. En fait, il n'y a rien de plus que "l'effet de nombre" et ses corolaires (tirs latéraux qui apparaissent quand l'escadrille est suffisamment importante et "tir central" dont la puissance dépend à la fois du nombre de vaisseaux et de leur éloignement).

Au final, Shoot 1 Up est un shmup sans grande prétention, mais qui se laisse jouer agréablement. Surtout pour seulement 80MS points.

Mass Effect Incursion, Inquisition & Conviction

2011-10-30T16:43:00.003+01:00

Je pensais avoir à peu près fait le tour de ce qui avait été produit officiellement en cross-média sur Mass Effect (sauf Mass Effect Galaxy, mais je n'ai ni iPhone, ni iPod). Las, j'avais oublié trois petits comics sans prétention: Mass Effect Incursion, Mass Effect Inquisition et Mass Effect Conviction. Et quand je "petit", c'est VRAIMENT petit: huit planches chacun.

Omega, une semaine avant la destruction du Normandy et la "mort" de Shepard. Aria T'Loak est mise au courant d'un trafic d'esclaves mené par les mercenaires Blue Suns. Sur SA station. Et on déconne pas avec Aria. Puisque ses informations sont pour l'instant lacunaires, elle décide de se pointer elle-même avec sa petite milice perso sur les lieux de la transaction. Sauf que la réalité dépasse les rumeurs, et que, bien plus qu'un simple trafic d'esclaves, il s'agit de tractations entre les Blue Suns et les Collectors venus obtenir des spécimens humains...

Alors, ce court comic, qu'apporte-t-il? Tout d'abord, on peut y voir Aria sous un jour relativement nouveau. Dans Redemption ou dans Mass Effect 2, on apprenait qu'elle était brutale et avait dû se salir les mains pour en arriver à sa position à la tête d'Omega. Ici, on apprend qu'elle n'hésite pas à mettre carrément sa vie en jeu lorsqu'elle craint pour SA station. Son intervention personnelle et radicale montre d'ailleurs qu'il s'agit toujours d'une combattante experte, capable de rivaliser avec les meilleurs biotiques puisque capable de pulvériser à elle-seule un Praetorian.

On y découvre également qu'Aria était au courant que les Collectors s'intéressaient de très près aux humains, bien avant que Shepard ne vienne la contacter...

Changement de contexte avec Inquisition: nous voilà sur la Citadelle, en 2186 CE (soit après les événements de Mass Effect 2). Le capitaine Bailey est contacté par Udina pour enquêter sur l'Executor Pallin, anthropophobe notoire: Udina craint en effet qu'il ne soit mêlé à une vaste affaire criminelle impliquant une bonne partie du C-Sec. Cependant, Bailey n'est pas né de la dernière pluie, et il a autant de doutes à propos de l'honnêteté d'Udina qu'il en a à propos de la culpabilité de Pallin.

Là encore, on a affaire à une petite histoire mettant en scène des personnages secondaires relativement importants de Mass Effect et Mass Effect 2, et qui, en soi, n'est pas vraiment intéressante: comment imaginer qu'une histoire d'enquête policière pourrait avoir le temps de se développer en huit pages? Néanmoins, elle annonce un petit changement dans le background pour Mass Effect 3, puisque Bailey monte en grade au terme de l'enquête. On est ravi pour lui.

Quant à Mass Effect Conviction, il introduit le personnage (annoncé comme jouable dans le futur Mass Effect 3) de James Vega, lieutenant de l'Alliance de son état. Retiré sur Omega, il perd son temps aux jeux avec des Batarians, sauf lorsque la TV annonce des nouvelles rigolotes, comme le fait que le gouvernement batarian réclame la tête de Shepard pour ses crimes; auquel cas, il préfère perdre son temps en bastons. Du moins, jusqu'au moment où arrive une grosse ponte de l'Alliance venue lui ordonner de se charger de la surveillance d'un prisonnier "particulier", celui-là même dont les Batarians souhaiteraient se venger.

A l'instar d'Inquisition, le but de Conviction est manifestement d'introduire Mass Effect 3, en apportant de petites informations de background. Le problème, c'est que huit pages, c'est très peu pour introduire un nouveau personnage, surtout quand la moitié d'entre-elles se limitent à de la baston de comptoir. Tout ce que l'on apprend sur Vega, c'est qu'il aime les jeux et se fritter avec des ET, qu'il a manifestement un passé mal assumé ("l'incident de Fehl", dont ne saura finalement rien ici; peut-être dans ME3), et qu'il est soupe-au-lait tendance pro-Shepard, vu sa réaction à une simple info à la TV. Ce qui est peu.

Trois mini-comics sans grande envergure, ni grande prétention, qui complètent un peu le background de la franchise, sans pour autant lui apporter d'élément fondamental. L'avantage d'Incursion et d'Inquisition sur Conviction, c'est qu'ils présentent des personnages déjà connus car rencontrés in-game et dont on sait déjà pas mal de choses (pas besoin de lire Inquisition pour savoir qu'Udina est une ordure et Pallin un connard, par exemple).

Mais dans les trois cas de figure, il s'agit de lectures dispensables, à moins d'être vraiment fan de ME.

A noter: les trois comics ont été réalisés par le même staff, exception faite d'Inquisition pour lequel le dessin est signé Diaz et non Francisco comme pour les deux autres (mais quel que soit l'artiste, le dessin est de qualité).

50 000 visites... pas mal.

2011-10-27T16:55:00.002+02:00

Ce qui devait arriver arriva: ce blog de merde a été visité 50 000 fois depuis sa création. Je ne sais pas trop si je dois m'en réjouir ou m'en inquiéter, compte tenu de la qualité dudit blog de la lose. Mais comment a-t-on pu en arriver là?

D'abord avec des articles de qualitay (si si) sur... Yosuga no Sora! Eh oui, il arrive troisième au top des pages les plus visitées ici, suivi de près par le billet sur Megami l'Hotaku. Sachant que celui sur Les Vacances de Miko n'est pas mal classé également, je crois que je cerne un peu mieux ce qui attire les gens dans le coin... Je suis intimement persuadé que les deux premiers billets arrivent paradoxalement en tête pour le même genre de raison, en plus. Je n'aurais peut-être pas dû mettre d'image de Miranda, tout bien considéré... Détail amusant: il suffit parfois de mettre une image en rule 34 pour attirer plein de monde vers des articles de "news", même périmés depuis plusieurs mois, et les voir arriver dans le top 10.

Bon, ok, "Hegel-chan a des gros seins" ne compte pas. Je constate également que mes articles estampillés "yaoi/Chitose" intéressent pas mal (trop) de monde... Le "succès" d'une petite poignée d'articles vaguement sérieux sur Mass Effect (sans image de Miranda), Magic the Gathering - Duels of the Planeswalkers 2012 sur Xbox 360, Wolf's Rain et Gundam Unicorn viennent heureusement sauver le peu d'honneur qu'il reste à ce blog et démontrer qu'il n'y a pas que des pervers qui passent ici... quoique, ce n'est pas incompatible, en fait.

Mais d'où viennent donc ces hordes d'obsédés sexuels assoiffés de rule 34, de hentai et de yaoi (lorsqu'il ne s'agit pas de recherches sur Google, Yahoo ou Bing, s'entend)? Je vous le donne en mille. Principale source: Aggregator Sama; suivi de près par Nanami. Hum. C'est bien, les agrégateurs, en fait (pour Aggregamers, je n'y suis pas depuis assez longtemps pour que son "poids" soit très visible dans le nombre de visites).

Pour le reste des URL ayant envoyé un certain nombre de visiteurs dans le coin, on retrouve le blog d'Exelen (qui a priori n'a pourtant linké qu'un seul billet), celui de Sirius (qui semble pourtant avoir très peur des yaoi pourris) et, étrangement, celui de Mikaya (ce qui m'étonne un peu compte-tenu de la localisation dudit blog). On retrouve également le forum de Cosmic Era (merci de passer dans le coin, les copains) et celui de Gamekult (celui-ci, pour "Hegel-chan a des gros seins", comme par hasard...), dans une moindre mesure.

Le plus drôle, ce sont les mots-clefs de recherche tapés dans divers moteurs mais pas si "divers" que ça. Jugez plutôt:

"Peut-on jouer les capacités d'un planeswalker pendant le tour de l'adversaire?"

Non, et pour les questions sur Magic, c'est par là.

"Koki et Shinobu sont dans un bateau"

Je t'ai reconnu, Mikaya.

"himeko grosse niaise kannazuki no miko"

Nous sommes donc d'accord.

"ryu kof xiii"

WHAT???

"bullejapon plagiat"

Etrange, je ne me rappelle pas avoir parlé de cette histoire...

"blog de vidéos de manga de garçons"

Plaît-il?

"dark crimson exisste il en oav"

Pas à ma connaissance, non.

"oghren gay"

Pas à ma connaissance, non plus.

"miranda lawson anal"

"miranda mass effect porno"

"liara prothean hentai"

Si vos recherches vous ont conduits en des lieux plus intéressants que ce blog, je vous serais extrêmement reconnaissant de bien vouloir partager les liens (bah quoi?).

Voilà, ça c'était le plus soft. Pour le reste:

"oniichan hentai hard"

"bondage hantaï"

"hentai sm"

"mangas pornos"

"megami l'otaku doujin fr"

"tentacules hentai"

"hentai geek manga"

"sodomie sado maso"

"chiennasse"

"hentai bien profond dans le cul"

"sasha athena doujinshi hentai"

"anime hentai avec seins gigantesques"

"ma soeur me branle en cachette"

"sodomie hentai"

"manga violer frere adoptif"

"nain sadomaso"

"enculee anonymement"

"casser dents avec bite"

Je note au passage que la langue française ne s'est jamais aussi bien portée (et je n'en suis que plus content d'avoir cessé d'enseigner le français).

Utopiales 2011 en approche...

2011-10-25T22:28:00.002+02:00

Puisque le programme complet est tombé il y a peu (sous réserve de modifications, comme d'habitude: il ne faudra pas vous étonner si un auteur dont vous convoitez la dédicace est absent pour cause de SNCF), lançons un petit rappel utile (?): amis du Grand Ouest (ou de plus loin), les Utopiales 2011 se tiendront du 9 au 13 novembre prochains.

Au programme, comme toujours, beaucoup de choses et des invités de renom: Alejandro Jodorowsky (La caste des Metabarons), David Lloyd (V for Vendetta), Eric Chahi (le meilleur représentant de la french-touch dans le jeu vidéo, notamment avec Another World), Norman Spinrad (LE grand maître des uchronies, comme Le rêve de fer et Le printemps russe) ou encore Glen Cook (La Compagnie noire), pour ne citer que les plus célèbres. Au niveau des projections, il y a aussi du lourd (et du nanard), comme Endhiran de Shankar (si si, je suis sûr que vous en avez déjà entendu parler), Iron Sky (si si, ça aussi, vous en avez entendu parler), Gandahar, Un jour sans fin, Le Seigneur des Anneaux de Bakshi, One Piece - Strong World ou les deux films de Gantz.

Comme à son habitude, la "(demi-)journée Manga-TAN" est prévue pour le dimanche, à partir de 11h30, avec les diffusions, successivement, de One Piece - L'aventure de l'horloge, de Space Battleship Yamato et du regrettable Eureka Seven - Pocket ga Niji de Ippai (pour lequel Univers Partagés a failé en donnant un résumé de la série en lieu et place de celui du film, un gaiden assez merdique et incohérent). Une conférence sur la SF dans le manga est également annoncée, ainsi que l'habituel concours de cosplay. Par contre, on constatera que, malgré quelques efforts cette année, c'est toujours un peu la dèche niveau jeux vidéo...

Pour ma part, je n'y serai pas, mais je suis certain que Mikaya et Mina en feront un compte-rendu en bonne et due forme.

xxx-Holic

2011-10-24T15:16:00.000+02:00

Achevé au bout de huit ans de publication et 19 volumes, xxx-Holic a constitué pendant un long moment le pendant "ésotérique" de Tsubasa - RESERvoir CHRoNiCLE. L'un étant tout de même meilleur que l'autre et les "cross" arrivant franchement comme un cheveu sur la soupe inutile et cassant le "rythme" (pour peu qu'on puisse considérer que les manga de Clamp ont un rythme).

Watanuki n'a pas de bol dans sa vie de lycéen de merde, puisque des "forces occultes" ne cessent de s'en prendre à lui (enfin, c'est pas non plus super dramatique: ça prend la forme de saloperies sombres qui se collent à lui en permanence); ce qui est d'autant plus énervant qu'il est apparemment le seul à les percevoir. Ayant donc un don pour tout ce qui peut toucher aux joyeusetés ésotériques, il se retrouve "accidentellement" dans une boutique tenue par la mystérieuse Yûko, la fameuse sorcières des dimensions de Tsubasa.

Cette dernière exhausse les voeux de ceux qui sont prêts à en payer le prix. Et pour le débarrasser de ses "démons", le prix pour Watanuki est de bosser dans la boutique, avec accessoirement le devoir d'accompagner Yûko dans ses déplacements et fantaisies diverses. Sachant que Yûko à un certain penchant pour l'alcoolisme et que son "ami" Dômeki, qu'il ne peut pas encadrer, est généralement de la partie en tant que repoussoir à surnaturel.

Bref, xxx-Holic nous conte les aventures et tranches de vie de cette joyeuse bande, sur une looooooongue durée.

Avec un plot de départ intéressant sur le papier, on se dit qu'on pourrait avoir un manga sur le surnaturel de haute-volée, mêlant habilement humour et séquences dramatiques à tendance horrifique... et puis on se souvient que c'est Clamp qui est aux commandes, et les attentes se font alors beaucoup plus modestes. A juste titre, même s'il s'agit indéniablement de l'un des meilleurs titres du studio.

Les personnages, déjà, sont cantonnés à leurs rôles, frisant parfois la caricature: Dômeki en tsundere protecteur, Yûko en vieille peau bonne-vivante mais moralisatrice quand-même (avec une tête de jeune, parce que c'est plus glamour) et les persos secondaires... en potiches vaguement utiles dans un ou deux cas ponctuels. Seul Watanuki connaît une certaine évolution, passant d'ado survolté à adulte calme et posé (mais même alors, il n'a pas autant d'assurance de Yûko).

Quant aux historiettes, elles se suivent et répètent inlassablement les mêmes schémas, et les mêmes rengaines: un problème posé par un client (humain ou non), une solution proposée par Yûko et/ou Watanuki, et le client de voir son problème résolu (parfois violemment, s'il a mal suivi les indications des tenanciers de la boutique). Et toujours la même rengaine finale: "ah là là, les gens ne croient plus en les traditions, c'est très mal et très vilain; la société moderne et la technologie, c'est tellement nul comparé aux esprits". Soit à peu près ce qu'on pouvait déjà trouver dans Tokyo Babylon, il y a 20 ans (comme quoi, Clamp sait se renouveler...).

Puisqu'on parle de Tokyo Babylon, outre les aspects thématiques, il est un autre point que xxx-Holic partage avec le vieux shôjo de Clamp: l'épurement des cases du manga, très austères, au point d'en être parfois vides. Certes, on trouve dans xxx-Holic un certain nombre de décors (d'ailleurs parfois assez travaillés), mais la majorité des nombreuses séquences mystiques se déroule sur des fonds noirs ou blancs, ou des trames rayées, sans fioritures autres que les éléments "spirituels" (en général représentés sous formes de volutes).

En revanche, les accessoires et tenues vestimentaires de Yûko ont bénéficié d'un soin graphique particulier. Ces dernières, exubérantes, semblent avoir été conçues dans l'optique de "coller" avec une certaine esthétique japonaise traditionnelle, parfois sinisante ou orientalisante. Dans certains cas, en revanche (notamment dans les cross avec Tsubasa), Yûko revêt des tenues dignes d'un défilé raté de la Fashion Week, ce qui est non seulement d'un goût douteux mais brise un peu l'ambiance.

La plupart des autres personnages ne bénéficient pas d'un même traitement, de par leur statut dans l'histoire, exception (notable) faite de plusieurs créatures vaguement féminines qui rivalisent en la matière avec la sorcière des dimensions, frisant parfois la caricature (comme la petite fée des eaux qui ressemble à une goth-loli).

En fait, tout semble mis graphiquement en oeuvre pour que les créatures du monde des esprits apparaissent plus belles et élégantes que les êtres bassement humains (sauf, parfois, s'ils sont dotés de quelque pouvoir occulte). Et en un sens, la pauvreté des décors "spirituels" rehausse cette mise-en-valeur.

L'esthétique, donc, est le gros point fort de ce manga. Et sa narration, son gros point faible, malgré une histoire très intéressante à la base (et en un sens plutôt atypique). En effet, la narration du titre, répétitive au possible, laisse parfois l'impression que le studio s'est trouvé des idées en cours de route, les met en place... puis les oublie et laisse un certain nombre de questions en suspens.

Sans spoiler, disons que la fin est plutôt ouverte, et expédiée comme si Clamp avait souhaité y mettre un terme rapidement. Le dernier chapitre (peut-être l'un des meilleurs du manga, d'ailleurs) marque une rupture temporelle importante, mais rend aussi quelque peu inutiles une bonne part de ceux qui ont précédé. De fait, on est en droit de se demander pourquoi Clamp a à ce point délayé la sauce pour servir en 19 volumes ce qui, avec un mangaka plus talentueux, ne prendrait qu'une demi-douzaine de volumes, sans les phases d'humour pas drôle (Mokona est très certainement le personnage le plus énervant jamais créé par Clamp) et en éludant une bonne partie des historiettes qui au fond n'apportent rien de particulier au récit.

Quant à la traduction de Pika... je ne comprends toujours pas pourquoi on a droit à des -san et des -kun, ou à des expressions pourtant parfaitement traduisibles laissées en japonais sans explication; à part laisser l'impression que la traduction a été effectuée par un fansubber, cela n'apporte strictement rien.

Le Coffre aux Esprits

2011-10-21T17:19:00.000+02:00

Je ne suis pas un gros amateur de manga policier. Seulement, je suis un fan de Shimizu. Aussi, quand Soleil a édité Le coffre aux esprits, j'ai acheté avant même d'essayer vaguement de me renseigner sur son contenu. Et en un sens tant mieux, puisque le résumé laconique rédigé par l'éditeur ne lui rend pas vraiment honneur.

En cette fin des années 1940, le Japon panse ses plaies et travaille à sa reconstruction, tandis qu'une nouvelle génération se prépare à mener une vie pacifique. Yoriko et Kanako sont deux jeunes filles de quatorze ans, dont les destinées se croisent et se lient... jusqu'à une série d'événements entrainant la disparition de Kanako, puis celle de Yoriko. L'inspecteur Kiba, chargé de l'enquête, ne sait pas vraiment à quoi s'en tenir et peine à avancer. Fort heureusement pour lui, il n'est pas le seul à s'intéresser à cette histoire: c'est également le cas d'un prêtre aussi sinistre que charismatique, Kyôgokudo, et d'un écrivain raté mélancolique, Sekiguchi. Entre autres, car cette affaire semble attirer l'attention de pas mal de monde.

Pour éviter de spoiler, disons que la suite du récit implique un bonze corrompu (Terada), un ancien médecin de guerre impliqué dans des recherches peu recommandables (Mimasaka) et un écrivain auteur d'un roman sobrement intitulé "La fille de la boîte" (Kubo).

Le manga se veut, a priori, cérébral. Peu d'action, beaucoup de réflexion, et surtout un tel fouillis narratif que le lecteur peut se perdre très facilement dans les méandres de cette histoire quelque peu alambiquée. Un effet voulu? Probablement.

Le scénariste, Kyogoku Natsuhiko, est un habitué des histoires de yôkai, aussi son récit oscille-t-il constamment entre réalisme et fantastique, sauf à la fin, où l'une des deux tendances l'emporte sur l'autre. Ce qui complique encore un peu la compréhension de l'histoire.

Complication à laquelle la multiplication des personnages contribue également, d'autant qu'elle offre l'avantage d'offrir de nombreux points de vue et des éléments supplémentaires pour le développement de l'intrigue: bien évidemment, chaque personnage introduit dans ce récit ou peu s'en faut se retrouvera impliquer dans cette sinistre histoire, s'il ne l'est pas déjà.

Les personnages principaux, justement, bien que plutôt stéréotypé à la base, sont dotés de personnalités diverses et complémentaires dont la collaboration permet de résoudre cette enquête. Sekiguchi, le narrateur, est profondément déprimé et hésitant, mais très réfléchi, ce qui ne lui permet pourtant pas d'arriver à comprendre les éléments dans leur ensemble. Kiba, même s'il s'agit d'une véritable montagne de muscles, fort et volontaire, n'est pas pour autant dépourvu d'intelligence; mais, sentimental, il en oublie parfois de se concentrer les faits les plus importants et de laisser passer un indice fondamental. Kyôgokudo, austère et minutieux, est certainement le personnage le plus réussi et le plus important du récit, et également l'un des plus détestables, par sa droiture, son charisme et son dirigisme: son intelligence réside dans sa capacité à raisonner froidement et appréhender les faits qui lui sont rapportés pour en retirer les informations essentielles. De fait, il est celui qui, officieusement, dirige l'enquête pour aider Kiba. Parmi ceux qui accepteront de lui prêter main forte, citons également le détective Enokizu, chargé de retrouver Kanako, à la nonchalance apparente, mais néanmoins d'une remarquable efficacité.

Kubo est un personnage inquiétant et insaisissable, mais obsessionnel et instable, en dépit d'un certain calme apparent. Quant à Mimasaka... disons qu'il constitue la colonne vertébrale du dernier acte et se positionne comme un antagoniste à tout point de vue de Kyôgokudo: le scientifique contre le spirituel. Du moins, a priori.

Kyôgokudo nous montre très rapidement qu'il a une conception assez personnelle de sa propre religion, avec des raisonnements et réflexions renvoyant quasiment à la psychologie collective, voire à la psychiatrie. La question des "esprits", en filigrane dans la totalité du récit, trouve avec lui une réponse assez pragmatique, sans qu'elle soit pour autant nécessairement désacralisatrice.

La grande question étant surtout ici celle de la nature de l'être humain et de son rapport au corps, les travaux de Mimasaka sonnent comme une sorte de vision extrémiste d'une certaine conception de l'humanité, quand Kyôgokudo présente quant à lui une vision plus mesurée, conservatrice, mais pas réellement hostile au progrès scientifique (en témoignent ses grandes connaissances médicales) et très loin des bondieuseries superstitieuses que lui prête Mimasaka.

En un sens Mimasaka est l'incarnation d'un Japon militariste cynique et révolu, en même temps qu'une métaphore de la "science aveugle", quand Kyôgokudo incarne quand à lui la transition de la tradition (en l'occurrence religieuse) vers la modernité de l'après-guerre, un humanisme austère et teinté d'autoritarisme.

Et le trait de Shimizu, dans tout ça? Il met plutôt bien en valeur la dimension "glauque" du récit, flirtant de temps à autres avec le registre graphique horrifique. Il met également en valeur la personnalité des différents personnages, donnant un air particulièrement inquiétant à Mimasaka comme à Kyôgokudo, qui sont à n'en point douter les deux personnalités fortes du manga. Toutefois, n'ayant pas lu le roman original, je me vois mal déterminer s'il s'agit d'une adaptation fidèle ou non.

Quoi qu'il en soit, ce seinen est d'une complexité rare, parfois (souvent, même) difficile à suivre, et tirant de temps à autres sur des cordes éculées, mais suffisamment subtilement pour qu'on ne voit pas la chose arriver avant qu'elle n'ait lieu.

Le titre gagne à être connu dès lors que l'on apprécie les manga qui invitent à se triturer les méninges, et ses petits défauts (comme l'utilisation de termes a priori anachroniques, peut-être liée à la traduction) sont vite oubliés.

Vanquiche

2011-10-19T22:04:00.000+02:00

A la base, je voulais écrire un petit truc sur Le coffre aux esprits, qui vient tout juste de se terminer. L'ennui, c'est que j'ai fini Vanquish entre-temps. Et ça n'a pas duré longtemps.

Une arme en orbite a littéralement vaporisé San-Francisco (encore un fan de Gundam Seed qui passait par-là). L'attaque, revendiquée par le nouveau gouvernement soviétique qui vient de reprendre le pouvoir en Russie (grâce à une petite aide extérieure, mais chut, c'est une ficelle trop grosse pour être révélée avant le milieu du jeu), ne saurait rester impunie. Aussi, Hillary Clinton décide-t-elle d'envoyer toute la flotte spatiale US pour savater les méchants en orbite, dont l'arme est planquée dans une colonie "O'Neill" (tiens, ça me rappelle quelque chose). Mais la DARPA, agence de développement d'armement, tient à être de la partie, puisqu'un de ses éminents scientifiques, le professeur Candide, a été capturé et est retenu sur la colonie en question.

Sam Gideon, "pilote d'essai" du tout dernier prototype d'armure de la DARPA, l'ARS, est donc expédié sur place en compagnie des vaillants Marines du Lieutenant-Colonel Burns. Maintenant, puisqu'il faut éclater du droïde de combat, que la fête commence...

Bon, première chose: le gameplay est excellent. Vraiment. Dynamique, survolté, extrêmement bien foutu, avec un nombre d'armes différentes loin d'être ridicule, upgradables qui plus est. L'ARS dispose de capacités fort intéressantes en termes de mobilité, mises en valeur par le mode "RS", soit un bullet time fort correctement fichu. Le level-design, en plus, est très bien conçu, et même plutôt varié visuellement parlant. D'autant que l'IA des ennemis l'exploite plutôt bien. Ceux-ci sont d'ailleurs plutôt réussi. Certes, on ressent tout de même une certaine inspiration cinématographique et télévisuelle sur certains appareils (qui semblent tout droit tirés du dernier Terminator en date, des films de Transformers ou de séries japonaises à mecha), mais il n'empêche que l'ensemble est tout de même varié, allant du gros brontosaure mécanique au petit androïde hyper-speed, en passant par le "robot-barricade" et la "chimère" mécanique.

Voilà, on a fait le tour des trucs bien du jeu, passons au reste.

Déjà, le "héros", Sam, est un gros rebelle. Mais alors un gros méga-rebelle qui déchire grave sa race. Jugez plutôt: il est mal rasé, fume des clopes et lâche des jurons de temps à autre. Trop un rebelle, vous dis-je. En plus, son jeu d'acteur virtuel est tout-à-fait digne de celui d'un acteur de drama japonais; c'est vous dire le niveau de professionnalisme! Quant aux autres persos... hum. Elena, on aurait (sans problème) pu s'en passer (elle est de toute façon aussi crédible que n'importe quelle idol à la con). Burns, c'est un archétype de mastodonte badass américain au grand coeur, donc un gros con; un gros stéréotype, oui, mais clairement plus sympa que Sam Gideon, tout bien considéré. En plus, au bout d'un moment, il fait un cosplay (ah, pardon, on dit "costumade", maintenant) de RX78-GP02A, donc c'est peut-être un mec bien, quand même. Quant au grand méchant, il est très méchant. Mais alors vraiment très méchant. Et vraisemblablement chanteur de visual-rock. Et chauve, aussi.

On é dé zaméricains! Ouéééééé!

Disons que tout ce qui tient du scénario est bon pour la poubelle. Il ne suffit pas d'être amateur de Gundam et de Voltaire pour écrire de bonnes histoires, mais si en plus on se permet de faire jouer les personnages comme les plus grosses caricatures en la matière...

Fort heureusement, malgré les (trop) nombreuses cinématiques qui étoffent le jeu, on n'a pas droit très longtemps à ces simagrées. Et pour cause: la durée de vie du jeu solo est courte à un point que c'en est limite abusé (premier rush, en jouant comme une merde: un peu plus d'une demi-douzaines d'heures; et aucune envie de remettre le couvert!).

Vous me direz que, s'il est vrai que les campagnes solo dans un TPS ont leur importance (déjà pour planter le décor), ils déploient souvent une bonne partie de leur potentiel en multijoueur. Ce à quoi je vous répondrai: "QUEL MULTI, PUTAIN?!" (oui, je suis un peu grossier, parfois). Non seulement la campagne se torche à une vitesse folle, mais il n'y a AUCUN mode deux joueurs, pas plus coop' que versus!

Ce qui fait qu'une fois lassé du scénario, il ne reste plus comme solution... que de laisser tomber le jeu et passer à autre chose.

Vanquish, je l'ai payé 10€ neuf sous blister, et je regretterais presque mon achat. Quoique, non, faut pas déconner: pour ce prix-là, Bioware/EA nous refile des DLC pour Dragon Age II qui se bouclent en encore moins de temps. Mais je n'oublie pas, aussi, qu'à une période, il était vendu plein pot, et plein de promesses (non tenues).

Bref, Sega semble se foutre un peu de la gueule des joueurs en leur refourguant un jeu bourré d'énormes qualités en termes de gameplay, mais foirant littéralement tout le reste, lui octroyant de fait une durée de vie absolument dérisoire. Quand je pense que certains trouvent encore le moyen d'affirmer que Sega est meilleur depuis que la Dreamcast est morte, j'avoue que ça me sidère. Surtout en voyant des trucs comme ça.

Scott Pilgrim, ou l'éloge de la geekultur

2011-10-16T18:31:00.003+02:00

Scott Pilgrim, c'est un peu devenu une institution, une franchise mémorable au-delà d'un simple "comic". Aussi, il ne faut pas s'étonner de me voir en parler ici (d'autant que je viens de me relire le comic)... et pour une fois, je vais me montrer moins trolleur qu'élogieux, parce que les oeuvres estampillées "Scott Pilgrim" le valent bien, qu'il s'agisse du comic d'origine, du jeu ou du film.

Scott Pilgrim, héros (ou anti-héros?) tirant son nom d'une chanson de Plumtree, est pour ainsi dire une incarnation encrée sur papier de geek né dans les années 1980/1990, sans côté "no-life" et même avec un côté plutôt "in" (les mecs qui jouent dans un groupe sont toujours "in"; si si), même s'il reste un gros loser: pas de boulot, pas de logement, etc. Mais une nana. Ou plutôt des nanas, et c'est bien ce qui pose problème: sur ce fond d'atmosphère geek et musicale indé/garage, Bryan Lee O'Malley brode une petite histoire d'amour caricaturale dans tous les sens du terme.

Et c'est justement parce qu'elle est caricaturale qu'on la suit avec plaisir. Pour ceux qui n'auraient encore jamais lu ou vu un truc avec marqué "Scott Pilgrim" dessus: Scott sort avec une lycéenne chinoise en uniforme, Knives Chau, mais flashe sur Ramona Flowers, la fille qui hante littéralement ses rêves (s'il n'avait pas une warpzone dans sa tête, aussi, lui...), mais qui a sept ex collants qui ne lui lâchent pas les basques. Et que Scott va affronter à la baston, façon beat'em up. On notera tout de même que Scott a également des ex avec lesquelles les relations sont parfois un peu tendues et que Ramona n'a pas le monopole des emmerdes dans ce domaine.

Bref, une histoire "bateau" construite sur un scénario geek, qui change totalement la donne: on est bien loin des merdes sentimentales habituelles que l'on peut trouver avec ce genre de plot.

Le comic de Scott Pilgrim donne par conséquent lieu à des éléments de tranche de vie flirtant avec le grand n'importe quoi, toujours sauce geek, de la warpzone utilisée par les livreurs d'Amazon.ca aux ennemis vaincus se transformant en monnaie sonnante et trébuchante, en passant par les mechas fabriqués par les méchants ex japonais de Ramona et diverses autres allusions disséminées ici ou là sur les jeux ("The Clash At Demonhead" comme le jeu éponyme, "G-Man" comme dans Half Life, le "Chaos Theatre" comme dans Mother 2, etc.), comics (le "X" sur le blouson de Scott), anime, musicos et j'en passe.

Pourtant, Scott Pilgrim ne se limite pas à une suite de fan-service pour ados attardés vieillissants et propose un déroulement pas du tout dénué d'intelligence, même si, évidemment, ce n'est pas là-dedans qu'il faut chercher LA réponse à la question de la vie, de l'univers et du reste. On y trouve, du moins, sous forme de diverses métaphores geekisantes, de petits constats sympathiques sur les relations sentimentales. Ne serait-ce que le fait d'affronter symboliquement (et dans le cas présent physiquement) les ex de sa nana, qui constitue la ligne directrice de l'histoire.

Enfin, c'est surtout un énorme message d'espoir pour tous les geeks puceaux de la planète: on peut être un gros loser qui ne sait pas franchement s'y prendre avec les nanas (apparemment, toutes les ex de Scott lui en veulent) et SDF au point d'en être réduit à squatter le lit d'un pote gay, on peut quand même finir par trouver LA fille.

Bon, évidemment, le scénario, bien qu'extrêmement séduisant pour tout geek qui se respecte, n'est pas sans maladresses (certaines sont corrigées dans le film), malheureusement. Toutefois, il a tellement de qualité qu'on les lui pardonne très facilement, tout comme on pardonnera, également, les maladresses (vite oubliées) dans le dessin de Bryan Lee O'Malley.

Fort de son succès de librairie, Scott Pilgrim a été adapté (tardivement, en 2010) sur console, en l'occurrence sur PS3 & XBox 360, en version dématérialisée exclusivement, développée par le studio de Montréal d'Ubisoft. En général, c'est là qu'on dit "aïe". Parce que, bon, les adaptations de BD, films ou anime, ce sont typiquement les jeux où les développeurs en font le moins possible. Après tout, pourquoi s'emmerder alors qu'on a déjà claqué du blé dans une licence pour que le jeu se vende même s'il est mauvais? Fort heureusement, il existe des exceptions à cette règle (Capcom en est pour ainsi dire le roi, puisque ses adaptations vidéoludiques des Marvels ou de Jojo's Bizarre Adventures sont des références en la matière), et fort heureusement encore, Scott Pilgrim vs. The World: The Game en fait partie.

En général, on peut considérer qu'une adaptation est réussie quand, d'une part, elle est fidèle à l'esprit de l'oeuvre (à défaut d'être fidèle à l'oeuvre elle-même), et quand, d'autre part, elle constitue indépendamment de sa licence un jeu de bonne qualité. Ce qui est le cas ici, puisqu'on se retrouve avec l'un des meilleurs beat'em all en 2D de sa génération, pour ne pas dire le meilleur (disons qu'avec Castle Crashers comme concurrent direct, ça mérite discussion), sans que l'esprit "geek" et l'histoire du comic n'en pâtissent.

Il faut dire que le choix d'en faire un beat'em all doté d'éléments de RPG (exp., boutiques, etc.) s'est révélé plus que judicieux: après tout, Scott étant une véritable tête-à-baffe propre à se foutre tout le monde à dos, il paraît presque logique de voir toute la délinquance de Toronto lui tomber sur le coin de la figure, avec les ex de Ramona en guise de bosses (et aussi le père de Knives en boss caché). Le tout avec un déroulement assez linéaire (la carte n'est finalement là que pour laisser le choix au joueur de revenir sur ses pas pour pexer un peu ou acheter un truc utile dans une boutique oubliée dans le premier niveau; au passage, ne ratez pas la boutique secrète de Wallace dans le tunnel, là où se trouve l'étoile sur le mur; on y trouve des trucs très intéressants).

Visuellement, c'est tellement pixelisé (volontairement) que s'en est beau. Le jeu fleure bon les 1990ies et son cortège de Streets of Rage et Final Fight, évoquant également de multiples oeuvres vidéoludiques, à l'instar du comic: les warpzones dotées de cubes façon Mario, la référence à Guitar Hero durant le duel contre Todd Ingram, les coups spéciaux de Scott qui renvoient tantôt à Street Fighter, tantôt à Double Dragon, etc.. Références auxquelles il faut ajouter les multiples clins d'oeil à l'animation (le bras "à la Tetsuo" de Todd Ingram, le "zinger" des frères K., etc.), aux séries TV "classiques" (la limousine façon K2000 au début du troisième niveau) ou au cinéma de genre (presque tout le deuxième niveau et une bonne partie du quatrième). Quant à la musique, histoire de renforcer l'ambiance, elle est signée Anamanaguchi. Avis aux amateurs (de bon goût) de mélodies tirées d'une NES modifiée accompagnée de gratte électrique. Certains éléments de l'OST, comme Another Winter, sont d'ailleurs devenus mythiques.

Succès en comic, réussite en jeu vidéo, il ne manquait que l'adaptation sur grand écran pour parfaire le tout. Je m'étendrai peu sur celle-ci, vu qu'elle a déjà fait l'objet de "critiques" imméritées et de contre-critiques ma foi beaucoup plus pertinentes. Pour faire court: cast superbement bien sélectionné (déjà Michael Cera, Jason Shwartzman et Ellen Wong), très bon jeu d'acteur, scénario qui n'est pas en reste et musique collant parfaitement à l'univers "Pilgrim".

Pour ce qui est de la fidélité au comic, il y a certes eu des libertés de prises (ne serait-ce que par le fait que l'action se déroule sur à peine quelques semaines contre plusieurs mois dans la version papier), mais rarement dans le mauvais sens: le scénario du film, dans son ensemble, est plus cohérent et conserve bien l'esprit d'origine. Au point d'ajouter plusieurs petites références à la "civilisation" geek: les musiques et bruitages de Zelda, un "Ninja Ninja Revolution" qui fait ouvertement référence à DDR, l'histoire (vraie) de l'origine du nom de Pacman, et j'en passe.

D'ailleurs, jusque dans sa mise-en-scène, le film revendique son origine "bédéesque", avec moult onomatopées et effets visuels rappelant le comic (à commencer par les flashbacks dessinés en mode "Bryan Lee O'Malley'). Sans compter les petits "clins d'oeils" comme le t-shirt "Plumtree" que porte Scott lorsqu'il affronte Matthew Patel.

Il s'agit assurément d'un des plus beaux monuments du cinéma geek, mais difficilement compréhensible dès lors qu'on n'est pas vraiment dans le trip. Film générationnel? En effet. Et par conséquent incontournable en dépit de son relatif échec commercial en France (logique, compte tenu de sa distribution en salle), n'en déplaise à certains "critiques" de cinéma.

A peine un peu plus d'une semaine après la sortie (américaine) du film au cinéma, Alison Pill, à la Comicon de San Diego, annonçait que l'histoire passée de Scott et la batteuse Kim Pine allait connaître une adaptation, sans plus de précisions... et le mois suivant était diffusé sur la chaîne Adult Swim un petit épisode d'animation reprenant ce flashback du deuxième volume du comic. N'allant pas casser trois pattes à un canard, ce petit (très) court métrage sert surtout de teaser pour le film. Et puis bon, ça fait toujours un bonus à rajouter sur un blu-ray...

A la base simple comic sans grande ambition d'un geek pour les geeks, il a fini par devenir également un jeu pour geeks et un film pour geeks. Ce qui en soi est un parcours plus qu'honorable pour une "franchise" (puisque c'est que Scott Pilgrim est désormais) âgée de moins de dix ans et dotée d'un budget a priori dérisoire.

Mais cette franchise a-t-elle un avenir? Par essence, elle semble difficile à renouveler sans répétition (ce qui était déjà un peu le cas du comic qui tournait en rond par moments), que ce soit par le biais d'une suite en bonne et due forme ou par du "cross média". Si bien que l'on peut se demander si Scott Pilgrim n'a pas atteint son "point culminant" en 2010 (sortie du dernier volume du comic, du jeu et du film) pour mieux marquer son apothéose: fini, mais à présent incontournable.

Enfin, pour un certain public, s'entend.

Dragon Age II - Mark of the Assassin

2011-10-13T20:17:00.001+02:00

Si sortir des patches ou des add-on n'a rien de nouveau, la tendance actuelle à sortir des jeux pas finis pour les compléter en cours de route constitue quant à elle une tendance assez nouvelle du jeu vidéo. Dragon Age II constitue en soi un bel exemple, puisque de l'aveu même d'une partie de l'équipe de développement, le jeu a été bâclé pour tenir des délais fantaisistes imposés par l'éditeur. De fait, on se demandait, lorsque le jeu est sorti, si l'on aurait pas droit à une foultitude de DLC pour compléter un jeu lacunaire. Mais les premiers DLC (certains étant d'ailleurs sortis en même temps que le jeu; on se croirait chez Namco ou Capcom) constituaient plus des "bonus" que des ajouts conséquents susceptibles de modifier (et améliorer) l'expérience de jeu. Certes, il y avait bien eu le DLC The Exiled Prince, qui rajoutait un personnage supplémentaire accompagné de quêtes, items et romance (et même Leliana en prime). Mais sachant que ledit DLC est sorti le même jour que le jeu, il s'agit plutôt d'un pied-de-nez de la part de Bioware et Electronic Arts aux joueurs; une manière de dire: "on vous vend un jeu incomplet à 70€ (si vous êtes assez con pour l'acheter plein pot dans votre pays de merde), mais on est cool, si vous raquez plus, on vous file la version complète"... Mais passons.

Le dernier DLC, Legacy, renouait vaguement avec Dragon Age: Origins, proposant une quête et une zone géographique supplémentaire... sans la moindre incidence sur la quête principale ou le reste du jeu. Aussi, c'est avec circonspection que je me suis mis à Mark of the Assassin.

Un rendez-vous nocturne qui dégénère en tuerie, l'intervention d'une jeune elfe assassin, la promesse d'un joyau au propriétés magiques... il n'en faut pas davantage à Hawke pour se lancer dans une nouvelle aventure, aux côté d'une nouvelle rencontre, Tallis. Vous voici donc en sa charmante compagnie en visite chez un châtelain orlaisien, le duc Prosper (ah, si le ridicule pouvait tuer...), qui vous a invité à une partie de chasse à la Wyvern (une sorte de dragon de bas étage, mais venimeux, ce qui est un peu dangereux). Mais bien sûr, ce n'est qu'une couverture pour vous introduire dans le château Haine (sic) et vous emparer de la relique convoitée par Tallis, le Heart of the Many.
Mais pendant ce temps, des tractations se nouent entre les Tal-Vashoth et les sbires de l'impératrice orlaisienne, parmi lesquels Prosper lui-même.
En somme, de la baston, des trahisons, de l'aventure, et de jolis décors.

La quête principale se subdivise en trois parties. La première, la partie de chasse, est une phase classique d'exploration mâtinée de rencontres fortuites dégénérant soit en combats à mort, soit en quêtes annexes; rien de bien nouveau sous le soleil, c'est à peu près ce en quoi consistaient vos nombreuses promenades sur la Wounded Coast.

La deuxième est une petite réception rigolote offerte par le duc en l'honneur du tueur de Wyvern, dans un jardin à la française façon XVIIème siècle, où l'on peut croiser quelques têtes connues, comme Lady Elegant, la comtesse De Launcet, le Sénéchal Bran (en charmante compagnie) ou Leliana. Une bonne couverture pour vous permettre de vous frayer un chemin jusque dans la salle où est conservée la fameuse relique. Un peu de roleplay, et beaucoup d'infiltration, puisqu'il vous faudra esquiver les gardes et éviter de vous faire repérer. Pour ceux qui ont joué aux DLC de Mass Effect 2, sachez que, dans l'idée, cela se rapproche un peu des quêtes principales de Kasumi - Stolen Memory et Arrival. Autant dire que l'"infiltration" se réduit à son plus simple appareil et se révèle un quelque peu décevante (avec des gardes plus ridicules qu'autre chose).

La troisième phase consiste à sortir du donjon, ce qui n'est pas une mince affaire. Avec gros boss à la clef.

Côté combat, on évite globalement l'écueil de Dragon Age II et qui lui avait été vivement reproché: la repop intempestive et absurde. Sauf, peut-être, lors des combats vous opposant aux Ghasts, de petites saletés troglodytes qui jaillissent des trous environnants pour vous attaquer. On va dire que là, à la limite, ça suit une certaine logique, et que les ennemis n'apparaissent pas du néant par vagues successives.

On avait également reproché à DAII son côté excessivement bourrin, aux dépends du roleplay et de la réflexion. A priori, ces critiques ont été entendues, et Mark of the Assassin propose au final une proportion de "temps de combat" relativement faible comparé à la durée totale du DLC. En outre, vous "perdrez" plus de temps en infiltration ou à tenter de résoudre les multiples puzzle ou énigmes des diverses quêtes qu'à vous battre. Car oui, on a droit à des énigmes à la Zelda, plus ou moins difficiles (elles ne constituent cependant pas un obstacle quand on a un peu l'habitude). De fait, le rythme de cette quête est quelque peu "ralenti" par rapport au reste du jeu, ce qui n'est pas nécessairement un mal. On regrettera juste que ces aspects réflexifs soient au final assez basiques, mais je doute que beaucoup aient acheté DAII pour sa subtilité...

Disons que c'est un flagrant appel du pied aux fans du premier épisode qui regrettaient l'orientation hack'n slash du second.

Surtout, ce DLC introduit le personnage de Tallis, incarné par Felicia Day dans la série TV Dragon Age: Redemption, laquelle a d'ailleurs débuté le jour de la sortie de Mark of the Assassin. Et très franchement, si sa présence se justifie d'un point de vue narratif, on ne peut pas dire qu'elle apporte grand-chose au jeu. Surtout qu'elle fait "double-emploi" avec Isabela, aussi bien au niveau du gameplay qu'au niveau de son naturel nonchalant/"je-ne-dis-pas-toute-la-vérité-et-je-me-sers-de-vous-mais-je-suis-gentille"... et non, de toute façon, une fois la quête terminée, elle ne vous rejoindra pas, quoi que vous fassiez.

En effet, tous les atouts de ce DLC n'ont aucune incidence sur le reste du jeu, à part un loot équipement quelque peu intéressant récupéré lors des quêtes annexes "Cult of the Sky" et "Pirates and theirs Curses", ou en obtenant la totalité des achievements.

Pour conclure, disons que ce DLC correspond à peu de chose près à ce que l'on aurait attendu de DAII s'il avait été terminé... en version courte. De très bonnes idées, peut-être un peu trop sous-exploitées, hélas, et de toute façon limitées à ce seul espace géographique, le temps d'une quête qui, comme Legacy, ouvre de nouvelles perspectives scénaristiques pour Dragon Age III, mais n'apporte rien, ou presque, au reste de DAII.

Il laisse surtout l'impression que Bioware entend favoriser au maximum la dimension cross-média de son univers. Pourquoi pas, après tout.

Les Loisirs d'Anna

2011-10-09T16:22:00.004+02:00

Ayant fait le constat que je n'avais évoqué que trois des quatre manga de Saigado à avoir été publiés en France, je me vois dans l'obligation d'écrire un petit truc sur celui qui manque: Les Loisirs d'Anna. Alors voilà, il y a des nanas et des mecs, et ils baisent. Bon, je pense que ça devrait suffire... Comment? Non? Ah. Merde.

Wakai Anna, lorsqu'elle était une studieuse étudiante japonaise (oui, je sais, ça fait vraiment très bizarre de voir ces trois mots côte-à-côte), suivait les cours de la belle professeure Akino, laquelle s'en prenait très souvent en amphi à sa tête de turc, un garçon sans histoire nommé Natsumi. Elle découvrit un peu par hasard que ladite professeure se livrait, hors des heures de cours (car quand on est professeur, il faut savoir distinguer sa vie privée de sa vie professionnelle; si si) à des jeux très rigolos, comme se faire prendre en photo (et pas qu'en photo, en fait). Et contrairement aux apparences (attention! Retournement de situation inattendu!), Akino suivait bel et bien les directives expertes de Natsumi, directives suffisamment pertinentes pour que Wakai en vienne à les suivre également.

Devenue secrétaire dans une entreprise ~~merdique~~ lambda, la belle Anna continue sur sa lancée, pour décompresser après des journées de travail fastidieuses et fatigantes: si l'exhibitionnisme urbain était un art, Anna en serait la muse. Enfin, c'est bien rigolo de montrer sa foufoune au premier venu, mais ça sert à que dalle s'il n'y a pas de conclusion... et ça tombe plutôt bien, puisqu'il y a conclusion, à deux, à trois ou à plus. Mais attention, Anna choisit TOUJOURS ses partenaires: uniquement des mecs un peu paumés ou dans une mauvaise passe. Sauf Natsumi, mais lui, ça compte pas: il a une tête de nana.

Bon bon bon... que dire qui n'ait été déjà dit? Parce que bon, les Saigado officiellement diffusés en France se ressemblent finalement tous beaucoup, et Les Loisirs d'Anna, c'est finalement presque la même chose que Les Vacances de Miko. Jusque dans la stratégie éditoriale française, d'ailleurs (changement des noms parce que "Hana", ça doit être plus moche que "Anna", censure qui vaut juste un -16 plutôt qu'un -18, etc.). Et bien entendu, pour ceux qui auraient espéré trouver dans ce manga autre chose que du hentai "standard", c'est raté: très "soft", il se limite à de la pénétration "classique", de la fellation ou de la masturbation... comme les autres titres évoqués plus haut, en fait. Entre personnages majeurs et consentants, bien évidemment (le contraire serait de toute façon étonnant compte tenu de la législation française: le "précédent Angel" est encore dans la mémoire de tous les éditeurs).

Ai-je précisé que les personnages se ressemblent tous? Non seulement d'un manga à l'autre mais même au sein du même titre? Et que c'est particulièrement visible dans Les Loisirs d'Anna (surtout pour les personnages masculins)? Eh bien voilà qui est fait.

Bref, quand on a lu un bunko de Saigado, on peut considérer qu'on a également lu les autres.

Oui, je sais, la qualité des articles sur ce blog s'est passablement dégradée récemment, mais rassurez-vous: le prochain Chitose Piyoko sort en novembre chez Tonkam.

Ma Tutrice

2011-10-06T16:49:00.003+02:00

Certes, le manga est sorti depuis un bon moment. Mais il n'est jamais trop tard pour parler d'un titre de qualité, n'est-il pas? En plus, Steve Jobs est mort, ça se fête! Quoi? Ah non, pas d'aversion particulière vis-à-vis du monsieur (dont la condescendance était aussi légendaire que justifiée) ou de son travail (certainement le meilleur commercial de sa génération), mais j'ai un peu rigolé en apprenant que le format de l'application pour guérir le cancer du pancréas n'était pas pris en charge par l'iOS. Mais passons à présent à l'essentiel.

Pour une fois dans un Saigado, le personnage principal n'est pas une ~~nympho~~ femme, mais un ~~branleur~~ homme. Enfin, un jeune homme, pour être précis, Gendai Kôichi. Fils d'un grand armateur japonais, il apprend un jour avec stupeur que le fleuron de la flotte paternelle... a succombé à un typhon, entraînant le groupe financier tout entier dans les abysses. C'est clair que c'est vraiment pas de bol, d'autant que le papounet était à bord du bateau et qu'il n'a pas été retrouvé. Kôichi passe donc de la grande richesse à la pauvreté la plus totale, poursuivi par de sympathiques et néanmoins facétieux récolteurs de dettes. Ah, et il doit aussi bosser au McDo local, comme un vulgaire étudiant de première année. Bref, une belle vie de merde.

Mais un jour, une jolie jeune femme vient frapper à sa porte, prétendant être l'unique (sic) secrétaire dans l'entreprise de son père... moui, c'est parfaitement crédible. Cette dernière a été désignée par son père pour être sa "tutrice", de manière à l'aider à régler ses petites affaires. Et le voici donc à cohabiter avec sa tutrice, tandis qu'il croise à nouveau la route d'une ancienne copine de classe, Mutsuki, qui va bosser au McDo avec lui et qu'il va devoir "former" (oui, oui, former comme ça, en effet). Avec, en plus, l'obligation de se trouver une petite femme (parce que papa voulait qu'il se marie avant d'hériter du pognon qu'il avait mis de côté pour lui).

Mais que va-t-il bien pouvoir se passer, hohoho?

Bon, ben, euh, Saigado, quoi. Et je crois que tout est dit: un humour potache servant à prétexter la mise en place de scènes polissonnes, toujours en duo (sauf à la fin) et toujours foncièrement classiques. Bref, on constate que depuis 2000, Saigado ne s'est pas foncièrement renouvelé, même visuellement (au mieux, une petite amélioration dans la précision des traits et de l'anatomie)... ah si, un seul point: le côté humoristique provoqué par les interventions du personnage d'Udagawa Gôichirô (créancier de Kôichi) ne se retrouve pour ainsi dire plus dans les bunko récents du cercle.

Pour ce qui est de l'édition de Soleil... eh bien il s'agit de celle de la Futabasha, et non de la version "doujin": un seul volume au lieu de six fascicules, et une censure bien plus importante (malgré tout, ça reste du "interdit aux moins de 18 ans").